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Musique

Arno : le chamanisme du rock

Denis MAHAFFEY

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L'art du rock

Pour le chanteur Arno,

Tomber amoureux c’est comme un mal de tête
Ça vient et ça passe c’est ça qu’elle m’a dit
Il faut soigner les pauvres et les moches aussi
C’est ça qu’elle m’a dit une fois dans un lit.

OLYMPUS DIGITAL CAMERAL’actualité invite à mettre face à face Arno et Leonard Cohen. Tous les deux ont une voix caverneuse : celle d’Arno est éraillée, celle de Cohen n’émerge qu’avec précaution des profondeurs. Ni l’un ni l’autre prône la gaieté des sentiments. Mais le lyrisme de Cohen recouvre des abîmes de tristesse, alors qu’Arno reste un observateur désabusé. « Touch her perfect body with your mind » dit le juif américain ; « Quelqu’un a touché ma femme » dit le Belge flamand.

Ceux qui aiment les chansons d’Arno sont venus au concert qu’il a donné au Mail avec ses quatre musiciens. Il importe de voir la musique, non pas seulement l’entendre. Voilà, en chair et en os, la personne qui chante sur les CD ou à la radio ou sur Deezer.

Sur scène, Arno fait tout pour éviter d’épater. La tête rentrée dans les épaules, il se déplace comme s’il était sur le pont d’un bateau. Ses mouvements semblent être faits au hasard de ce qu’il chante. Un seul mouvement incisif : le balancement du micro sur son pied, d’une main à l’autre, un geste de jongleur.

Ce refus d’emphase n’empêche pas qu’il ait du charisme, que le spectateur ne puisse pas le quitter des yeux. Entre les chansons il marmonne parfois un commentaire. Les nouveaux fauteuils de la salle ne lui ont pas échappé : « Rouges ? Les Soissonnais sont socialistes ? »

Il chante des morceaux de son nouvel album « Human incognito ». Bien sûr, l’amplification poussée de l’accompagnement sur deux guitares, un clavier et la batterie transforme les paroles en élément noyé dans l’ensemble. La fonction primaire d’un concert rock, après tout, n’est pas de faire entendre les chansons avec clarté, mais de passer au niveau d’une puissance rythmique et sonore qui englobera les spectateurs dans une cérémonie. Le rock fait passer l’énergie de la scène à la salle. Les spectateurs deviennent participants, plutôt que de se limiter à regarder et à écouter. Le soliste devient une sorte de chaman, présidant à un échange d’énergie, une médiation entre le pouvoir que dégage la musique ainsi intensifiée, et la capacité des auditeurs-acteurs à le recevoir et l’intégrer.

denis.mahaffey@levase.fr

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Musique

La grandeur indiscrète

Denis MAHAFFEY

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L'art de la transcription

Chef et instrumentistes des Siècles tout sourires devant le public de la CMD

Comment se fait-il que chaque concert de l’orchestre Les Siècles génère dans le public un tel enthousiasme – qui semble d’ailleurs refléter le bonheur des instrumentistes à jouer ensemble ? Leur musicalité ? Le choix des programmes, mêlant le connu aux découvertes ? Le fait que l’orchestre, avec le soutien du Conseil Départemental, vienne si souvent à la CMD que ses membres soient devenues de vieilles connaissances ? Même les entrées et sorties élégantes du chef François-Xavier Roth, qui promettent une soirée de haut vol ?

Presque toutes les œuvres du dernier concert sont liées par leurs origines dans une composition pour piano. Ravel a orchestré ses propres œuvres, La barque sur l’océan, tiré des cinq pièces Miroirs, et la Rapsodie espagnole. Une exception, que l’on sache : Shéhérazade, chansons sur des poèmes de Klingsor. La mezzo-soprano Isabelle Druet avait montré son talent de comédienne en chantant dans la même salle L’heure espagnole (également de Maurice Ravel) en mars dernier. Cette fois, la musique est plus mélancolique ; sa voix et son jeu se sont assombris.

Isabelle Druet et François-Xavier Roth

Ces compositions aux tonalités très différentes expliquent que Ravel soit considéré comme « Impressionniste musical » : les sons suggèrent sans expliciter le sens, passent en un instant d’une couleur à une autre, maintiennent une ambiance chimérique.

Après l’entracte l’orchestre a joué a version transcrite pour orchestre par Ravel de Tableaux d’une exposition de Moussorgsky, qui l’avait composé pour deux pianos. Les lumières ont baissé, les pupitres se sont éclaires comme dans une fosse d’orchestre, et un enchaînement de dessins de Kandinsky, inspirés par la musique, ont été projetés sur un écran.

Le finale tonitruant, évoquant la Grande Porte de Kiev (pas la vraie, mais un projet peint par Victor Hartmann, comme les autres tableaux), montre à merveille le souffle de la musique russe, qui ne craint pas l’excès. A l’écouter, comment ne pas se laisser emporter. C’est grandiose, et la grandeur n’est jamais discrète ?

En bis – et peut-être pour étoffer un programme assez bref – François-Xavier Roth a dirigé La Valse de Ravel. Voilà un autre souffle, aussi puissant mais moins candide, plus explosif, passant du passage mystérieux de début pour contrebasses, violoncelles et basson, à une fin frénétique qui s’arrête dans un silence de mort (jusqu’aux applaudissements).

Le concert, qui a commencé dans la douceur liquide de La Barque sur l’Ocean, s’est terminé dans le faste moussorgskien et la frénésie ravélienne. Une soirée exceptionnelle, comme d’habitude.

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Musique

Le Classique fait incursion : Orchestre Français des Jeunes

Denis MAHAFFEY

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L'art de jouer du Classique

Des contrebassistes en répétition pour le concert.

Un orchestre peut arriver à Soissons dans la journée, se repérer, répéter l’après-midi, jouer le soir, et repartir aussitôt. L’Orchestre Français des Jeunes, au contraire, a passé cinq jours à Soissons. Plus précisément, les quarante-trois participants à la session Classique ont préparé le concert à donner à la Cité de la Musique et de la Danse, puis à la salle Gaveau à Paris.

Une répétition autour du piano sans soliste

L’Orchestre Français des Jeunes recrute chaque année sur audition une centaine d’élèves de conservatoires régionaux pour des sessions de formation symphonique, suivies chaque fois par des concerts. Jusqu’à l’année dernière il offrait une formation particulière en musique Baroque à la CMD. Cette année il a été décidé de la remplacer par une session sur la musique Classique. Pierre Barrois, directeur de l’OFJ, appelle cette nouvelle initiative « une incursion du Classique ».

En musique, il y a la classique et le Classique (avec petit c et grand C). La musique classique comprend toute celle qui se distingue de la musique populaire ; la musique Classique est celle écrite entre 1750 et 1830.

L’OFJ est résident en Hauts-de-France. Pourquoi ce choix ? « Nous avons de bonnes relations dans la Région » commente Pierre Barrois. Il reconnaît ainsi la grande vigueur de la vie musicale locale : trois orchestres y jouent, l’Orchestre national de Lille, l’Orchestre de Picardie, Les Siècles ; les conservatoires et écoles de musique constituent un puits de nouveaux instrumentistes ; mais plus que cela, les autorités s’attachent à permettre aux élèves de jouer ensemble la musique de chambre, orchestrale et chorale. Elles admettent que les solistes des cours individuels doivent apprendre à jouer ensemble pour pouvoir exercer le métier de musicien d’orchestre.

Margaux Bergeon : « Il faut être très délicat pour Mozart. »

Les stagiaires ont déchiffré, mis au point et répété un programme de musique de Mozart sous la direction du chef d’orchestre Julien Chauvin (déjà venu à la CMD pour diriger l’Ensemble Orchestral de la Cité). Ils ont suivi aussi des cours par pupitre avec des musiciens de métier, travaillé en groupes pour la musique de chambre, et participé à des ateliers et conférences.

Margaux Bergeon, étudiante du CRR de Strasbourg et violoniste, explique l’adaptation à faire pour maîtriser le style Classique. « Nous avions appris à jouer d’une certaine façon, avec du vibrato, par exemple, alors que pour Mozart il faut être très délicat. La difficulté vient du fait que nous utilisons nos instruments habituels, et nos archets, pour jouer une musique pour laquelle ils ne sont pas adaptés. » L’objectif est clair : les orchestres (à l’exception des Siècles, qui change parfois d’instruments au milieu d’un concert, selon l’époque) ont besoin d’instrumentistes capables de s’adapter à tous les genres, des musiciens polyvalents.

Le programme à répéter était très exigeant, mais Julien Chauvin a tenu à maintenir une ambiance détendue, aimable et personnelle dans ses contacts avec les stagiaires.

Le soir du concert, les jeunes stagiaires qui avaient répété en jeans, pulls et écharpes étaient transformés, tous habillés en noir. Les jeunes femmes, dont beaucoup en robe longue, étaient simplement plus élégantes, alors que les smokings et nœuds papillon des jeunes hommes accentuaient plutôt leur jeunesse.

Julien Chauvin en conversation avec deux stagiaires

L’orchestre est entré en scène avec l’ouverture de Don Giovanni, preuve de la cohérence de cette formation éphémère. Le premier vrai défi a été le Concerto n°24 pour piano avec en soliste Andreas Staier, dont l’orchestre n’avait fait connaissance que vers la fin de la session. Mais du premier thème joué en unisson à la conclusion qui traduit le désemparement du compositeur, les jeunes musiciens ont montré leur capacité à comprendre ce qu’ils jouaient. Le partage a fonctionné avec le pianiste, un modèle d’éloquence discrète, donnant parfois l’impression d’accompagner l’orchestre au lieu d’être accompagné. En bis, il a joué l’Andante Cantabile de la Sonate en Ut majeur K.330 de Mozart, un « petit bijou » selon Jean-Michel Verneiges, directeur de l’ADAMA, l’organisme qui a tant fait pour encourager la mise en commun des capacités musicales individuelles. Pendant quelques minutes le plateau et la salle ont partagé l’écoute.

Enfin, l’OFJ Classique a joué la dernière Symphonie de Mozart, la Jupiter, le concert se terminant donc avec le feu d’artifice fugal de son Finale (*). Un sans-faute que Julian Chauvin a souligné en offrant, en bis, la dernière partie du mouvement. Les jeunes musiciens l’ont refait comme des trapézistes répétant un triple saut périlleux, pas avec les mains dans les poches, mais avec le même entrain.


(*) George Grove, musicologue anglais : « Mozart a réservé pour ce finale toutes les ressources de sa science, et toute la capacité, ce que personne ne semble avoir possédé autant que lui, de cacher cette science, et l’avoir fait véhiculer une musique aussi plaisante que savante. Nulle part ailleurs a-t-il dépassé cet exploit. »

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Musique

Prochainement (8 nov.) / Concert de géants

Denis MAHAFFEY

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L'art de la musique Romantique

L’Orchestre National de Lille est venu à Soissons en juin dernier sous le nouveau directeur Alexandre Bloch. Il revient avec son ancien chef d’orchestre Jean-Claude Casadesus, bien connu des mélomanes soissonnais : comment oublier ses concerts à la cathédrale, lieu habituel des concerts symphoniques, où la musique sonnait et résonnait parmi les piliers de la nef, jusqu’à l’ouverture de la Cité de la Musique et de la Danse en 2015 ?

Ce concert promet un régal pour ceux que comble la musique Romantique avec ses richesses harmoniques, ses thèmes voluptueux. Des œuvres de trois géants, Berlioz, Mendelssohn et Chostakovitch, seront au programme.

Jean-Claude Casadesus à la cathédrale en 2006.

Après l’échec de son opéra Benvenuto Cellini, Hector Berlioz en a extrait deux de ses thèmes pour en faire une grande ouverture concert, Carnaval Romain. En le composant, il connaissait son affaire : il venait de publier son étude théorique Traité d’instrumentation et d’orchestration – qui pour la première fois détaillait les responsabilités d’un chef d’orchestre.

Tedi Papavrami, violoniste d’origine albanaise dont l’histoire est elle-même pleinement romantique, sera soliste du Concerto n°2 pour violon de Felix Mendelssohn, une des œuvres iconiques du Romantisme. Son début est électrifiant : le compositeur innove en abandonnant la traditionnelle introduction orchestrale en faveur du violon solo, qu’accompagnent les autres instruments.

Trois mouvements et leurs trois thèmes sublimes feront pâmer les susceptibles dans la salle.

Dimitri Chostakovitch peut se rattacher au mouvement Romantique par son utilisation de l’orchestre symphonique. La première Symphonie date de 1926. Reconnue comme sa première grande œuvre, elle l’a rendu célèbre, en Russie et dans le monde. Elle ne dure que trente minutes, mais contient le germe de tout ce qui suivra dans sa carrière. Le contenu est sardonique, spirituel, innovant ; le 3e mouvement, Adagio, qui ferait penser à une marche funèbre, laisse sentir le fond de tristesse et de douleur qui a sous-tendu la vie de ce compositeur, soviétique malgré lui.

Le concert de l’orchestre de Lille finira avec le dernier mouvement, mélange de grâce et de violence, reprenant le thème funèbre.

Ceux qui n’apprécient guère le style Romantique peuvent le critiquer pour son côté populiste, sentimental, son appel aux émotions sans en mesurer les conséquences. Ses défenseurs y verront un moyen d’approfondir ces émotions en gardant toujours la distance qui vient de leur traduction en formes musicales.

Orchestre National de Lille, 8 novembre à 20h à la CMD.

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LA MARMITE D’EDDIE – Corporate – 09-2018

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