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Musique

Le Classique fait incursion : Orchestre Français des Jeunes

Denis MAHAFFEY

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L'art de jouer du Classique

Des contrebassistes en répétition pour le concert.

Un orchestre peut arriver à Soissons dans la journée, se repérer, répéter l’après-midi, jouer le soir, et repartir aussitôt. L’Orchestre Français des Jeunes, au contraire, a passé cinq jours à Soissons. Plus précisément, les quarante-trois participants à la session Classique ont préparé le concert à donner à la Cité de la Musique et de la Danse, puis à la salle Gaveau à Paris.

Une répétition autour du piano sans soliste

L’Orchestre Français des Jeunes recrute chaque année sur audition une centaine d’élèves de conservatoires régionaux pour des sessions de formation symphonique, suivies chaque fois par des concerts. Jusqu’à l’année dernière il offrait une formation particulière en musique Baroque à la CMD. Cette année il a été décidé de la remplacer par une session sur la musique Classique. Pierre Barrois, directeur de l’OFJ, appelle cette nouvelle initiative « une incursion du Classique ».

En musique, il y a la classique et le Classique (avec petit c et grand C). La musique classique comprend toute celle qui se distingue de la musique populaire ; la musique Classique est celle écrite entre 1750 et 1830.

L’OFJ est résident en Hauts-de-France. Pourquoi ce choix ? « Nous avons de bonnes relations dans la Région » commente Pierre Barrois. Il reconnaît ainsi la grande vigueur de la vie musicale locale : trois orchestres y jouent, l’Orchestre national de Lille, l’Orchestre de Picardie, Les Siècles ; les conservatoires et écoles de musique constituent un puits de nouveaux instrumentistes ; mais plus que cela, les autorités s’attachent à permettre aux élèves de jouer ensemble la musique de chambre, orchestrale et chorale. Elles admettent que les solistes des cours individuels doivent apprendre à jouer ensemble pour pouvoir exercer le métier de musicien d’orchestre.

Margaux Bergeon : « Il faut être très délicat pour Mozart. »

Les stagiaires ont déchiffré, mis au point et répété un programme de musique de Mozart sous la direction du chef d’orchestre Julien Chauvin (déjà venu à la CMD pour diriger l’Ensemble Orchestral de la Cité). Ils ont suivi aussi des cours par pupitre avec des musiciens de métier, travaillé en groupes pour la musique de chambre, et participé à des ateliers et conférences.

Margaux Bergeon, étudiante du CRR de Strasbourg et violoniste, explique l’adaptation à faire pour maîtriser le style Classique. « Nous avions appris à jouer d’une certaine façon, avec du vibrato, par exemple, alors que pour Mozart il faut être très délicat. La difficulté vient du fait que nous utilisons nos instruments habituels, et nos archets, pour jouer une musique pour laquelle ils ne sont pas adaptés. » L’objectif est clair : les orchestres (à l’exception des Siècles, qui change parfois d’instruments au milieu d’un concert, selon l’époque) ont besoin d’instrumentistes capables de s’adapter à tous les genres, des musiciens polyvalents.

Le programme à répéter était très exigeant, mais Julien Chauvin a tenu à maintenir une ambiance détendue, aimable et personnelle dans ses contacts avec les stagiaires.

Le soir du concert, les jeunes stagiaires qui avaient répété en jeans, pulls et écharpes étaient transformés, tous habillés en noir. Les jeunes femmes, dont beaucoup en robe longue, étaient simplement plus élégantes, alors que les smokings et nœuds papillon des jeunes hommes accentuaient plutôt leur jeunesse.

Julien Chauvin en conversation avec deux stagiaires

L’orchestre est entré en scène avec l’ouverture de Don Giovanni, preuve de la cohérence de cette formation éphémère. Le premier vrai défi a été le Concerto n°24 pour piano avec en soliste Andreas Staier, dont l’orchestre n’avait fait connaissance que vers la fin de la session. Mais du premier thème joué en unisson à la conclusion qui traduit le désemparement du compositeur, les jeunes musiciens ont montré leur capacité à comprendre ce qu’ils jouaient. Le partage a fonctionné avec le pianiste, un modèle d’éloquence discrète, donnant parfois l’impression d’accompagner l’orchestre au lieu d’être accompagné. En bis, il a joué l’Andante Cantabile de la Sonate en Ut majeur K.330 de Mozart, un « petit bijou » selon Jean-Michel Verneiges, directeur de l’ADAMA, l’organisme qui a tant fait pour encourager la mise en commun des capacités musicales individuelles. Pendant quelques minutes le plateau et la salle ont partagé l’écoute.

Enfin, l’OFJ Classique a joué la dernière Symphonie de Mozart, la Jupiter, le concert se terminant donc avec le feu d’artifice fugal de son Finale (*). Un sans-faute que Julian Chauvin a souligné en offrant, en bis, la dernière partie du mouvement. Les jeunes musiciens l’ont refait comme des trapézistes répétant un triple saut périlleux, pas avec les mains dans les poches, mais avec le même entrain.


(*) George Grove, musicologue anglais : « Mozart a réservé pour ce finale toutes les ressources de sa science, et toute la capacité, ce que personne ne semble avoir possédé autant que lui, de cacher cette science, et l’avoir fait véhiculer une musique aussi plaisante que savante. Nulle part ailleurs a-t-il dépassé cet exploit. »

Le Vase des Arts

Concert du Nouvel An : advienne que pourra !

Denis MAHAFFEY

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L'art du pittoresque

La tradition viennoise de fêter le Nouvel An en musique de valse est devenue une plaisante habitude un peu partout. Pour 2020 la chorale lyonnaise Spirito, dirigée par Nicole Corti et accompagnée au piano à quatre mains par Guillaume Coppola et Thomas Enhco, a proposé son concert Valsez maintenant à la CMD.

En ajoutant un troisième temps à la marche binaire humaine, la valse invite tout naturellement à la danse, ses pâmoisons, ses chavirements de cœur. A ses débuts, d’ailleurs, la valse était considérée aussi indécente que le « twerking » de notre temps.

Dès l’entrée des artistes, la soirée s’est annoncée pittoresque : seize chanteurs, quatre pour chaque pupitre, les hommes en chemise et gilet gris, une broche dorée et enrubannée sur la poitrine, les femmes en grande tenue, chacune dans une robe de style, couleur et degré de chatoiement différents, les deux pianistes en costume sombre et chemise blanche sans cravate, assis côte à côte au grand piano.

Le programme commence par les Liebeslieder Walzer op. 52 de Brahms, chansons d’amour pour différentes configurations de voix. Ce sont des œuvres miniatures et diverses mais d’une bonne humeur constante, interrompue quand même par une composition chorale de Robert Pascal, Les entraves mystérieuses, brillante démonstration de dissonance par les choristes.

Guillaume Coppola joue trois valses de Chopin, qui savait prendre le motif triple et l’adapter, voire le subvertir, pour faire de la Valse en ut dièse mineur une plainte d’amour langoureuse. Le pianiste terminé son cycle par la Grande Valse Brillante, un feu d’artifice qui envoie, et c’est normal, plein d’étincelles – puis ajoute, comme s’il jouait un tour à son partenaire, un extrait des Danses hongroises de Brahms,

Thomas Enhco, déjà connu du public soissonnais pour son inventivité, joue ce qui est sans doute le morceau le plus substantiel de la soirée, une longue improvisation sur… les Danses hongroises, en y introduisant progressivement les syncopes du jazz.

Les choristes reprennent leur place, et les deux pianistes leur tabouret, pour la transcription vocale par Bruno Fontaine de trois valses symphoniques, les complexifiant pour démontrer la virtuosité de la chorale.

Comme Chopin, Sibelius savait, dans sa Valse triste, traduire une mélancolie romantique ; Heure exquise de Lehar est dansante, lente, romantique, en un mot exquise.

Nicole Corti dirige le public.

Pour finir, et pour convertir les plus rétifs, la seconde Valse de Chostakovich. «  Si vous voulez chanter, ne vous gênez pas » annonce Nicole Corti au public ; plus tard, elle se tourne vers la salle et bat la mesure, en faisant des dessins en l’air avec les mains.

Une soirée pittoresque, donc. Il flotte certes derrière cette épithète une autre : « kitsch ». Les robes, la mise en voix de valses orchestrales, même les deux jeunes pianistes impeccablement bien élevés partageant un clavier, pourraient l’évoquer.

Mais tout a été justifié par l’entrain des artistes. Et quand on a pu chanter la valse de Chostakovich, après l’avoir longuement adorée, on ne peut que tout approuver en s’écriant « Bonne année, bonne décennie ! Advienne que pourra… »

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Le Vase des Arts

Sur des chemins de musique : Jean-Philippe Collard joue Chopin, Fauré et Granados

Denis MAHAFFEY

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L'art d'un pianiste

Jean-Pierre Collard termine les Goyescas de Granados.

Il entre en scène, une main dans la poche,  le dos légèrement voûté, les yeux plissés par un petit sourire. Il s’approche du piano, comme un promeneur qui trouverait un piano, peut-être dans une gare. Il s’assied pour l’essayer. Mais au lieu d’une interprétation approximative de l’inévitable Für Elise, Jean-Pierre Collard déroule un collier de diamants : les 24 préludes de Chopin.

D’une durée de 30 secondes à 3 minutes, chacun crée néanmoins un univers, raconte une histoire, arrive même à surprendre l’auditeur. Pourquoi 24 ? Parce que Chopin a utilisé toutes les tonalités, majeures et mineures, assorties pour permettre de les enchaîner sans devoir marquer un arrêt.

Même ceux qui n’ont jamais entendu l’intégrale reconnaîtront des éléments. Le plus célèbre, le 7, est une brève valse, élégiaque, presque funèbre par sa lenteur, qui atteint la transcendance dans un accord culminant en arpège. Le 20 est connu à travers les Variations de Rachmaninov. D’autres, même moins connus, ressemblent en miniature aux grandes polonaises de Chopin.

Jean-Philippe Collard les joue sans partition – comme les autres œuvres du récital – penché sur le clavier, les yeux presque fermés, comme s’il n’avait pas besoin d’auditeurs. Pourtant, il a admis ailleurs ses doutes avant chaque concert. « Au moment de présenter le fruit de mon travail devant une assistance, je me pose toujours la question de savoir si je suis en capacité de la satisfaire. Cela induit alors cette fragilité qui appellera, en quelque sorte, un « sauvetage » par le public. »

Il revient jouer la Ballade op.19 de Fauré, dont, note le programme, il est « interprète de référence ». Cela veut dire que sa lecture offre plus que le plaisir auditif primaire – ce qui est déjà beaucoup : elle éclaire la partition, ouvre des fenêtres par lesquelles le sens se révèle.

Une vieille préoccupation peut parasiter l’écoute : la suggestion que cette ballade contiendrait la « petite phrase musicale » de la sonate de Vinteuil qui joue un tel rôle dans A la recherche du temps perdu. Si c’est le cas, elle viendrait sûrement du 1e mouvement, Andante cantabile. Mais Proust a pu, bien sûr, inventer l’idée (c’est le propre de l’écriture) d’une phrase de musique, sans se préciser des notes, une tonalité, un rythme.

Le concert s’est terminé par des extraits des Goyescas de Granados, dont la Complainte, ou la jeune fille et le rossignol, est le plus connu.

Ce concert à Soissons est une avant-première amicale (la salle contenait de nombreuses personnes ayant des liens au pianiste, originaire d’Epernay) du récital qu’il donnera au théâtre des Champs-Elysées. Ce double événement marque la parution des mémoires de Jean-Philippe Collard, dont le titre, Chemins de Musique, rappelle l’association qu’il a créée pour organiser dans des villages des concerts de musiciens connus, et qui s’est arrêtée faute de financement public.


DM ajoute : J’avais entendu une seule fois l’intégrale des Préludes, jouée par le pianiste franco-suisse Alfred Cortot à Belfast, en Irlande. Je ne savais pas qu’il s’accrochait à l’époque à son renom et continuait à donner des récitals alors que ses facultés étaient en déclin. Peu importe : adolescent sans critère de comparaison, j’avais été ébloui.

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Le Vase des Arts

Mozart, de concert

Denis MAHAFFEY

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L'art de l'intégrale

La totalité des sonates de Mozart pour violon et piano en quatre récitals sur trois jours, dimanche, lundi et mardi : cela donne un autre sens au mot « concert ». L’événement à la Cité de la Musique et de la Danse de Soissons a généré une ambiance de festival, les auditeurs se croisant constamment dans la « rue » qui la traverse.

Une chorégraphie pour Mozart : Renaud Capuçon au violon, Kit Armstrong au piano

Par ailleurs, les seize sonates étaient enregistrées en direct pour le label Erato ; en plus, France 3 avait installé une batterie de caméras pour filmer les concerts en vue d’un programme de 52 minutes, à diffuser ultérieurement. Deux micros tendus vers la salle pour capter les réactions du public rappelaient l’importance de sa présence.

Renaud Capuçon au violon et Kit Armstrong au piano se sont retrouvés ensemble, après leur participation au festival de Laon en 2018. C’est l’histoire d’une entente musicale et personnelle. En 2017 Kit Armstrong a invité Renaud Capuçon à jouer dans l’église qu’il a achetée et transformée en centre culturel à Hirson. Ils se sont si bien entendus qu’ils ont accepté la proposition de Jean-Michel Verneiges, directeur du festival, et de l’Association pour le Développement des Activités Musicales dans l’Aisne (ADAMA), d’y jouer l’intégrale des sonates de Beethoven. Leur retour pour Mozart confirme le partenariat.

Cet événement exceptionnel est la preuve que la programmation de la CMD s’éloigne d’une série de « soirées musicales » pour lesquelles elle n’accueillerait que des concerts tout faits ailleurs. « Je pense que ce projet laissera ses traces » commente Jean-Michel Verneiges,

Renaud Capuçon et son violon Guarneri, mis à sa disposition par la banque suisse BSI

Un tel projet permet aux amateurs de musique de compléter leurs connaissances d’un compositeur et d’approfondir leur expérience musicale. Cela tient du cours, donc, d’une série de leçons, mais sans rien de scolaire : avec Mozart, c’est plutôt un apprentissage de la sensibilité, rendant l’auditeur plus ouvert à la joie de vivre que la musique exprime, à son bouillonnement créatif, aux conversations établies entre les instruments, mais aussi à sa gravité, ses langueurs, ses moments de silence qui interpellent.

La musique de Mozart n’est jamais difficile à écouter, jamais obscure, elle est infailliblement mélodique, se renouvelle constamment. Elle n’est jamais formatée : on peut mettre un auditeur au défi de trouver des schémas répétitifs. Ces sonates chatoyantes passent de l’espièglerie à l’austérité. Les auditeurs n’ont pas le temps de s’habituer, encore moins de s’ennuyer.

Le jeu de Capuçon comme d’Armstrong y contribue par sa clarté, son intelligence, et son aisance – qui, comme celle des danseurs classiques, cache tout effort pour ne pas parasiter l’attention.

Les sonates n’ont pas été jouées par ordre chronologique mais sélectionnées, quatre par récital, pour créer un programme cohérent, se terminant chaque fois par un chef d’œuvre.

Kit Armstrong a demandé un piano Bechstein, la marque qui le suit dans sa carrière.

Chacun dans la salle aura été sensible à telle sonate, tel mouvement. Il y a la K301 par laquelle la série à commencé, et qui aurait pu être de Beethoven ; ou le 1er mouvement de la K379, presque Romantique ; ou la K547, où le violon s’efface jusqu’à ne poser que les accents sur les mots de la partie piano ; ou la dernière sonate du compositeur – et du cycle de concerts – la K526, dont Einstein a dit de l’Andante central « Ce mouvement lent réalise un tel équilibre de l’âme et de l’art qu’on dirait que Dieu le Père a fait cesser tout mouvement pour une minute d’éternité, afin de permettre à tous les Justes de goûter l’âpre douceur de l’existence. »

Le mot « concert » a un autre sens, et les deux musiciens l’ont illustré tout au long du cycle. Renaud Capuçon et Kit Armstrong jouent « de concert ». Ils se passent la priorité selon la dynamique musicale, naturellement, par une sympathie d’écoute. Chacun met en valeur les notes de l’autre.

Mais plus que cela, il y a une évidente chaleur entre eux qui a touché le public et assuré son accueil enthousiaste. Ils laissent voir leur complicité, se sourient, échangent des remarques, rient quand il y a un moment de confusion sur le choix d’un bis. Kit Armstrong traite Renaud Capuçon comme un grand frère, suit son initiative en s’inclinant devant les applaudissements. Quand le violoniste se fige, les yeux fermés, avant de jouer, le pianiste attend en le regardant. (*)

Des musiciens contents de jouer ensemble

Le troisième récital a eu lieu l’après-midi, devant une salle en partie scolaire, et l’ambiance a été plus détendue. Il y a même eu un moment de clownerie involontaire, quand Kit Armstrong a voulu ajuster la hauteur de son tabouret et s’est trouvé presque à genoux par terre. De sa seule main libre, Renaud Capuçon l’a aidé à le remonter et le bloquer.

Une grande réussite, donc, pour la CMD, pour les spectateurs et pour les musiciens, cette rencontre avec une musique si simple et profonde, si constamment inattendue et inévitable. A la fin Kit Armstrong a répété le commentaire du pianiste Artur Schnabel : « Les sonates pour piano de Mozart sont trop faciles pour les enfants et trop difficiles pour les artistes. »


 (*) Les moments de concentration intense de Renaud Capuçon rappellent ce qu’il a dit des concertos de Mozart : « Il faut être en harmonie avec soi-même, du bout des orteils à la pointe des cheveux, être totalement libre pour aborder cette écriture d’un jet. Avoir une colonne vertébrale bien placée et une grande sérénité. Autrement, inutile d’essayer. »

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