Connectez-vous avec le Vase

Théâtre

Un corps à corps pour Maupassant

L'art de Maupassant sur scène

Julie de Sousa Reis et Colette Fourreaux.

Julie de Sousa Reis et Colette Fourreaux.

Cinq nouvelles de Maupassant adaptées pour le théâtre amateur : une soirée à sketches, donc, où des dialogues écrits devront porter la charge narrative ?

Mais « Histoires vraies », créé au théâtre Saint-Médard par la compagnie du Grenier, s’est vite avéré plus considérable que ça. Les cinq pièces se suivent comme les scènes d’une même histoire, celle de la paysannerie normande, dont la vie est pourrie par l’avarice, la rapacité, la bêtise. Et pourtant les personnages arrivent à être attachants, touchants même : captifs d’un système social auquel ils ne peuvent pas s’échapper, ils s’y engagent avec une vigueur inébranlable.

Les dialogues savoureux ont été réécrits par Madeleine Deleu, metteur en scène attitrée du Grenier, pour être dits au théâtre. Ses acteurs sont allés jusqu’à prendre un épais accent normand.

Karine Pujol et Geneviève Hoareau.

Karine Pujol et Geneviève Hoareau.

Le spectacle, devant une salle de générale, pleine jusqu’à laisser quelques personnes debout, commence derrière une corde chargée à linge comme un rideau rudimentaire de scène. Deux jeunes femmes hilares décrochent draps et serviettes alors qu’une troisième raconte l’histoire de Toine, grabataire obligé par sa femme à couver des œufs. Les rires, la férocité : ce seront les leitmotive du spectacle.

Au théâtre amateur, il arrive que les acteurs maîtrisent bien la parole et les expressions, mais que leur corps garde de la raideur, comme s’il était gêné de se trouver sur scène et essaie de ne pas se faire remarquer.

Nicolas Pierson.

Nicolas Pierson.

La méthode de Madeleine Deleu assure un engagement corporel qui donne la force physique d’un corps à corps à ce qui se passe sur scène. Les personnages sont convaincants parce qu’ils ne laissent ni leur voix ni leur visage ni leurs membres en dehors du jeu.. Du travail de professionnel par des non-professionnels.

La soirée se termine par une brève postface : les personnages interviennent sur scène, alors que les deux femmes du début tendent une corde et y accrochent du linge. Le cercle théâtral est accompli.

Le spectacle fini, les acteurs se sont regroupés à la sortie de la salle, artistes descendus parmi nous pour cueillir nos réactions, commentaires, questions, compliments. Jean-Baptiste Coron, Colette Fourreaux, Geneviève Hoareau, Frédéric Karinthi, Dany Peltier, Nicolas Pierson, Karine Pujol et Julie de Sousa Reis (par ordre alphabétique, car il n’y pas de stars, plutôt une équipe, même une troupe) travaillent sur ce spectacle Maupassant depuis un an. Sur scène, cela se voit.

denis.mahaffey@levase.fr

Cliquez pour commenter

Laisser une réponse

Votre adresse de messagerie ne sera pas publiée. Les champs obligatoires sont indiqués avec *

Théâtre

Chekhov : la cupidité et le coup de foudre

L'art d'une première au théâtre

Nicolas Pierson et Julie de Sousa Reis dans L'Ours

Ne devrait-on laisser la première d’un spectacle aux spectateurs les plus impatients, et n’aller le voir que quand il est calibré, rôdé et a pris sa vitesse de croisière ? Seulement, on raterait les moments de trac par personne interposée, le face-à-face entre des spectateurs qui ne savent pas comme sera le spectacle, et les comédiens qui ne savent pas comment sera le public. C’est la seule fois où le résultat de tant de travail sur des mois et des mois est exposé soudain au regard extérieur.

Le Vase des Arts avait fait son choix, et était au deuxième rang au théâtre Saint-Médard pour la création par le Théâtre du Grenier de Plaisanteries, deux pièces en un acte d’Anton Chekhov.

Les lumières baissent dans la salle et se lèvent sur la scène.

Le spectacle débute comme un film muet, sans dialogue et aux mouvements saccadés. Chaque pièce sera ainsi encadré. Cette symétrie s’étend jusqu’à faire jouer les deux couples par les mêmes acteurs, et se retrouve même dans la situation de base d’Une demande en mariage et L’ours. Dans chaque pièce un homme et une femme, après s’être rondement disputés et malentendus, décident de se marier.

La demande en mariage sert surtout de faire-valoir à L’ours. La cupidité y règne, les deux partis ne se soucient que de propriété terrienne, le couple mal assorti ne s’arrête de se chamailler que le temps de se mettre d’accord sur une union qui sera plus celle de bois et de champs que de cœurs. C’est cruel, et c’est désolant d’étroitesse d’esprit.

Au contraire, L’ours démarre dans l’extravagance des sentiments. La femme Elena, veuve qui fait carrière dans le deuil, est confrontée par l’homme, Grigori, venu réclamer le paiement d’une dette engagé par le défunt. Il fulmine, elle s’exclame ; il menace, elle fait de même. On dirait qu’ils ne s’entendront jamais. Mais il suffit de se rappeler combien, au cinéma, Cary Grant et Carole Lombard pouvaient se détester avant de tomber dans les bras l’un de l’autre. Les cris et lamentations d’Elena, dont une belle tirade (pour une comédienne) sur les hommes, surtout son mari volage, et les hurlements et doléances de Grigori, dont une aussi belle tirade (pour un comédien) sur le caractère impossible des femmes, deviennent comme une parade nuptiale d’oiseaux. Appelé à aider sa future amoureuse à charger le pistolet qu’elle entend lui décharger dans le front, Grigori la trouve soudain irrésistible. Le couple se cache derrière un éventail pour échanger un premier baiser.

Les lumières à peine éteintes, les quatre acteurs, Nicolas Pierson et Julie de Sousa Reis qui avaient joué les quatre futurs mariés, Colette Fourreaux, la gouvernante attentionnée de La demande ainsi que la domestique excédée de L’ours, et Geneviève Hoareau, mère de la future mariée de La demande, ont émergé des coulisses pour se mêler aux spectateurs. Nicolas Pierson a pris la parole, précisément pour noter que, parce que c’était la première du spectacle, « nous ne connaissions pas les réactions de la salle, dont certaines nous ont surpris ». La rencontre entre deux inconnus avait eu lieu.

Voir aussi Chekhov au Grenier, sur une répétition de ce spectacle.

Continuer la lecture

Théâtre

Les trois langages de Fabrice Eboué

L'art du seul-en-scène

Pour enthousiasmer le public au théâtre dès que les lumières de la salle baissent, il n’y a pas mieux que de faire paraître sur scène une star du petit écran. L’ayant déjà reçue chez eux à domicile, les spectateurs l’accueillent comme une vieille amie.

D’où le rugissement qu’a entendu Fabrice Eboué en faisant son entrée au Mail pour son nouveau spectacle Plus rien à perdre. Quelques taches de rouge indiquaient les seules places laissées vide, peut-être par ceux qui avaient fait attention aux prévisions de neige.

Une boule d’énergie physique et verbale

Fabrice Eboué est une boule d’énergie physique et verbale qui rebondit sur le public. Il identifie quelques spectateurs qui seront ses repères : Julien au premier rang qui est nommé porte-parole de ses co-spectateurs, Arthur, âgé de douze ans (« Tu as choisi le bon spectacle ! » réplique l’humoriste avec un sourire malin).

Il annonce tout de suite le principe qui justifiera selon lui les excès et provocations qui suivront. « J’en ai marre des gens qui rigolent de tout sauf de ce qui les concerne. » Autrement dit, si quelque chose vous offense, regardez comment le sujet vous atteint : vos préjugés ne seraient pas en ligne de tir ? Il fournit une palette de thèmes à faire rager : le complotisme qui pollue Youtube ; le véganisme ; l’homosexualité ; la religion (« Je suis catholique, la mère de mon fils musulmane ; mon fils me demande « Quelle religion j’aurai ? » « Tu choisiras toi-même : à Pâques papa cache des œufs en chocolat ; Maman égorge des moutons. »), même « l’écriture inclusive » censée éliminer la discrimination masculin-féminin mais qui ignore d’autres inégalités (« J’ai un pote qui est nain ; il veut faire interdire les majuscules. »).

Il déploie trois formes de langage. D’abord, le torrent verbal caustique qui force le spectateur à faire courir ses oreilles pour suivre. Ensuite, son langage corporel : il saute et sautille, fait de grands moulinets avec les bras. Pour montrer son constant désarroi devant l’énormité de certains lieux communs tout entre en jeu, du visage au bout des doigts, incarnant presque littéralement le mot « estomaqué ».

Le troisième langage, le plus évident et en même temps son arme secrète, est un sourire angélique qui respire la bonté, la douceur, l’amabilité. Fabrice Eboué l’extrémiste comique l’utilise en contrepoint à l’outrance de son discours. Derrière le barbarisme humain, entend-il, il nous fait partager notre humanité souriante.

Continuer la lecture

Théâtre

Une balade avec (plein de) chaussettes et où il pleut des parapluies

L'art du clown

Deux jours après Une balade sans chaussettes dans la petite salle du Mail avec, en vedettes, vingt doigts de pied émergeant de chaussettes-mitaines, la scène de la grande salle est apparue tapissée de centaines de… chaussettes jaunes, pour un spectacle du clown catalan Leandre Ribera, Rien à dire.

A la différence des comédiens, qui parlent entre eux et que le public regarde, et des humoristes qui s’adressent directement au public, les clowns font entrer le public dans leur monde. Ce monde peut ressembler au nôtre mais ne l’est pas : il est ailleurs, une autre planète avec ses propres lois et logique. Le public est le bienvenu le temps d’un spectacle, il est même invité à y pénétrer, à jouer un rôle. Il peut en rire mais ne peut que reconnaître que, derrière la gaité, ce monde qu’il regarde sur scène est celui d’une solitude radicale. Le clown est triste, non pas par métier, selon le cliché, mais parce qu’il est seul dans un monde fou.

Le clown et un spectateur s’emploient à nettoyer le miroir dans lequel ils se reflètent.

Ce clown-ci habite une maison dont toutes les parties sont branlantes, la porte, la commode à tiroirs, une inquiétante armoire remplie de… chaussettes. Elles sont kafkaïennes dans leur capacité à le frustrer.

Leandre Ribera fait monter sur scène, chaque fois par une nouvelle astuce, des membres du public. Il ne les ridiculise point, comme c’est souvent le cas avec les humoristes, mais au contraire les incite – avec succès – à assumer un rôle de clown eux-mêmes.

Il suscite des moments de délire généralisé dans la salle. Le hublot d’une machine à laver, dans lequel il met une paire de… chaussettes, s’ouvre et tire vers les premiers rangs de spectateurs, exclusivement des jeunes, des centaines de… chaussettes. Ils doivent les enrouler et les jeter sur scène, en visant un grand tonneau vide. Le clown attend, se penche, regarde dans le tonneau avec un léger mépris, lève trois doigts. Le bilan est maigre.

A part un seul long cri, Leandre Ribera n’émet aucun son, aucun mot. Il n’a « rien à dire ». Cela n’empêche pas que ce clown aussi marrant qu’attristant, par ses gestes, ses grimaces, ses mouvements, et par les trouvailles de mise en scène (telle une pluie de parapluies sans raison, juste comme ça), possède une grande, une très grande éloquence.

Continuer la lecture
P U B L I C I T É
LA MARMITE D’EDDIE – Corporate – 09-2018

Catégories

Facebook

Inscription newsletter

Top du Vase