Musique
CMD : traverser la rue
L'art du Conservatoire
Le couloir qui traverse la Cité de la musique et de la danse, entre les portes d’entrée sur la façade vitrée, qui encadre et fait écho à Saint-Jean-des-Vignes en face, et la porte du fond, a été conçu par son architecte Henri Gaudin comme une « avenue ». C’est plutôt une rue, qui change de largeur et de forme, contourne un escalier et s’ouvre sur la « place » de la billetterie et du bar. Ce lieu de passage sépare l’auditorium public du Conservatoire pour les élèves.
Le spectateur qui entre par la porte de devant reconnaît à droite les sas d’accès de la grande salle de concert en bas et en haut de l’escalier. Mais toutes les petites portes à sa gauche, celles du Conservatoire, restent quelque peu mystérieuses, s’ouvrant sur des couloirs avec d’autres portes, et des escaliers qui montent jusqu’à la passerelle vitrée qui traverse la rue et relie les deux parties du bâtiment.
Les élèves du Conservatoire connaissent ce dédale de salles de cours comme leur poche. Ils vont aussi en face ; mais le public qui vient aux événements dans le grand auditorium ne pénètre qu’exceptionnellement de l’autre côté.
Benoît Wiart, directeur de la CMD
A son ouverture en 2015, une direction bicéphale était prévue pour la Cité de la Musique et de la Danse (« la CMD »). Le premier responsable du « pôle Diffusion », c’est-à-dire des concerts, est parti en 2016, et lorsque Philippe da Silva, directeur du Conservatoire, a pris sa retraite du « pole Enseignement » au printemps dernier, Benoît Wiart a pris en main les deux activités. « C’est plus logique » admet-il.
Avant de prendre le poste ce corniste de formation, qui a déjà joué à Soissons, avait créé et dirigé l’Ecole intercommunale de musique de la Thiérache du Centre.
Il parle avec tant de clarté et volonté de ses projets pour la CMD qu’il est évident que pour ce musicien l’administration d’un tel ensemble, loin de peser, est justifiée par la musique qui en émerge.
Depuis son arrivée, il a voulu rapprocher les deux pôles de la CMD, par la diffusion d’un programme d’événements musicaux au Conservatoire en parallèle au programme « officiel » d’événements dans la grande salle.
Il propose d’attirer vers des événements présentés par le Conservatoire aussi bien les fidèles de « la grande salle » que ceux qui apprennent dans les salles de cours. De telles activités reflètent aussi un aspect important du rôle de la CMD, celui d’atteindre un public toujours plus large, dont celui qui n’a que peu d’accès à la musique. Jouer un instrument c’est s’ouvrir à un monde de richesses insoupçonnées et à un épanouissement personnel.
Benoît Wiart assure que ce programme musical sera « d’aussi haute qualité que celui de l’auditorium. Il y a plus de souplesse pour ces activités que pour le programme de la CMD, fixé pour la saison. »
La démarche est construite sur deux axes. Il y a des « Journées » pour mettre en valeur un instrument, clarinette, contrebasse, piano, avec des récitals, master-classes et auditions. « Cela demandera parfois un long travail de préparation » explique Benoît Wiart, « et parfois cela peut se faire assez rapidement. » La Journée consacrée au piano s’étale même sur deux jours, comprenant un récital par Eleonora Spina, professeur au Conservatoire, et Michele Benignetti, professeur à celui de Saint-Quentin, primés aux Global Music Awards américains.
L’autre innovation est « En scène », un rendez-vous régulier avec des élèves qui se présenteront devant le public. C’est aux élèves de proposer une prestation et à leurs professeurs de valider ces propositions. Benoît Wiart précise qu’il ne s’agit pas d’auditions, mais d’accoutumer les élèves l’expérience à se trouver devant le public.
Il y a d’autres temps forts: une première participation à la « Nuit des conservatoires », la poursuite celle de la « Nuit des musées », et surtout « Les incroyables aventures de Mister Fogg », récit inspiré par « Autour du monde en 80 jours » et conté par Vincent Dussart, metteur en scène de la compagnie de l’Arcade et professeur de théâtre au Conservatoire, avec un orchestre composé de professeurs et de musiciens de l’orchestre Les Siècles. « Un vrai spectacle jeune public » selon Benoît Wiart. Il rappelle que les professeurs sont à la fois « des artistes et des enseignants ».
D’autres occasions se présentent. Un concert des Siècles a permis au sextuor de cordistes de l’orchestre, « La Pléiade », de passer une journée avec les élèves et de donner un récital dans l’amphithéâtre du Conservatoire. La Journée de la Clarinette verra l’Harmonie Municipale de Soissons se produire pour la première fois à la CMD.
Les Conservatoires de Lens et de Soissons présentent deux séances d’« improvisation générative » ; cette discipline, couvrant toutes les formes musicales, implique une improvisation par rapport à l’écoute de musique écrite.
Enfin, un « Projet danse contemporaine, architecture et photographie » a lieu en juin.
C’est simple : pour avoir accès à toute cette musique, il suffit de traverser la rue.
Journée de la Contrebasse, 7 avril ; Journée de la Clarinette 14 avril, Weekend autour du Piano 26 mai
En scène, de 18h30 à 19h15 dans l’amphithéâtre, les 30 janvier, 13 février, 13 mars, 3 avril, 15 mai, 5 et 26 juin
Nuit des Conservatoires, 26 janvier à partir de 21h
Improvisation générative, les 17 février et le 31 mars
Les incroyables aventures de Mister Fogg le 29 mars, à 10h et 14h
Nuit des Musées, 25 mai
Projet danse contemporaine, architecture et photographie, le 20 juin à St-Jean-des-Vignes, à coïncider avec
Portes ouvertes (« Toutes les portes le seront sans exception ! » ajoute le Directeur.)
L'art du tango
Le compositeur argentin Astor Piazzolla, déjà célèbre pour son œuvre inspiré par les rythmes du tango, passe à un autre niveau de renommée en devenant le sujet d’une composition d’un autre compositeur, argentin aussi. Martin Palmeri a écrit la Pasíon segun Astor qui sera chanté et joué au concert donné par l’ensemble choral Axonance à la Cité de la Musique de Soissons le 27 mai. Avec le compositeur au piano, Axonance et son directeur Stéphane Candat seront accompagnés par le quintette à cordes’ensemble de chambre Ad Libitum, le bandonéoniste Jeremy Vannereau, et même deux danseurs du tango. Il y aura des pièces et chants solos du compositeur, dont Libertango et Adios Nonino, adieu déchirant à son père.
Stéphane Cantat, fondateur et directeur d’Axonance [Photo Axonance]
Même dans les chorales où les membres chantent surtout pour le plaisir, ils s’impliquent beaucoup. Axonance visant une qualité quasi-professionnelle, avec des choristes déjà de bon niveau, l’engagement doit être soutenu et fort. Chaque choriste vise à travailler la pratique chorale dans un environnement vocal réduit, pour assurer une homogénéité et un son adapté à chaque esthétique musicale. Ils se retrouvent deux demi-journées par mois et le répertoire s’étend des débuts du Baroque au XXIe siècle. L’ensemble se dirige vers des programmes chambristes, à capella ou accompagné de l’orgue ou du piano. Le concert Piazzolla est donc exceptionnel.
Axonance recrute des chanteurs venus de chœurs de la Marne, de l’Aisne et de l’Oise, mais il est soissonnais, créé dans la ville quelques heures après la destruction de la Rose de la cathédrale par la tempête Egon – et il a chanté lors de l’inauguration du nouveau vitrail en 2022.
La musique de Piazzolla et son bandonéon ont pris leur place parmi le plus grands dans les salles de concert, mettant les sens en émoi, communiquant ses rythmes langoureux aux mêmes publics que Mozart et Beethoven. Destin prestigieux pour le tango, né dans les bordels de Buenos Aires, et dont le rythme subvertit la bienséance en y glissant une sensualité entêtante.
La Pasíon segun Astor, 27 mai à 20h à la CMD ; 28 mai à 16h, église Saint-Maurice, Reims.
L'art du concert-lecture
Deux jours après les feux d’artifice et le côté grand spectacle du premier concert du festival qui commémore l’arrivée de Bach à Leipzig en 1723, le public est revenu à la Cité de la Musique de Soissons. La foule de musiciens pour l’Art de la Fugue est remplacée par un pianiste et un comédien. Kit Armstrong joue les Variations Goldberg de Bach, alternant avec la lecture par Didier Sandre d’extraits du Naufragé, roman de l’auteur autrichien Thomas Bernhard.
Les lumières baissent sur le plateau vide qui les attend, et le seul éclairage émerge sous le couvercle ouvert du piano. Y doit-on voir un signe avant-coureur du rôle de la musique dans ce qui suit, sa clarté face à la noirceur du texte ?
Le plateau s’éclaire. Kit Armstrong s’assied au piano. Didier Sandre prend place à son lutrin et lit la première phrase du texte. « Si je n’avais pas fait la connaissance de Glenn Gould, je n’aurais probablement pas renoncé au piano et je serais devenu un pianiste virtuose, et peut-être l’un des meilleurs pianistes virtuoses du monde. »
L’extrait terminé, le pianiste commence par l’Aria qui initie les Variations. Il intervient ensuite douze fois pour jouer l’ensemble des 30 variations, en revenant à l’Aria pour terminer. La musique alterne avec les extraits d’une sombre histoire de trois brillants étudiants de piano, élèves de Vladimir Horowitz, dont deux, le narrateur et Wertheimer, abandonnent l’instrument, devant le génie du troisième, qui est Glenn Gould,.
Le narrateur ne croit qu’à une perfection inatteignable – et s’il l’atteignait, elle signifierait la stagnation et donc la mort. Wertheimer, qui ne sait que viser ce qui le dépasse, se suicide par pendaison. Le génie illumine et écrase, tire vers le haut et pousse vers le bas.
Le texte, écrit comme une suite de variations pour correspondre aux variations de Bach, raconte l’assombrissement de la situation, du narrateur plongé dans l’écriture frustrée d’un essai sur Gould, de Wertheimer de plus en plus attiré par l’autodestruction.
C’est un thème constant dans l’œuvre de Bernhard. Comme l’écrit le critique Etienne Diemert, « À rebours de l’idée de croissance — germination, éclosion et floraison —, le pessimisme ou la mélancolie de Thomas Bernhard, toujours alliés au grotesque, mettent en valeur l’extinction et le dépérissement, notamment via le thème du suicide qui court à travers son œuvre. » (*)
Cela résume les qualités apparentes dans Le Naufragé. Il s’agit moins d’un récit que d’un commentaire sur ce récit, et l’interjection de l’expression « pensai-je » après presque chaque phrase met une distance supplémentaire entre la réalité et la version qu’en donne le narrateur ; surtout, lu à haute voix, le texte prend une tonalité incantatoire.
Le texte se termine par une question : qui, de Glenn Gould ou de Wertheimer, sera au centre de leur double histoire ?
Cet extrait final est suivi par la dernière fugue de l’Art de la Fugue, Contrapuntus 14 (par lequel le précédent concert s’était conclu aussi). Bach ne l’a pas terminé, ce qui fait qu’il s’arrête sur un accord qui n’atteint pas sa résolution. Ni le texte ni la musique ne mènent à une fin heureuse : ils laissent derrière eux un silence lourd.
Didier Sandre réussit à maintenir la tension à travers ces fragments-variations par la sobriété douce de sa voix, jamais pressée, jamais agitée, mais jamais monotone.
L’interprétation de Kit Armstrong ne se mêle pas de refléter l’ambiance créée par le texte de Bernhard : ses interventions interviennent chaque fois pour rappeler que la musique est indifférente à la parole ambiante. La vitalité, l’intensité, la sérénité, la transcendance de la musique ne sont pas touchées par ce qui les entoure.
(*) Voir TK21 La Revue 135
Présent à la Cité de la Musique en tant que directeur de l’Association pour le Développement des Activités Musicales dans l’Aisne, Jean-Michel Verneiges avait pourtant une raison supplémentaire d’être là, tout en restant très discret quant à son rôle dans Le Naufragé.
A côté de son travail d’organisateur et inspirateur de la vie musicale du Département, il a conçu une série de ce qu’il appelle des « concert-lecture » mariant paroles et musique, dont celui-ci est le plus récent, créé en 2018. Cette activité de création est analysée dans le portrait paru dans le Vase Communicant en 2018.
Abordé avant le spectacle, il a assumé sa responsabilité pour ce qui suivrait, a même admis être « toujours un peu ému quant à l’accueil du public à chaque représentation ». Il a souligné la nécessité d’un lien fort entre ce qui est dit et ce qui est joué. Ni la parole ni la musique ne sont là pour « accompagner » l’autre. Le Naufragé est un exemple particulièrement saisissant, car l’œuvre de Bach est un sujet central du roman de Bernhard.
Les trois autres concerts de cette commémoration auront lieu entre juin et octobre :
* Abbaye Saint-Michel : Bach, Variations Goldberg, Jean Rondeau, clavecin – 18 juin à 14h15
* Cloître Saint-Martin de Laon : Bach, Art de la Fugue, Kenneth Weiss, clavecin – 3 septembre à 17h
* Conservatoire de Laon : Bach’s groove, thèmes des Variations Goldberg et de l’Art de la Fugue, trio Paul Lay – 3 octobre à 20h
L'art des fugues
Le premier de cinq concerts autour de l’Art de la Fugue et les Variations Goldberg, pour marquer le tricentenaire de l’installation de Bach à Leipzig en 1723, a eu lieu à la Cité de la Musique de Soissons. Les quatre autres, à Soissons, l’abbaye Saint-Michel et Laon, s’étalent jusqu’en octobre.
Le plateau était rempli de musiciens, instrumentistes et chanteurs, pour un programme complexe et exigeant : l’Orchestre Philharmonique de Radio France et l’ensemble Capella Mediterranea sous leur chef argentin Leonardo Garcia Alarcon, le chœur de Radio France, la jeune soprano suisse Marie Lys, et deux bandeonistes à l’instrument iconique argentin.
Au programme, répartis parmi toutes ces formations et leurs solistes, L’Art de la Fugue de Bach, chaque fugue en alternance avec un choral du Chorbuch du compositeur argentin Mauricio Kagel, reflétant les fugues de Bach mais en les métamorphosant, même jusqu’à faire chanter les choristes une fois à travers des mégaphones apparemment en carton.
Ce programme pouvait paraître hors de la portée de bien des auditeurs qui remplissaient la salle jusqu’au dernier fauteuil. D’ailleurs l’heure de début, 19 au lieu de 20 heures, pouvait faire croire qu’il allait tirer en longueur. Non. Le concert à duré une heure et demi, mais le contrat avec Radio France exigeait le retour des musiciens à Paris pour 22 heures, peut-être pour éviter des heures supplémentaires pendant le trajet en car.
Le programme imprimé détaillait le contenu du concert ; en réalité, il était facile, dans l’obscurité, de perdre pied, devant les interventions successives et déroutantes, la chorégraphie des musiciens changeant de place pour composer différentes formations. Le déroulement a été plein d’inattendus.
Les deux bandéonistes ont eu un triomphe avec leur longue Improvisation.
Perdre pied ? C’est peut-être le secret. Au lieu de suivre, d’analyser, de reconnaître ou d’essayer de comprendre, ce concert invitait le public à se laisser emporter par la somptueuse activité sur le plateau, renverser par les déferlantes successives.
Toutes ces richesses viennent, il faut se rappeler, de la forme d’écriture musicale qu’est la fugue. Par sa complexité et ses règles de composition, elle ferait penser à des mots-croisés, ou même des suduku ; néanmoins, elle peut émouvoir profondément. Il est dit que Bach n’est pas le meilleur modèle à suivre, car il faisait trop d’entorses aux règles imposées pour le modèle de base, la « fugue d’école », se permettait des écarts créatifs. Voilà la raison de l’amour universelle de ses compositions.
La dernière fugue, la 14, est restée incomplète parce que Bach serait mort à ce moment-là. Tout s’est donc arrêté soudain, dans un silence que Leonardo Garcia Alarcon a prolongé, avant de marquer la fin du concert et recevoir les applaudissements.
Il a pris la parole pour avouer que ce concert était pour lui « un rêve et un cauchemar », sans doute un rêve pour la musique, un cauchemar pour la logistique de l’organisation.
Nous avions passé la soirée hors des préoccupations quotidiennes ; il a rappelé l’actualité atroce en proposant, pour terminer, Dona nobis pacem de la Messe en Si mineur de Bach. « Accorde-nous la paix. »
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