Connectez-vous avec le Vase

Musique

L’autre Angleterre à la CMD

Publié

le

L'art de la musique anglaise

Il restait quelques places inoccupées dans le grand auditorium de la CMD pour le dernier concert de la saison, mais le plateau était plein. Les cuivres au fond, les contrebassistes côté cour et les harpistes côté jardin avaient le dos au mur. La Jeune Symphonie de l’Aisne (nouveau nom depuis 2016 de la « Symphonie des Siècles ») compte plus de cent musiciens, des élèves de conservatoires et d’écoles de musique du Département, avec ceux des membres de l’orchestre Les Siècles qui ont animé les stages de préparation des œuvres à jouer.

Au programme figuraient deux compositeurs anglais, Edward Elgar et Gustav Holst. A un moment ou les anglophiles peuvent avoir mal à la tête, à voir ce pays dont ils appréciaient les valeurs agir comme un enfant qui passe son puzzle préféré au mixeur dans l’espoir d’en faire un tout nouveau, ils ont pu retrouver dans la musique un reflet des qualités qu’ils prisaient.

Gary Hoffman joue Elgar.

Le violoncelliste canadien Gary Hoffman, déjà venu à la CMD en 2016, a été soliste du concerto pour violoncelle d’Elgar.

A partir des premiers coups d’archet en solo pour un thème qui éveille immédiatement la sensibilité de l’auditeur, les quatre mouvements constituent un voyage dans l’intériorité, exprimée dans une musique belle, sereine, mais qui touche aussi à la douleur intime de la condition humaine.

L’émotion sourd, mais toujours avec retenue, cette réserve attribuée communément aux Anglais, le « phlegme britannique » disait-on par le passé. Cette distance est celle qui permet, comme dans le théâtre de Brecht, de participer pleinement sans perdre son pouvoir d’observation. On est loin des pâmoisons tchaïkovskiennes.

Gary Hoffman était parfaitement accordé à cette méditation, si concentré et à l’aise qu’il pouvait regarder autour de lui pendant les brèves périodes où le violoncelle était silencieux.

Le retour du sublime thème du début pour conclure le dernier mouvement fait penser au vers du poète anglais Eliot sur la nature du temps : « In my beginning is my end. »

 « Les planètes » de Gustav Holst ont suivi sans entracte. L’intériorité d’Elgar y est remplacée par une évocation de la nature astrologique des planètes du système solaire (*). Les jeunes musiciens y ont fait face avec aplomb et perspicacité.

Au premier mouvement dévoilant « Mars », dieu de la guerre, l’orchestre a joué à un fortissimo pas encore entendu dans cette salle. Des dissonances reflètent la violence brutale de la guerre, mais Holst laisse entendre aussi que la guerre suscite une exultation guerrière. « Venus » montre l’autre face, la paix, la sérénité chantante qui succède à la guerre. « Mercure » rappelle qu’un nom pour le mercure est « vif-argent », « Saturne » traduit les inquiétudes, la sérénité et le mystère de la vieillesse. Dans « Uranus » le magicien danse comme l’apprenti sorcier de Dukas.L’ordre habituel a été changé, pour finir par « Jupiter », chant radieux dont le thème central s’envole comme un hymne qui ne serait pas national mais qui célébrerait le sentiment d’appartenance à l’humanité tout entière.

(*) « Neptune » a été exclu, sans doute parce qu’il fait intervenir un chœur de femmes. Par ailleurs, la planète Terre ne figure pas dans l’œuvre, peut-être parce qu’elle n’a pas de sens astrologique.

denis.mahaffey@levase.fr

0  Comme chaque année le chef d’orchestre François-Xavier Roth a pris la parole pour rappeler l’importance de cette initiative, combien l’Aisne est privilégié d’avoir une vie musicale dynamique, et d’attacher de l’importance à l’élargissement et la transmission de la pratique musicale. « Nous avons la chance de disposer de cette magnifique salle. Sans elle, nous n’aurions pas pu jouer ce programme, pour lequel il y a des exigences acoustiques. »

Continuer la lecture

Le Vase des Arts

La musique Romantique poursuit son chemin à la Cité : Mendelssohn et Grieg

Publié

le

L'art de la musique Romantique

La dominante Romantique de la saison musicale 2023-24 à la Cité de la Musique de Soissons, illustrée par le concert de l’Orchestre Nationale de Lille en septembre, avec Grieg et Tchaïkovski, est confirmé par celui de l’Orchestre de Chambre de Nouvelle Aquitaine, avec Mendelssohn et, encore, Grieg.

La soliste Manon Galy et le chef d’orchestre Mark Coppey

Comme pour marquer quand même une parenthèse entre les deux programmes Romantiques, et rappeler que les silences peuvent, non pas interrompre la musique mais créer des respirations dans l’écoute, le concert a commencé par Words, une très courte œuvre de la compositrice allemande contemporaine Isabel Mundry.

Ensuite, la très jeune violoniste Manon Galy, lauréate aux Victoires de la musique 2022, a remplacé Alexandra Soumm comme soliste dans trois concerts avec ce même programme, sous la direction de Mark Coppey.

Il s’agit d’un des défis auquel doit faire face tout violoniste. Le concerto de Mendelssohn met à l’épreuve sa virtuosité et sa sensibilité.

Ce qui s’est passé a été une sorte d’histoire… romantique. Manon Galy est arrivée sur scène, étincelante en lamé argent, l’air fragile, le visage fermé. Après les quelques notes qui précédent l’entrée du violon au début – une nouveauté par rapport au schéma Classique, qui veut que l’orchestre joue une introduction, comme une mini-ouverture, elle a attaqué. La cadence vers la fin du premier mouvement a été brillante, le basson et la flûte ont fait le pont et elle s’est lancée dans le mouvement lent, exaltant, contemplatif et parfois déchirant. Son visage a changé, elle s’est détendue, et avec le troisième mouvement furieusement énergétique, elle a confirmé sa maîtrise. Une réussite, et elle le savait car elle était souriante en saluant la salle et l’orchestre.

En bis, elle a osé affronter la Méditation de Thaïs de Massenet, piège pour tout musicien susceptible d’être tenté de faire pâmer la salle. Manon Galy est restée ferme, évitant toute sentimentalité, tout…romantisme, et a ému. Encore une Victoire, que le public a semblé reconnaître par son accueil.

Avant le concert la harpiste Iris Torossian prépare son instrument, noir comme sa robe.

Ce grand moment passé, les auditeurs ont pu se laisser divertir et charmer par les deux suites Peer Gynt de Grieg. Les trois « tubes » font toujours plaisir, à écouter et, dans une salle de concert, à voir, et les cinq autres pièces, moins familières, se laissent davantage connaître.

Ce double événement, et les autres concerts programmés pour la saison, proposent un long regard vers l’ère Romantique, dont les compositeurs, laissant leur inspiration, les mouvements de leurs émotions, générer les formes de leur art, bousculaient les structures plus ou moins strictes de composition des époques Baroque et Classique.(*)

(*) Admettons que les amateurs du Baroque et du Classique défendent ces structures (comme ceux qui, en poésie, préfèrent le sonnet et l’alexandrin au vers libres) en pensant qu’au lieu d’entraver la créativité elles l’éperonnent, posent un défi fécondateur au compositeur (comme au poète).

Un commentaire ? denis.mahaffey@levase.fr

Continuer la lecture

Le Vase des Arts

Concerto et symphonie d’amis : Grieg et Tchaïkovski

Publié

le

L'art de la musique Romantique

Alice Sara Ott au piano, Alexandre Bloch à la baguette, attentif l'un à l'autre

Les programmes papier de la Cité de la Musique accordent une place prépondérante à la carrière des solistes et du chef. Les œuvres font de temps de temps l’objet des excellents « guides d’écoute » rédigés par la Classe d’Analyse de Christine Paquelet au Conservatoire. Mais parfois ils contiennent une petite mise en contexte des œuvres, toujours brève, profonde, instructive – et anonyme. Pour le concert de l’Orchestre National de Lille à la Cité de la Musique, la feuille distribuée à l’entrée, à côté des noms des musiciens d’orchestre, ce qui est rare, commentent les deux œuvres à jouer, le Concerto pour piano de Grieg et la 5e Symphonie de Tchaïkovski.

Les spectateurs y apprennent que les deux compositeurs se connaissaient et s’appréciaient. Cela éveille l’oreille à une communauté d’approche entre les deux – un exercice enrichissant quand il s’agit de « tubes » classiques, si souvent entendus qu’ils risquent de devenir une musique de fond.

Soliste et chef devant le public

Ainsi, les deux œuvres ont un côté spectaculaire, en faisant pleinement appel aux capacités des musiciens. Pour le concerto, cela inclut l’exploit technique de la soliste, Alice Sara Ott, jeune et presque frêle devant son clavier. Il s’agit de l’aspect visuel d’un concert, de la possibilité pour les auditeurs de « voir » la structure d’une œuvre, à travers les gestes des musiciens, et d’apprécier leurs capacité physique à mettre en sons l’inspiration du compositeur. Le début du concerto est comme toujours extraordinaire, les percussions précédant l’entrée fracassante du piano seul.

La 5e de Tchaïkovski s’engage dans le lent passage de l’inquiétude du début, du doute, vers leur résolution finale dans la certitude.

Par ailleurs, Grieg et Tchaïkovski partagent la capacité, au milieu de passages d’intensité prodigieuse, d’inclure des thèmes capables d’inspirer chez les auditeurs un sentiment si profond que la joie et la tristesse ne s’y distinguent plus.

Après le concerto, et avant la symphonie, Alice Sara Ott a pris la parole pour présenter son « bis ». Elle a parlé du nouveau piano de la Cité, en admettant qu’il lui fallait le temps de s’y habituer, et proposant, après Grieg, « quelque chose de plus intime » : Pour Alina d’Arvo Pärt, œuvre clef de ce compositeur estonien sur son chemin du minimalisme. L’effet dans la salle a été de marquer un interlude dans une soirée de vastes mouvements et de grandes émotions et parfois, dans le cas de Tchaïkovski, admettons-le, d’emphases théâtrales. Le morceau prend quelques minutes, mais il peut durer jusqu’à dix, selon l’interprète : Alice Sara Ott a choisi la brièveté, d’autant plus éloquente dans un océan de Romantisme.


La musique de l’époque Romantique a les faveurs de la Cité de la Musique cette saison, parfois de façon rapprochée : le concert de l’Orchestre National de Lille, avec Grieg et Tchaïkovski, est suivi quinze jours après par un autre, consacré à Mendelssohn et, à nouveau, Grieg.

Un commentaire ? denis.mahaffey@levase.fr

Continuer la lecture

Le Vase des Arts

Anatole Jazz Club : s’ouvrir à l’inattendu

Publié

le

L'art du jazz

Né à Soissons, parti dix ans en Angleterre où il a été professeur de français, de retour juste avant le confinement Covid, Nawfel Hermi a ouvert depuis un an Platinorama, magasin de disques spécialisant dans les années ‘60 à ’80. Guitariste autodidacte, il marque une nouvelle étape en inaugurant l’Anatole Jazz Club au théâtre Saint-Médard le 5 octobre avec son quatuor, Philippe Rak au vibraphone, Stéphane Belloir batterie, Rémi Gadret basse et contrebasse.

Le jazz pour Nawfel ? « L’improvisation. Il faut s’ouvrir à l’inattendu. Il faut connaître les règles, puis se lancer. »

Rémi Gadret, responsable pour ce projet avec la compagnie Acaly, prévoit d’ici juin 2023 9 concerts, conférences et sessions jam (où les jazzmen peuvent faire connaissance et expérimenter sans cérémonie), fondant ainsi un vrai lieu où le jazz peut s’établir, s’enrichir – et enrichir la vie musicale à Soissons.

Pour Rémi comme pour Nawfel, l’improvisation, la spontanéité sont au cœur du jazz. « Mais Bach aussi était un grand improvisateur. L’écrit n’a pris tant d’importance qu’avec les grands compositeurs classiques. »

Enfin, pourquoi « Anatole » ?  C’est un code de structure (comme le « blues »), 32 mesures de type AABA, une grille basée sur « I got rhythm » de Gershwin.  Il suffit de signaler « une anatole en si bémol » et c’est parti.


Nawfel Quartet, théâtre Saint-Médard, 5 oct. Dîners-concerts à 19 et 21h.

Continuer la lecture
P U B L I C I T É

Inscription newsletter

Catégories

Facebook

Top du Vase

LE VASE sur votre mobile ?

Installer
×