Exposition
Costumes du Vietnam à Saint-Charles
L'art des costumes brodés
Costumes et visiteurs dans la chapelle Saint-Charles
« Je suis nulle en couture. » Martine Augait explique si simplement son admiration pour la broderie, et notamment celles qui sont incorporées dans les costumes traditionnels du Nord du Vietnam.
Cet ancienne directrice marketing d’une grande marque passe une grande partie de l’année dans les pays de l’Orient. « On ne peut pas voyager pendant dix mois par an sans un ‘fil rouge’. Pour moi, c’est la collection de costumes traditionnels. »
Ayant un lien de parenté avec Robert Foreau-Fénier, président du Cercle d’Études Municipales et d’Actions Culturelles (CEM AC), Martine Augait a accepté son invitation à exposer les costumes qu’elle avait trouvés parmi les ethnies du Nord du Vietnam. L’exposition aurait lieu dans l’ancienne chapelle Saint-Charles devant ses boiseries, dont les dorures sont aussi subtiles que le détail des robes. Placées sur des mannequins prêtés par des magasine locaux, les robes
Martine Augait avec les élus François Hanse, Pascal Tordeux et Frédérique Vanier,
Martine Augait était présente à l’inauguration. Vive, accueillante, communicative, portant une robe noire, elle aurait pu venir du monde de la haute couture. Or, elle est plutôt ethnographe. Elle fait tout pour se rapprocher des villageois chez lesquels elle cherche les costumes. « Je me déplace à Mobylette. J’ai un ami qui la conduit, et moi je suis assise derrière. En plus, il parle le yao et le hmong, c’est utile quand les gens ne parlent pas le vietnamien. »
Dans un document publié par le CEM AC, Martine explique le contexte des costumes et son itinéraire pour les obtenir.
« Vietnam Fashion Week » reste ouverte l’après-midi jusqu’au 16 juillet.
Pourquoi les Costumes et la Broderie ?
Parce qu’ils sont une invitation au voyage et à la découverte.
Les costumes traditionnels sont les témoignages de coutumes et d’un passé parfois révolus. Ils sont les supports d’un travail de broderie artistique et minutieux effectué par les femmes.
Costume de l’ethnie Hmong
La broderie n’est pas seulement une des techniques qui embellissent les vêtements. Elle est également un fil conducteur qui permet de mieux comprendre certaines traditions et leur évolution.
En Asie, chez certaines minorités, la beauté des vêtements est, pour les femmes, un moyen de :
– faire le lien entre les générations en reproduisant des motifs ancestraux,
– se valoriser par son savoir-faire et trouver un bon mari,
– protéger ceux que l’on aime, surtout ses enfants, en brodant des motifs qui font fir les mauvais esprits,
– être reconnu par ses ancêtres en portant ses plus beaux costumes traditionnels lors de ses funérailles.Chaque vêtement est un chef d’oeuvre à lui tout seul car il représente des heures, des mois, des années de travail : la réalisation d’un costume Lolo Blanc au Vietnam demande plus de deux ans de travail pendant son temps libre !!!!!
Les femmes sont particulièrement inspirées lorsqu’elles brodent des vêtements pour leurs enfants ou des porte-bébé.
Pour toutes ces raisons, l’étude des textiles et, en particulier, de la broderie, est une magnifique introduction à l’ethnologie.
Malheureusement ces trésors d’art populaire sont en danger : les femmes brodent moins car elles ont moins de temps disponible et celui-ci est souvent employé pour regarder la télévision,
Les villages les plus traditionnels sont dépeuplés par un exode des jeunes en ville, pour trouver un travail plus rémunérateur que le travail à la ferme. Lorsqu’ils reviennent au village, les jeunes ne veulent plus porter ces magnifiques vêtements sauf les festivals et les cérémonies, car ils les jugent peu pratiques, coûteux et peu conformes au modèle de vie moderne qu’ils souhaitent adopter,
Au mieux lorsqu’ils perdurent, les techniques se simplifient, les matériaux nobles comme la soie sont abandonnés au profit des fibres synthétiques aux couleurs criardes.
Cependant au Nord-Vietnam et dans les provinces du sud-ouest de la Chine, Inde, Népal et certaines régions de la Thaïlande, du Laos et du Myanmar (Birmanie), ces traditions, bien qu’en évolution, sont encore très vivantes, mais pour combien de temps ?
Pour réaliser ces reportages, pas d’équipes hyper-équipées : je voyage seule ou avec des guides qui sont mes interprètes et avec le temps sont devenus mes amis.
En effet dans certains villages reculés, les personnes âgées ne parlent pas la langue officielle que d’ailleurs je ne maîtrise pas suffisamment également.
Nous utilisons pour nous déplacer, exclusivement des moyens de transport très locaux : bus, moto ou mobylette (Vietnam), marche à pied ou vélo (Chine, Népal) et en dernière extrémité le taxi.
Ceci pour expliquer que les photos sont prise avec un équipement minimum, discret et transportable : pas de flash, ni de réflecteur… qui handicaperaient mes contacts avec les villageois.
Dans tous les cas, les photos sont prises avec des gens sympathiques qui ne sont ni mannequins, ni professionnels de la photo. Par politesse, il n’était pas possible de déménager tous les objets qui encombraient l’arrière-plan. Les photos sont donc des photos de reportage prises dans leur « jus » et non pas des photos mises en scène.
Pour beaucoup de villages, j’étais la première touriste occidentale que ces gens rencontraient physiquement. Malgré le fait que nous avions interrompu leur travail pour leur demander de s’habiller pour les photos, j’ai toujours bénéficié d’un accueil fantastique et très chaleureux.
J’imprime toujours les photos et me débrouille pour leur envoyer quelques clichés par la poste ou via mes guides.
Certains d’entre eux sont devenus des amis et je retourne leur rendre visite fréquemment, même sans prendre des photos.
Martine Augait
L'art du verre
Le grand espace d’exposition de l’Arsenal est plongé dans une pénombre déroutante, brisée seulement par des taches de lumière éclairant les œuvres en verre de Kim KototamaLune. Cette artiste d’origine vietnamienne est accompagnée de son collectif Bones and Clouds (Jean-Benoist Sallé et Stéphane Baz) pour l’exposition 3.5, qui passera l’été au musée.
Après avoir travaillé des matériaux plus traditionnels, l’artiste a choisi le verre, filé au chalumeau, thermoformé ou soufflé. Sa spécialité est de le filer sans matrice, par le vide, minuscule soudure après soudure, réseau après réseau, pour créer des filets qu’elle utilise pour créer toutes les formes qui l’inspirent. Le sommet d’une structure en forme d’obus est recouvert ainsi par une résille qui ressemble à une écharpe abandonnée, ou de l’eau savonneuse : quelque soit l’interprétation du visiteur, il voit d’abord, non pas la matière de la sculpture, mais la lumière qu’elle piège dans l’éclairage.
Kim KototamaLuneau au vernissage
Dans la petite salle de l’espace, un balancier muni d’un rocher arrondi (en réalité fait de polymère) suit son mouvement de va-et-vient au dessus d’une longue table. Y sont empilés de petits objets d’une grande délicatesse, comme des récipients, flacons, bols, mais dont les formes de base s’entourent d’un nuage de petites branches, comme si la matière se dissipait sous la menace du rocher.
L’exposition fait suite à Deus ex machina de 2021 et le commissaire scientifique reste Clément Thibault, spécialiste de l’art numérique. Pour lui, le titre se réfère au fait que, au lieu des trois dimensions familières, il y en a sans doute plus – ou moins. Il est possible de suivre ses raisonnements sur la virtualité ; ou bien plonger le regard, sans arrière-pensée, dans ces œuvres diaphanes, délicates, ravissantes, qui reflètent la lumière tout en paraissant la consommer, la devenir.
“3.5”, musée de l’Arsenal jusqu’au 3 sept.
[Cet article paraît dans le Vase Communicant n°357.]
L'art de la peinture et de la flûte
Le café associatif Au Bon Coin fait connaître de nombreux peintres, sculpteurs, graveurs, photographes, en leur ouvrant sa petite galerie, de la taille d’une chambre à coucher, Il a réussi un coup en y hébergeant la première exposition en France de l’artiste et musicien mongol Purevbaatar Tumurchudur (« Puugii » pour son entourage).
Le cerf rouge
La Mongolie appartient a ces quelques pays qui mettent le feu à l’imagination par leur taille (1 500 000 kilomètres carrés pour les trois millions de Mongols), leur histoire tumultueuse (le Mongol Genghis Khan a créé le plus grand empire contigu qui a jamais existé – mais qui s’est presque aussitôt évanoui), et surtout parce que peu de gens savent, sans aller chercher un atlas, où ils se trouvent (la Mongolie est entre la Russie au Nord et la Chine au Sud).
Puugii est né en 1976 à Oulan Bator, capitale de la Mongolie. Lourdement handicapé de naissance, à cause d’un médicament prescrit à sa mère, il aurait pu rester à l’écart de la vie active. Mais il avait une telle force de caractère qu’il a fait la grève de la faim pour aller à l’école « Mon père m’y portait sur le dos, et mes camarades de classe me montaient jusqu’au 4e étage. »
Après avoir gagné un prix à quinze ans dans un concours national de dessin, il a participé à de nombreuses expositions, puis étudié aux Beaux-Arts. Sa première exposition individuelle a eu lieu en 2013 dans une galerie de la capitale.
Puugii est arrivé en France en 2017 avec sa femme « Muugii » (« Papa » et « Maman » en langue mongole) et leurs quatre enfants. Ils vivent à Compiègne. Ayant obtenu ses « papiers », comme on dit, il s’est trouvé dans l’obligation administrative d’apprendre le français. Il est entré ainsi en relation avec l’association Solidarité et Jalons pour le Travail, dont la professeure de français, Annie Molina, venue au vernissage de son exposition pour l’accompagner et raconter son histoire. L’association humanitaire soissonnaise Yo Contigo l’a connu à travers son atelier hebdomadaire à Compiègne. Anne Miranda, à la fois présidente du Bon Coin et bénévole à Yo Contigo, lui a proposé une exposition à Soissons.
Malgré les obstacles que la vie a posés sur son chemin – ou peut-être à force de les franchir – Puugii est un homme affable, souriant, avec un regard espiègle. Il parle français, certes avec quelques trous (qu’Annie Molina est toujours prête à combler à sa place).
Avant de montrer ses toiles, Puugii a donné la preuve d’un autre talent, en jouant une flute mongole. L’instrument a été adapté pour lui permettre d’accéder aux deux dernières notes du bas avec le moignon de son bras droit. Cette musique donne déjà un avant-goût du pays, loin par la distance, mais dont la musique est presque familière, dont un air qu’il a composé en hommage à sa femme.
Pour voir la vidéo, cliquer sur le lien.
La galerie offre un concentré de l’art de Puugii, qui reproduit non pas les paysages de steppes et montagnes, mais les contes, les images icônes, un monde qui est vaste aussi, à l’échelle du pays. Comment trouve-t-il ses sujets ? « Je forme des projets dans ma tête et puis je peins. » Les images traduisent un monde inconnu à l’Occident, mais possèdent l’universalité des légendes et mythes, un langage accessible à tout spectateur prêt à laisser éveiller son l’imagination.
Exposition ouverte jusqu’au 3 juin, les mardi, mercredi et jeudi de 10h à 14h, et le samedi de 9h30 à 12h.
L'art de la photo
Au milieu du grand hall d’entrée du lycée Léonard-de-Vinci de Soissons il y a un bassin circulaire carrelé, de la taille d’une généreuse piscine de jardin, mais en plus profonde. Il ressemble à une petite piscine, mais sans eau. Il y a des marches pour descendre à l’intérieur, et le fond est entouré d’un rebord comme un banc pour s’asseoir, lui donnant un air de mini-amphithéâtre.
Treize grands panneaux contenant des photos prises par André Kertész, le photographe franco-hongrois, sont accrochées en haut, autour du bassin, sur les deux tiers de sa circonférence.
La galerie d’art du lycée étant temporairement indisponible, Hortense Garapon, professeur et responsable des expositions, a pu utiliser cet autre endroit pour accrocher les images du photographe. Comme le souligne le proviseur Dominique Haraut, un lycée général, technologique et professionnel s’occuper aussi de sensibiliser ses élèves aux arts, d’où le riche programme d’expositions qui s’y succèdent. Les classes les visitent en compagnie d’enseignants aptes à enrichir leur perception de ce qu’ils voient.
En photographiant, Kertész n’a pas les mêmes objectifs que ses trois grands contemporains, Doisneau, Willy Ronis ou Cartier-Bresson. Eux excellent à saisir un regard, un geste, un mouvement qui révèlent la nature humaine de ses sujets, souvent jeunes, souvent dans la rue. Les images de Kertész sont fréquemment vides, ou bien les êtres humains sont photographiés sous un angle qui les cache, ou en silhouette, ou dominés par leur propre ombre.
Son propos n’est pas de créer une émotion par une vision de l’humanité. D’ailleurs, il y renonce clairement : « Ce n’est pas le sujet qui fait une photographie, mais le point de vue du photographe. »
Ce qu’il explore et découvre et illustre est la nature graphique de ce qui est photographié. Que ce soit une foule en file indienne autour d’une église, ou son autoportrait, dans lequel il est derrière un verre cathédrale qui l’obscurcit, ou, dans sa série Distorsions, un corps de femme nue déformée par un effet optique, Kertesz dégage, dans chacune de ses images, les schémas graphiques, lignes, objets, ombres, par lesquels le monde se dessine – « la mécanique du monde ».
Kertesz choisit souvent une vue en plongée, ce qui l’éloigne suffisamment de ce qu’il photographie pour révéler les formes qui nous entourent et dans/par lesquelles nous vivons. De trois enfants côte à côte on ne voit que les têtes d’en haut, le détail des corps n’apparaissant que dans les ombres projetées par terre. Le point de vue éloigne les enfants vivants pour révéler la disposition des formes qu’ils créent.
Un homme se cabre, son corps, noir dans la lumière du fond, devenant un élément presque imaginaire. L’œil du visiteur remarque, non pas la nature de l’homme, mais le fait que la végétation, dressée derrière son dos, paraît se plier devant son approche. La nature devient graphique.
Une autre photo montre l’entrée de la maison du peintre Mondrian. Un regard rapide ferait penser à un tableau de Bonnard, auquel il ne manquerait que la couleur, la femme et peut-être la baignoire. En l’absence de ces éléments l’œil se met à percevoir les formes que montre l’image, le cadre de la porte laissant voir le palier éclairé, l’escalier qui monte, la rampe. Il y a aussi la courbe qui fait, non pas voir mais deviner l’escalier qui continue de descendre. L’avant-plan est plus sombre, jusqu’à cacher le détail de certains éléments, mais, au milieu, une plante est éclairée par la lumière entrant par la porte et créant, en contrepartie, l’ombre portée par la plante et son pot sur la table.
L’image montre, non pas les personnes qui monteraient et descendraient les marches, qui passeraient par la porte, qui regarderaient la plante, mais l’assemblage graphique de ce qui entoure leur vie. C’est, comme il l’a dit, non pas le sujet de la photo qui compte, qui innove, mais le point de vue choisi par celui qui photographie.
L’exposition Kertész, organisée en commun avec Diaphane, pôle photographique de la région des Hauts-de-France, avec des photographies venues de la Médiathèque du Patrimoine et de la Photographie, est ouverte jusqu’au 13 mars.
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