Connectez-vous avec le Vase

Le Vase des Arts

Le pommier, la chanson et l’or (*)

Publié

le

L'art du baroque et du chant liturgique

Les choristes néerlandais dans l'église franciscaine d'Überlingen

Les vacanciers en tenue d’été passent et repassent le long du quai face à l’eau, accompagnés d’enfants sautillants ou traînants, ou s’assoient aux terrasses de café. Le soleil brille… trop.

Überlingen a tout d’une petite station de bord de mer – sauf la mer. Il se trouve sur les rives allemandes du lac Constance, en face de la Suisse et l’Autriche. Dans ce pays de pâturages verts qui ont survécu à la sécheresse, de collines douces et de volcans éteints rocheux, et où des pommiers s’éparpillent partout, dans les champs, les jardins, le long des routes, Überlingen est une ville de maisons à colombages et de tours moyenâgeuses.

Le maître-autel

L’église Saint-Nicolas du 14e siècle a été modifiée plusieurs fois et, en 1753, « baroquée » (« barockisiert »). Ainsi les lignes de l’architecture sont sobres, presque sévères, alors que la décoration intérieure est d’une richesse et d’une abondance luxuriantes. Pas un pan de mur ni de plafond qui n’ait son rinceau de stuc ; pas une attitude de saint personnage qui ne soit déhanchée ; surtout, pas un chapiteau de colonne, ni un grillage, ni un élément de l’autel, ni un cadre d’image, ni un bord de robe de statue, ni une auréole sur une tête, ni la couronne monumentale qui surmonte le retable, qui ne soit doré. Au dessus de la chaire, deux chérubins tiennent les tablettes des Dix Commandements – et en cachent certains…

L’effet est exubérant. Quand le style baroque, venu d’Italie et utilisé dans tous les domaines de l’architecture, est appliqué à une église, il paraît avoir pour objectif l’éblouissement des fidèles, pour ouvrir leur âme à la splendeur spirituelle du Catholicisme.

C’est l’après-midi, l’église est ouverte, comme le sont la plupart des églises de la région, même dans les villages de la Forêt Noire voisine.

Un groupe d’une douzaine de vacanciers entre, regarde ; plusieurs s’agenouillent pour prier. Un organiste répète dans la tribune au-dessus. Quand il a terminé, il fait signe aux visiteurs, qui se regroupent dans la nef près de l’entrée principale. Ils sont habillés en shorts fluo, sandales, débardeurs, robes d’été. L’homme qui se met devant marmonne quatre notes, pour les sopranos, les altos, les ténors et les basses, puis lève le doigt.

Ils commencent à chanter. D’abord Ave Maria de Frère Jean-Baptiste de la Sainte Famille (né en 1974), suivi de Laudamus te de Dmitri Bortnianski (1751-1825).

La chaire de l’église

Peu importe l’aspect des choristes et leur informalité : leur chant est complexe en termes d’harmonies, différentes voix se suivant, se croisant, mais c’est sa pureté qui saisit l’auditeur. Il est impossible d’imaginer que leur chant ne soit pas une composante de leur foi. Il montre la transcendance dont les humains sont capables, leur aspiration vers ce qui dépasse le quotidien, le matériel. Dieu, ou une autre vision, quelle qu’elle soit, quelque soit la forme qu’elle prend.

Ces chanteurs forment partie de Schola Cantorum Sainte-Cécile, une chorale de la ville de Leyde aux Pays-Bas qui pratique également le chant grégorien, venue en Allemagne accompagner la messe de l’Assomption dans le village de Schramberg et la messe de dimanche dans une chapelle en haut de la ville d’Überlingen.

Le chant dans le cadre baroque avait une qualité unique, par sa simplicité sublime dans un cadre qui entend nourrir la foi, tout en flirtant avec l’excès. En Allemagne, qui a vécu le double drame religieux de la Réforme et de la Contre-Réforme dans son passé, y aurait-il aussi dans le Baroque une réaction catholique à la sobriété protestante au Nord : « La retenue ? Et v’là, pan ! »


Note explicative : l’un des ténors a le même nom de famille que le chroniqueur.

(*)Euripide, Hippolyte, v. 788

[Modifié le 28/08/20 pour ajouter un lien au répertoire de la chorale sur Youtube]

Continuer la lecture

Le Vase des Arts

Un concert : Haydn du début à la fin

Publié

le

L'art du quatuor

Mathilde Borsarello et Bleuenn Le Maître, violons, Cécile Grassi, alto, Guillaume Martigné, violoncelle

Le mélomane moyen pouvait hésiter avant de prendre son billet pour un concert composé exclusivement des trois quatuors à cordes de l’opus 54 de Haydn. L’événement ne visait-il plutôt les musicologue avec un goût pour l’exhaustivité, heureux de cocher ces œuvres sur leur liste d’écoute ? N’est-il plus attirant de varier le plaisir en choisissant différents genres et compositeurs ?

Mathilde Borsarello, premier violon de Psophos (*), le quatuor qui a donné ce concert à la Cité de la Musique de Soissons, a pris la parole avant de jouer, pour promettre aux auditeurs « des émotions, des surprises ». Voilà la réponse aux craintes de monotonie. Les auditeurs n’auraient pas le temps de s’ennuyer en écoutant Haydn, qui met dans un seul mouvement d’un seul quatuor assez d’idées, de trouvailles pour une symphonie.

C’est précisément dans ses soixante-huit quatuors à cordes (dont il a inventé jusqu’au nom, en commençant par le terme « divertimento a quattro », avant d’adopter « quartett ») qu’il a montré une telle abondance. Comme on dit, il faut « écouter vite » pour ne rien rater de ces richesses.

Les quatuors qui forment l’opus 54, n° 1 en sol majeur, n° 2 en ut majeur et n° 3 en mi majeur, sont des œuvres de sa maturité. Ecrits pour le public de Paris, ils donnent une prééminence au premier violon, au point que les trois autres instrumentistes de Psophos, Bleuenn Le Maître, violon, Cécile Grassi, alto, et Guillaume Martigné, violoncelle, l’accompagnent souvent comme un orchestre le fait pour un soliste.

L’ordre a été modifié pour le concert, en commençant par le n° 2, suivi du 3 et en terminant par le 1. Ce n’est qu’avec le dernier accord de la soirée que les auditeurs ont pu comprendre pourquoi. Le mouvement final est un presto, dont la conclusion monte en puissance, promettant une fin résonnante et définitive. Au lieu de cela, la musique s’arrête. Soudain, comme si les musiciens en avaient assez et déposaient leurs instruments. Le public a ri de la soudaineté. Au lieu d’une fin à la mesure de la force du mouvement, on imagine Haydn choisissant cet arrêt sec, et souriant à l’idée de prendre ses auditeurs au dépourvu.

L’entente entre les membres du quatuor semble non pas seulement parfaite mais cordiale. Leur interprétation est gracieuse, sans emphase, révélant la structure, le sens de ce qu’ils jouent. Fait remarquable : ils ne se regardent apparemment jamais, alors que, privés de direction, les chambristes ont besoin de rester en contact par le regard. C’est une preuve de la longévité de Psophos. Les vingt-cinq ans de son existence ont dû créer un courant de communication à un niveau plus profond, invisible aux auditeurs.


(*) Venu du latin byzantin, le mot « psophos » (ψόφος) veut dire « bruit ou son inarticulé » donc non pas parlé mais musical.

Continuer la lecture

Le Vase des Arts

La fin d’une affaire

Publié

le

L'art du monologue

Patricia Roland incarne la femme bafouée.

La voix humaine de Jean Cocteau est un défi pour toute actrice. Seule sur scène avec un téléphone, une femme conjure son amant de ne pas la quitter, plaide, pleure, tente de convaincre. En vain. A la fin, incapable d’agir, elle le supplie de raccrocher.

Patricia Roland de la compagnie amateur L’art et la manière, et née à Chivres-Val,  relève le défi, cherchant en elle-même la matière première de son jeu. « Le plus difficile est de faire comprendre ce qui est dit à l’autre bout de la ligne. » Ces autres voix – l’homme, son majordome, la standardiste, une appelante sur une ligne croisée – ne s’entendent que dans les réactions de la femme. « Je suis seule, mais je dois « jouer » les autres rôles. »

Le texte est poignant, pour l’actrice comme pour les spectateurs, car il touche à l’amour bafoué, qu’il soit vécu ou redouté. Mais c’est l’art du théâtre qui, en agitant l’esprit, le libère.

Jean Cocteau a écrit La voix humaine en 1929, et la pièce a été créée par Berthe Bovy en 1930. De nombreuses actrices et cantatrices (pour l’adaptation par Francis Poulenc) se sont mesurées aux exigences de ce texte, au théâtre, à l’opéra ou à l’écran, dont Anna Magnani, Ingrid Bergman, Madeleine Robinson, la soprano Denise Duval, Simone Signoret (qui l’a enregistré sur disque, en exigeant de le lire chez elle, sur son lit, avec son propre téléphone, qui a pleuré en le terminant, et qui a dû être convaincue de laisser diffuser l’enregistrement).

Pour jouer le rôle, toutes ont dû affronter le sujet intime de l’abandon, réel ou craint. Il leur a fallu le courage d’entrer dans la peur atavique d’être laissé seule, cauchemar des enfants, danger perçu ou renié en entrant dans une relation. Etre aimée, puis ne l’être plus. Perdre la dignité, être humiliée.

Pour jouer La voix humaine il n’est pas nécessaire d’avoir vécu le retrait froidement calculé de l’amour. Il faut plutôt ouvrir la porte à ce fantôme universel qui hante l’humain. C’est ce défi-là que relève à son tour Patricia Roland. Comment être la même après s’y être aventurée ?

Selon Jacques Delorme, directeur artistique de la compagnie et metteur en scène de cette pièce, qui a longuement travaillé avec elle, « A la répétition, parfois Patricia pleure, parfois pas. » Son jeu ne devient pas mécanique.

Sur scène, en jouant La voix humaine, Patricia Roland devient le guide pour une visite de la douleur affective humaine.

La voix humaine au Mail les 2 déc. à 20h30 et 4 déc. à 17h15 (Téléthon), et au théâtre St.-Médard le 15 janv. à17h.

[Une version antérieure de cet article est parue dans le Vase Communicant n° 343.]

Continuer la lecture

Le Vase des Arts

François-Xavier Demaison : la montée en extravagances

Publié

le

L'art de l'humoriste

Le directeu r de théâtre se souvient de son beau militaire.

La salle du Mail, aussi remplie qu’avant le Covid, a réagi avec enthousiasme dès que François-Xavier Demaison, avec une énergie tonique, a surgi sur scène. La plupart le connaissaient par ses nombreux passages à l’écran ; d’autres attendaient de le découvrir ; combien avaient assisté au Mail à son spectacle de 2008, quand il a raconté sa reconversion de banquier new-yorkais, devenu conscient de la fragilité de la vie, en humoriste ?

Ses qualités dépassent largement celles nécessaires pour un humoriste de série, c’est à dire des flèches (« Un Italien ? c’est un Français de bonne humeur »), une grande aisance d’échange avec les spectateurs, du dynamisme à revendre, ça c’est essentiel, à moins d’exhiber la lassitude existentielle d’un Gaspard Proust (dont le dernier spectacle au Mail s’appelait Pfff !). Il a aussi un fil rouge : dix bouteilles de vin, fabuleuses au point de mériter le jeu de mots du titre : « Di(x)vin(s) » ; chacune mène à l’histoire des circonstances dans lesquelles il l’a bue (avec son père, ou une Américaine survitaminée qui commence chaque phrase par « My Gaaaad !! »).

François-Xavier Demaison se distingue par le rythme qu’il impose à ses récits et à l’interprétation des personnages qui les habitent. Il commence posément, le contexte est mis en place, la distribution précisée. Mais il y a une rapide montée en puissance, et en extravagance. Il pointe l’élément décisif de la personnalité de chacun, le rend énorme, même grotesque. Le public le suit dans son alpinisme du dément.

Le boxeur : “Droite ! Droite : Uppercut !”

En parlant d’une de ses bouteilles il se présente en directeur du théâtre, descend dans la salle, s’insère dans le troisième rang, obligeant les spectateurs à se lever pour passer. Pourquoi ? Il a perdu son chat, en devient presque hystérique, car le minet risque de faire pipi sur le velours. Il enchaîne avec l’histoire de sa rencontre avec un beau militaire pour lequel son cœur avait battu la chamade. Il porte le récit au paroxysme, se penche, le ventre contre le bord de la scène, et invite le spectateur qu’il a désigné à profiter, comme le beau militaire de ses souvenirs, de la situation. Le spectateur s’acquitte honorablement de son devoir en lui mettant généreusement la main aux fesses.

Ceux qui ont vu le spectacle de 2008 ont eu le plaisir de retrouver son vieux boxeur sonné, à l’articulation approximative, à la démarche cahotante. Sa mâchoire inférieure en saillie, il sautille en criant « Droite ! Droite ! Uppercut ! »

Il est absurde, mais il est touchant, voilà ce que François-Xavier Demaison réussit à montrer dans ses personnages ; ils sont caricaturaux, mais attendrissants, ces êtres humains fragiles comme la vie.

Commentaires : denis.mahaffey@levase.fr

Continuer la lecture
P U B L I C I T É

Inscription newsletter

Catégories

Facebook

Top du Vase

LE VASE sur votre mobile ?

Installer
×