Le Vase des Arts
Josquin Desprez après 500 ans
L'art de la polyphonie
Au-delà de Saint-Quentin, à l’écart de l’étroite route romaine qui traverse la Thiérache tout droit jusqu’à Bavay et même plus loin, le village de Beaurevoir a deux prétentions à la célébrité historique : Jeanne d’Arc y a été emprisonnée en 1430, et Josquin Desprez y serait né (le conditionnel est conseillé) en 1450.
Pochette de l’album, avec le portrait d’un jeune musicien de Leonard de Vinci
Considéré à son époque, à travers l’Europe, comme le plus grand compositeur de l’Ecole franco-flamande, et même de tout le début de la Renaissance, Josquin est mort en 1521. Son quincentenaire est marqué par la sortie d’un recueil de ses chansons, enregistrées par l’Ensemble Clément Janequin que dirige le contre-ténor Dominique Visse, qui l’a fondé en 1978, et qui est responsable de cette initiative.
Josquin jouissait d’une immense renommée, voyageait beaucoup, composait de très nombreuses œuvres. Martin Luther a dit de lui «Il maîtrisait les notes quand les notes maîtrisaient les autres.»
Surtout, il a innové dans la polyphonie – et imposé les formes de la composition polyphonique pour tout le 16e siècle – en augmentant le nombre de voix, dépassant le quatuor habituel. Cette multiplication des voix, comme des fils avec lesquels le compositeur tisse une dense tapisserie, créé un enrichissement sonore aussi innovateur à la Renaissance que le «mur de son» créé par Phil Spector pour les Beatles et Leonard Cohen au 20e.
Les compositions de Josquin se caractérisent par le voile de mélancolie qui les recouvre. Il est sensible même dans une chanson comme Plus nuls regretz, qui célèbre pourtant le traité de Calais de 1507. C’est comme si Desprez avait à cœur d’explorer la nature de la douleur humaine. La beauté transcendante de la polyphonie, des voix qui se croisent, chacune tour à tour dominant les autres puis se retirant, qui s’interrompent, s’interpellent, se soutiennent, est nuancée. Les émotions sont distanciées par une sorte d’ostinato de la tristesse. Et en même temps le chant polyphonique surprend toujours, comme si une série de récitals individuels n’étaient réunis que par une heureuse coïncidence.
Cette musique fait partie du bouillonnement artistique de la Renaissance, un essor animé par les références et valeurs classiques retrouvées. Une révolution technique contemporaine a été l’apparition des premières partitions imprimées, contribuant à leur portée. L’imprimeur anversois Susato a publié des volumes de chansons de Josquin, dont «Le Septiesme Livre» en 1545, d’où la plupart des œuvres de cet album sont tirées.
L’Ensemble Clément Janequin les a enregistrées au château d’Hardelot du Pas-de-Calais, dans son étonnant théâtre en bois qui recrée l’ambiance des salles élisabéthaines de Londres où Shakespeare faisait jouer ses pièces. Une vidéo permet d’assister au travail et d’entendre Dominique Visse parler du compositeur.
L’Ensemble Clément Janequin à la chapelle Saint-Charles, Dominique Visse au centre.
Un projet de cette envergure, qui met en lumière des trésors du passé musical, a besoin de financements extérieurs. L’enregistrement par l’Ensemble, produit par l’agence de musique classique Satirino, est financé par la Direction Régionale des Affaires Culturelles (DRAC) Hauts-de-France et l’ADAMI (qui gère les droits d’artistes-interprètes et finance des initiatives).
L’ADAMA, organisme qui encourage les activités musicales dans l’Aisne, a l’intention d’organiser des manifestations autour du quincentenaire de Josquin à l’automne prochain, élargies pour inclure le 900e anniversaire de l’ordre de Prémontré, mettant ainsi en valeur l’important patrimoine médiéval et Renaissance départemental.
Ce grand projet donnera sans doute à l’Ensemble Clément Janequin l’occasion de chanter ces airs «en concert». En 2012 il a donné un récital dans la chapelle Saint-Charles à Soissons. La pureté musicologue du chant polyphonique était égayée par la jovialité des chanteurs. Pour Dominique Visse la seule solution pour partager pleinement ce genre de chant est «d’être plus théâtral que le répertoire ne le demande». L’écoute de ce nouvel album le confirme : c’est un enregistrement, c’est aussi un spectacle sonore.
DM ajoute :
Les origines axonaises de Desprez justifient la couverture de ce lancement dans le Vase des Arts. Il y a un autre lien. Ian Malkin de Satirino est une vieille connaissance, d’abord amicale, ensuite quand il accompagnait à Soissons les musiciens qu’il représentait et que j’entendais en tant que critique.
En septembre 2020 il m’a demandé de traduire en anglais deux chansons de Josquin pour le livret de ce CD (Nuls regretz et Du mien amant).
J’ai lu, relu à haute voix, le sens a émergé mais le langage désuet était déroutant. J’ai fait appel à Martine Besset de Soissons, dont l’érudition comprend une connaissance du Vieux Français – les chansons sont en Moyen Français. Ensemble nous avons longuement détaillé les textes, en faisant des recherches et des recoupements. Parfois nous avons dû nous fier à la vraisemblance.
Sans être chanteurs ni musiciens ni techniciens ni producteurs, nous avons pris part à l’aventure.
L'art de l'orchestre
Sans danseurs, la musique de ballet perd de son côté spectaculaire, mais gagne en écoute. Présents, les danseurs accaparent les regards, and la musique devient un accompagnement. Les musiciens sont cachés dans la fosse d’orchestre – ou remplacés, de plus en plus, par une bande sonore qui sort d’amplificateurs.
L’orchestre Les Siècles, sous la direction de François-Xavier Roth, a changé l’angle d’approche en choisissant, pour son retour à la Cité de la Musique, trois partitions pour des ballets créés par les Ballets Russes à Paris. Neuf jours après le concert ce serait le cent-dixième anniversaire de la création mouvementée du Sacre du printemps, composé par Igor Stravinsky ; au nouveau théâtre des Champs-Elysées. Au même programme de 1913 deux autres ballets, Prélude à l’après-midi d’un faune, créé un an avant sur la musique de Debussy, et Le spectre de la Rose, créé en 1911 sur celle de Weber. Ce parallèle a permis au directeur des Siècles, avec sa verve habituelle, de définir la soirée de « la Première de ces trois ballets à Soissons ».
Ecoutées au lieu d’être simplement entendues, à l’avant-plan au lieu de l’arrière-plan, les trois partitions ont révélé leur richesses, en rendant la structure du jeu des musiciens visible. Un concert orchestral est dans ce sens un spectacle : le célèbre thème d’ouverture du Prélude à l’après-midi d’un faune prend toute son importance quand la flûtiste a levé son instrument pour entraîner l’orchestre derrière elle, comme le Flûtiste de Hamelin du conte.
Invitation à la danse de Weber, orchestrée par Berlioz, sert de partition pour Le Spectre de la Rose, adaptation d’un poème de Théophile Gautier. Une jeune fille s’endort dans un fauteuil après son premier bal, une rose à la main, et rêve. Le Spectre danse, part, et elle s’éveille. Sur le plateau, c’est un violoncelle, rejoint par des cordes, qui accompagne son l’endormissement et qui, en solo après le paroxysme de la danse, son doux réveil. (*)
Dans le Sacre du printemps, Stravinsky a rendu fous furieux ses adversaires qui ont troublé la Première, par ses rythmes sauvages, ses dissonances, ses ruptures, ses changements de tempo et arrêts soudains. Ce qui leur semblait être du terrorisme musical était simplement sa volonté novatrice d’abandonner les conventions mélodiques et d’harmonie auxquels les mélomanes paresseux s’étaient depuis si longtemps habitués.
Même la composition de l’orchestre a reflété les intentions différentes des trois compositeurs (ou de Berlioz) : la soirée a commencé avec environ quatre-vingts instrumentistes sur scène pour Debussy ; ils ont été rejoints par une dizaine d’autres pour Weber ; pour Stravinsky ils étaient une centaine. Sous les projecteurs : dans une salle d’Opéra chacun aurait été dans la pénombre et seuls les pupitres auraient été éclairés.
(*) Chaque œuvre est détaillée avec érudition et finesse dans la feuille qui a accompagné le programme en papier, par la Classe d’analyse du Conservatoire du Soissonnais.
[Article à compléter le samedi 3 juin]
L'art de jouer
Une femme, l’air abandonnée par elle-même, est assise à une table. Elle parle. « Face à la cheminée, le téléphone, il est à côté de moi. À droite, la porte du salon et le couloir. Au fond du couloir, la porte d’entrée. Il pourrait revenir directement, il sonnerait à la porte d’entrée : “Qui est là — C’est moi”. »
A travers La Douleur, la comédienne Dominique Blanc vit depuis plus de dix ans avec la douleur en tant que comédienne. En 2010, elle a d’abord fait une lecture du texte de Marguerite Duras, puis l’a joué dans un spectacle mis en scène par Patrice Chéreau. C’est dans cette même mise en scène, revue par Thierry Thieû Niang, qu’elle a repris le rôle, d’abord à Paris, ensuite pour une tournée qui l’a amenée au théâtre du Mail à Soissons.
Le texte relate l’attente fébrile d’une femme dont le mari a été déporté dans un camp de concentration allemand en 1944, et son retour. La situation reflète celle de l’auteure elle-même, face à la déportation de son mari Robert Anthelme, et le texte de la nouvelle est adapté d’un journal intime qu’elle aurait gardé pendant cette période d’attente.
La femme sur scène subit l’attente insoutenable, dans une impuissance qui n’est pas exceptionnelle mais celle « de tous les temps, celle des femmes de tous les temps, de tous les lieux du monde : celle des hommes au retour de la guerre »
Etant donné la matière du texte, le public pouvait s’attendre à une performance, dans le sens d’un déploiement de sentiments extrêmes, des crises d’angoisse, des larmes ; un corps à l’agonie, des émotions qui débordent.
Dominique Blanc choisit une autre approche, qui est un défi aux conventions du théâtre. C’est celle de la transparence. Comédienne, elle transmet ce qui se passe, mais sans jamais forcer le trait. La douleur passe par son corps et sa voix sans jamais devenir paroxysme : ils servent de messagers entre le plateau et la salle, sans rien ajouter. C’est au spectateur, pourrait-on dire, de faire ce qu’il veut, ou peut, de ce qu’il voit et entend.
L’aspect physique de la comédienne contribue à cette transmission, son corps en retrait, son regard légèrement tombant, son grand front comme un écran blanc. Dominique Blanc établit une sorte de vide que chaque spectateur remplit par son accueil de ce qu’elle dit et fait.
Pour ceux dans la salle qui ne la connaissaient que par le cinéma, la rencontre en chair et en os a pu confirmer que c’est une artiste dont la force est d’autant plus étonnante qu’elle ne la met pas en avant. Tout est réserve, tout est transparence. Dans La douleur, au lieu de faire voir sa douleur, elle la laisse voir.
Un commentaire ? denis.mahaffey@levase.fr
L'art du tango
Le compositeur argentin Astor Piazzolla, déjà célèbre pour son œuvre inspiré par les rythmes du tango, passe à un autre niveau de renommée en devenant le sujet d’une composition d’un autre compositeur, argentin aussi. Martin Palmeri a écrit la Pasíon segun Astor qui sera chanté et joué au concert donné par l’ensemble choral Axonance à la Cité de la Musique de Soissons le 27 mai. Avec le compositeur au piano, Axonance et son directeur Stéphane Candat seront accompagnés par le quintette à cordes’ensemble de chambre Ad Libitum, le bandonéoniste Jeremy Vannereau, et même deux danseurs du tango. Il y aura des pièces et chants solos du compositeur, dont Libertango et Adios Nonino, adieu déchirant à son père.
Stéphane Cantat, fondateur et directeur d’Axonance [Photo Axonance]
Même dans les chorales où les membres chantent surtout pour le plaisir, ils s’impliquent beaucoup. Axonance visant une qualité quasi-professionnelle, avec des choristes déjà de bon niveau, l’engagement doit être soutenu et fort. Chaque choriste vise à travailler la pratique chorale dans un environnement vocal réduit, pour assurer une homogénéité et un son adapté à chaque esthétique musicale. Ils se retrouvent deux demi-journées par mois et le répertoire s’étend des débuts du Baroque au XXIe siècle. L’ensemble se dirige vers des programmes chambristes, à capella ou accompagné de l’orgue ou du piano. Le concert Piazzolla est donc exceptionnel.
Axonance recrute des chanteurs venus de chœurs de la Marne, de l’Aisne et de l’Oise, mais il est soissonnais, créé dans la ville quelques heures après la destruction de la Rose de la cathédrale par la tempête Egon – et il a chanté lors de l’inauguration du nouveau vitrail en 2022.
La musique de Piazzolla et son bandonéon ont pris leur place parmi le plus grands dans les salles de concert, mettant les sens en émoi, communiquant ses rythmes langoureux aux mêmes publics que Mozart et Beethoven. Destin prestigieux pour le tango, né dans les bordels de Buenos Aires, et dont le rythme subvertit la bienséance en y glissant une sensualité entêtante.
La Pasíon segun Astor, 27 mai à 20h à la CMD ; 28 mai à 16h, église Saint-Maurice, Reims.
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