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Musique

Paroles et musique

Denis MAHAFFEY

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Voix de l’engagement
Nous poursuivons notre série retraçant un engagement fort dans une cause ou activité.

Jean-Michel Verneiges, directeur de l’Association pour le Développement des Activités Musicales de l’Aisne (ADAMA), aime mieux parler de ce qu’il fait que de lui-même. Ce portrait en mots resterait-il alors impersonnel, limité à ses activités, sans rien révéler de l’homme qui les exerce ?

Pas du tout. Car le sujet qu’il veut aborder est un engagement annexe, né de son amour pour la littérature et plus précisément pour les résonances entre elle et la musique.

Quelques mots tout de même sur le contexte. Né et élevé à Soissons, Jean-Michel Verneiges y a commencé son éducation musicale par des cours de piano et puis d’orgue. Après ses études au Conservatoire de Paris, où son professeur d’orgue était le grand organiste André Isoir, et où il a étudié aussi l’Histoire de la musique et l’Esthétique, il avait tout pour devenir musicien, mais admet que ses satisfactions, déjà à l’adolescence, venaient plutôt de l’organisation de concerts et récitals où d’autres se produisaient.

Ce rôle d’intermédiaire entre ceux qui font la musique et ceux qui l’écoutent a pris tout son sens quand Jack Lang, ministre de François Mitterrand, a créé un réseau de structures décentralisées en 1983 pour servir de ferment à la démocratisation de la pratique musicale professionnelle et amateur. Jean-Michel Verneiges est devenu le premier directeur de l’ADAMA auprès du Conseil départemental de l’Aisne.

Cette position l’a amené à lancer de grandes initiatives dans le Département. Il a fondé et est directeur artistique du Festival de musique ancienne et baroque de Saint-Michel-en-Thiérache, et du Festival de Laon. A Soissons, il est membre du Comité artistique de la nouvelle Cité de la musique et de la danse (CMD).

Ses activités ont créé un réseau de partenaires qui élargissent le champ d’action d’ADAMA, tels que France Musique et l’Orchestre philharmonique de Radio France (qui se produit régulièrement à la CMD).

Voilà pour ses activités « officielles ». A côté des responsabilités de son poste, il poursuit depuis près de trente ans un autre intérêt : joindre la littérature à la musique, en créant une série de « concerts-lectures ». Quand il en parle, son discours devient plus dense, plus personnel, évoquant les écrits qu’il admire, les rencontres qu’il a faites, les amis qu’il s’est fait.

« J’ai toujours aimé Proust », il admet, l’a toujours lu, le lit toujours. A la recherche est plein de références musicales, au point que, selon Jean-Michel Verneiges, la musique y est « consubstantielle » avec l’écrit. En 1990, centenaire de la mort de César Franck, il a conçu, adapté et mis en espace La sonate de Vinteuil, dans lequel l’acteur Lambert Wilson a lu des extraits du roman concernant cette sonate fictive, alternant avec les œuvres réelles de Saint-Saëns, Fauré, Debussy et Franck qui ont pu servir d’« étincelle » à Proust. Le spectacle a été joué une quarantaine de fois, en France, en Suisse et au Maroc, parfois avec d’autres artistes. « Nous ne faisons pas de promotion, nous attendons des occasions. » C’est la règle aussi pour les spectacles qui suivent.

Car Jean-Michel Verneiges trouve le filon si riche qu’il a créé encore trois spectacles « proustiens ». Intéressant pour les spécialistes ? Non, car ces spectacles sont conçus pour être à la portée des « non-avertis ». La démocratisation intelligente de la culture reste une constante.

En 1997, Episodes de la Grande guerre met en relation des extraits du roman de Proust traitant de la guerre, lus à nouveau par Lambert Wilson, et des œuvres de Fauré, Ravel et Debussy. Mais le programme commence par la sonate Kreutzer de Beethoven, car Proust n’acceptait pas l’hostilité contre la musique allemande : « Si au lieu d’avoir la  guerre avec l’Allemagne, nous l’avions eue avec la Russie, qu’aurait-on dit de Tolstoï et de Dostoïevski ? »

Edwin Crossley-Mercer dans “Bleus Horizons” au Mail

Jean-Michel Verneiges revient au sujet en 2013 avec Proust de Wagner à Vinteuil, pour le bicentenaire de Wagner et le centenaire du début de l’édition de La recherche. Wagner est le compositeur le plus souvent cité dans le roman, et comme « l’un des modèles profondément nourriciers de la musique de l’imaginaire Vinteuil » Plus fondamentalement encore, pour Jean-Michel Verneiges « la conjuration de l’écoulement du temps », selon la formule du critique franco-canadien Jean-Jacques Nattiez, est une préoccupation commune à La recherche et à la Tétralogie de Wagner. Le temps qui est recherché ne passe pas, il se cristallise. Les extraits du roman concernant Wagner sont accompagnés par de rares transcriptions pour piano de ses œuvres.

Enfin en 2016 Un humour de Proust (titre qui rappellerait, avec un sourire en coin, Un amour de Swann)  illustre le propos de l’universitaire Jean-Yves Tadié, selon lequel La recherche est « l’un des romans les plus drôles que connaisse notre littérature ». L’ironie y règne, dans tous les lieux, selon Jean-Michel Verneiges, « d’un monde clos où prospèrent snobisme, bêtise, cruauté, condescendance et cuistrerie, qui font le miel du satiriste ». Lambert Wilson a lu les textes, le pianiste Jean-Philippe Collard, appelé lui aussi à prendre part à plusieurs de ces concerts-lectures, les a accompagnés.

Chopin, l’âme déchirée, spectacle de clôture du Printemps des Conteurs 2010, a marqué le bicentenaire de la naissance du compositeur. Jean-François Collard a joué sa musique, qui « calme et affole » a écrit Jankélévitch, et Patrick Poivre d’Arvor a lu des poèmes pris dans son anthologie de la poésie française.

En 2016, le dispositif a été retourné quand Lambert Wilson a demandé à Jean-Michel Verneiges d’adapter les échanges par lettre entre la cantatrice Pauline Viardot et Ivan Tourgueniev pour en faire Un amour énigmatique au Festival de la correspondance de Grignan, avec la soprano Felicity Lott.

Seuls deux spectacles ont été vus à Soissons, dont Chœurs d’étoiles en 2005 à la cathédrale, sur et avec la musique d’orgue, avec Vincent Dubois, titulaire des orgues, et le comédien Michel Duchaussoy. En 2014 Bleus horizons a été adapté par Jean-Michel Verneiges du roman de Jérôme Garcin, et présenté au théâtre du Mail.

Un nouveau spectacle est attendu en 2018, adapté du roman de Thomas Bernhard Le naufragé, sombre histoire de trois étudiants de piano : le narrateur, Glenn Gould et Wertheimer. Devant le génie de Gould le narrateur abandonne, et Wertheimer, qui ne sait qu’imiter ce qui le dépasse, se suicide. Le texte, écrit comme une suite de variations, sera accompagné par… les Variations Goldberg de Bach, jouées par Kit Armstrong.

Enfin, Jean-Michel Verneiges a été conseiller artistique de Bartabas pour des spectacles équestres.

Organisateur, inspirateur, intermédiaire, Jean-Michel Verneiges est aussi un créateur qui engage son esprit dans ces mariages entre paroles et musique.

denis.mahaffey@levase.fr

[Une version abrégée de cet article paraît dans Le Vase Communicant n°247.]

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Le Vase des Arts

Les pupitres dansent : orchestre de Douai

Denis MAHAFFEY

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Si les arts ne peuvent pas venir à leur Vase des Arts…
le Vase des Arts ira à ses arts.

La vidéo dont parle cet article est visible ici.

 

En décembre dernier, juste avant Noël, l’Orchestre de Douai et le Chœur Régional Hauts-de-France, sous la direction d‘Eric Deltour, ont donné un concert de musique classique et légère à Villers-Cotterêts.

A présent, en confinement comme tous les orchestres – et tout le monde – les instrumentistes de l’orchestre ont réussi, comme d’autres, le paradoxe de jouer seuls, chacun dans son coin, et pourtant ensemble. C’est à chaque fois un exploit d’ingénierie du son et d’orchestration (Luc Baiwir en est responsable pour l’orchestre de Douai).

Ainsi seuls et ensemble, ils présentent la musique du film Danse avec les loups de John Barry.

Le résultat est illustré sur un écran fragmenté, une case pour chaque musicien. La particularité de cette prestation est que seuls apparaissent sur l’écran noir ceux qui jouent à un moment donné de l’œuvre, les autres pupitres restent dans l’ombre. Le résultat est une danse, les instrumentistes émergeant quand ils ont à intervenir, et disparaissant quand ils ne jouent pas.

Le procédé ne change pas la partition, mais il la décortique : l’orchestration devient lucide, visuelle. L’absence de spectacles vivants a pu renvoyer les mélomanes à la musique enregistrée. Mais rien ne vaut la clarté que donne un orchestre sur scène à la musique qu’il joue. Loin d’être une distraction, la vue de ses membres en train de jouer, ou d’attendre à jouer, révèle la structure de l’œuvre, la rend plus intense.

Plus que cela, voir des gens produire de tels sons avec leurs instruments rappelle que la musique est un phénomène humain. L’Orchestre de Douai – Région Haut-de-France cite à ce propos un proverbe chinois :

La musique est ce qui rapproche.

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Le Vase des Arts

La vie est plus belle en musique : Sylvie Pommerolle

Denis MAHAFFEY

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Confinement et culture      ép. 2

Sylvie Pommerolle chez elle, devant un tableau de Norman Calabrese

« Au début du confinement » déclare la pianiste Sylvie Pommerolle, « j’étais pleine de projets. Couper le lierre sur les murs, répandre les copeaux dans les massifs, semer dans le jardin potager. »

A Aizy-Jouy, village au nord-est de Soissons, Sylvie et son mari Régis habitent une grande maison entourée de beaux murs en pierre surmontés de tuiles rouges.

Pendant toutes ces semaines elle est accompagnée par le livre de Claire Marie Le Guay, La vie est plus belle en musique, qui commence par une citation de Gustave Mahler : « L’essentiel de la musique n’est pas dans les notes. »

Encore imprégnée de la dernière « Journée Beethoven » du 8 mars à la CMD, souvenir poignant de la vie d’avant (*), elle entreprend de déchiffrer les 15 premières sonates de Beethoven. Elle retrace ainsi le long chemin de ses études, de l’école de musique de Soissons, prédécesseur du Conservatoire, à la célèbre école Martenot de Paris.

« Je commence par la 8e, la Pathétique, qui me semble bien correspondre à la situation. Je ressors mon recueil datant de 1919, au papier jauni, recouvert d’une toile rouge et qui m’a suivie durant toutes mes études musicales. »

Elle y retrouve les annotations de sa professeure, le plan de l’œuvre, l’analyse harmonique, et surtout le compté gestuel caractéristique du toucher et de l’interprétation de Ginette Martenot, avec qui elle a travaillé à partir de 1984.

« Je décide de repartir de la 1e sonate, et de voir l’évolution de l’écriture de Beethoven. Je redécouvre la 3e, que j’avais abordée à Soissons. J’avais douze ans et ce morceau me paraissait très long ; ma principale préoccupation était de jouer les notes en mesure, déjà une performance. »

Au fil des jours elle arrive à la 10e, présentée pour rentrer à l’école de musique de Paris. « Je m’amuse en lisant en haut de la page « les silences ne sont pas exacts ».

Après deux semaines elle arrive à la sonate au Clair de Lune qu’elle jouait à l’école normale d’institutrices.

Le troisième lundi elle est envahie par une colère féroce, de ne pouvoir sortir et voir ses amis. « C’est alors que Tévi Berthomeu, écrivaine et metteuse en scène, me demande de trouver des musiques pour son dernier conte musical et de lui proposer une mise en scène. Je recherche des musiques naÏves dans les recueils d’enfants de Chostakovich, Kabalevski, Khatchatourian et Jacques Ibert. Pour coller au personnage, j’écoute les oiseaux et essaye de leur répondre et de noter les rythmes. »

Les semaines passent ainsi, partagées entre la musique, le jardin et le Qi gong, pour lequel le professeur Jean Luc Winieski fournit des pistes de réflexion et des pratiques. Elle échange avec quelques amies des textes, des poésies ou des tableaux.

« Triste nouvelle, ma belle-mère s’éteint le 10 avril. Je ne l’ai pas revue depuis la mi-mars et n’ai pas pu l’accompagner jusqu’à la fin à l’hôpital de Soissons. »

« Le 6e lundi je décide de sortir et d’aller voir ma mère et d’apporter les documents demandés à Tévi. » Le lendemain elle lui joue les morceaux par téléphone interposé. La collaboration n’est pas facile dans ces circonstances.

Sylvie Pommerolle est impliquée dans plusieurs spectacles dont la musique est une composante majeure, surtout Charlotte, évocation en peinture, musique et écriture de l’artiste Charlotte Salomon, morte à Auschwitz. Ironie de l’histoire, elle répétait des fables de La Fontaine, dont… Les animaux malades de la peste. Tous sont annulés, reportés ou laissés dans le vague. Les répétitions sont impossibles. Tout est interrompu. La démotivation menace !

Au début du confinement elle appelait les amis avec qui elle joue de l’accordéon diatonique, leur donnait des conseils. A 19h elle jouait sur la terrasse pour égayer la vie au village. Fin avril les initiatives s’essoufflent.

« Nous attendons le 11 mai. Pour la fin du confinement je vais revisiter les impromptus de Schubert, poétiques et tendres, et le Clair de Lune de Debussy, musique immatérielle, fluide, inspirée des éléments naturels. »

La vie est plus belle en musique, d’après son livre de chevet… et l’essentiel de la musique n’est pas dans les notes, mais dans le lien invisible qui se crée entre le musicien qui joue et l’auditeur qui écoute. Le confinement le rompt. La musicienne Sylvie a besoin de partager sa musique pour justifier l’engagement de sa vie.

A côté de la musique, du déchiffrage, de la colère qui explose, et de la douleur de la mort, le grand bénéficiaire de ce confinement c’est le jardin. « Il n’a jamais été aussi beau. »


(*) Sylvie Pommerolle est pianiste, mais familière aussi au grand public comme « tourneuse de pages » bénévole aux concerts donnés à la CMD de Soissons, un rôle qui exige une grande sensibilité aux besoins individuels de chaque musicien.

 

 

 

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Le Vase des Arts

Le nom de Chostakovitch

Denis MAHAFFEY

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Si les arts ne peuvent pas venir à leur Vase des Arts…
le Vase des Arts ira à ses arts.

En l’absence de manifestations publiques actuelles, retrouvons un concert mémorable dans l’histoire personnelle du chroniqueur.
Commentaires : denis.mahaffey@levase.fr

En octobre 2017 l’orchestre Mariinski a quitté la fosse d’orchestre de l’Opéra de Saint-Petersbourg pour une tournée à l’étranger sous la direction de Valery Gergiev. Un soir d’automne pluvieux dans le nord de l’Irlande il allait jouer la 11e symphonie de Dimitri Chostakovitch, celle qui dépeint la révolution russe de 1905. Le concert serait donné dans l’Ulster Hall, grande salle publique de la ville de Belfast. Un événement prestigieux dans la vie musicale locale ; une apothéose pour moi, par la coïncidence entre la musique de Chostakovitch et mon retour dans la ville où j’ai grandi.

J’ai toujours été fasciné par ce compositeur – toujours, c’est-à-dire que je ne sais plus quand ni comment j’ai fait connaissance avec son nom. Fasciné plus qu’admiratif, car je ne le savais de lui que le nom, rien de plus : sa musique n’était pas disponible. Des compositeurs russes j’avais entendu Tchaïkovski, Rimski-Korsakov, peut-être Khatchatourian, et ce nouveau nom a dû représenter un franchissement de mes horizons vers le lointain de la musique. Je disais et redisais son nom : « Chosta-ko-vitch ». Une seule fois, j’ai entendu un quintette à la radio. Je ne l’ai ni aimé ni pas aimé, mais l’attirance ne s’est pas amoindrie.

Photo Natalya Coward (*)

Au concert de Belfast j’étais placé – médiocrement pour un critique – sous le balcon en fer à cheval, assis, comme tout le public, sur une chaise métallique empilable, car la salle sert aussi à des matchs de boxe. A quinze ans mon frère y a combattu en amateur, frêle dans son débardeur avec des gants comme des miches de pain.

Moins porté sur le sport et plus sur la musique, j’ai joué du piano sur la haute estrade à deux concerts maçonniques. Chaque fois j’ai joué un solo et j’ai accompagné un garçon dont la voix avait une indifférence d’ange à sa propre beauté, et dont le regard vif suggérait que chanter ne l’empêchait pas de cogiter des bêtises faites et surtout à faire. Soliste, j’ai eu un trou au milieu du morceau, et ai improvisé pendant un quart de seconde interminable avant de retrouver le fil. Personne n’a semblé remarquer la contrefaçon éphémère de Sinding, et j’ai été très applaudi.

Avec une amie, adolescente aussi, j’ai assisté aux concerts de l’Orchestre de la Ville de Belfast ; nous avons fait l’apprentissage du répertoire symphonique classique. Nous avions un abonnement ; j’ai vu au balcon les deux places que nous occupions.

Nous avions été innocemment éblouis par une pianiste australienne, Eileen Joyce, qui changeait de robe pour chaque compositeur : soie bleue pour Brahms, velours noir pour Beethoven, popeline blanche à fanfreluches pour Chopin. Le lendemain au lycée nous avons dû vite nous raviser et taire notre enthousiasme quand une camarade plus avertie a dit « J’ai failli vomir ! ». Le critique du journal du soir raillait aussi les changements-éclair, en proposant de les étendre aux musiciens d’orchestre… « avec des paillettes pour Tchaïkovski ».

Chostakovitch m’a servi. Arrivant presque en retard pour un examen de piano, j’avais plusieurs livres sous le bras, dont un sur Chostakovitch. L’examinateur a commenté mon intérêt pour un compositeur classé peu accessible et, je pense, a été bienveillant quand je me suis emmêlé les doigts dans la gamme de Si bémol mineur.

Il y a cinq ans j’ai entendu Gautier Capuçon jouer le second Concerto pour violoncelle de Chostakovitch dans la nouvelle Cité de la Musique et de la Danse de Soissons. La longue attente n’avait pas été vaine : elle a pris fin avec  cette œuvre-bilan d’un homme ayant pris bien des coups dans la vie, et qui en fait un constat, humain et sublime.

Non seulement j’entendais sa musique en vrai pour la première fois, mais j’ai pu en faire le sujet d’une chronique du Vase des Arts.

Le soir de 2017 à Belfast, la musique de Chostakovitch, jouée et dirigée par des Russes en Irlande, là où j’avais appris son nom, justifie la grandeur du mot « apothéose ».

Les quatre mouvements de 1905 s’enchaînent : l’attente sur la place du Palais ; l’écrasement de la révolte ; la marche funèbre ; le tocsin qui présage la suite. Le peuple continuera à se lever mais, Chostakovitch l’a écrit, sera chaque fois « trahi et puni ».

Je suis né sur une île qu’un conflit a fendue en deux ; le Sud est parti sur la voie d’un avenir indépendant, le Nord vestigial n’a survécu qu’en se figeant dans un éternel présent. Au moindre mouvement la construction déséquilibrée pouvait s’effondrer. J’ai quitté le pays, le nom de Chostakovitch dans mes bagages. Je reviens et entends sa symphonie, qui met en musique la récurrence tragique d’événements. Immobilité et turbulence : l’humain en fait ce qu’il peut.

(*) Voisine de rang au concert, russe elle-même.

Adapté d’un écrit de 2019.

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JEROME TROUVE – Hypnose
FERME DE LECHELLE – Vente à la ferme

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