Musique
Paroles et musique
Voix de l’engagement
Nous poursuivons notre série retraçant un engagement fort dans une cause ou activité.
Jean-Michel Verneiges, directeur de l’Association pour le Développement des Activités Musicales de l’Aisne (ADAMA), aime mieux parler de ce qu’il fait que de lui-même. Ce portrait en mots resterait-il alors impersonnel, limité à ses activités, sans rien révéler de l’homme qui les exerce ?
Pas du tout. Car le sujet qu’il veut aborder est un engagement annexe, né de son amour pour la littérature et plus précisément pour les résonances entre elle et la musique.
Quelques mots tout de même sur le contexte. Né et élevé à Soissons, Jean-Michel Verneiges y a commencé son éducation musicale par des cours de piano et puis d’orgue. Après ses études au Conservatoire de Paris, où son professeur d’orgue était le grand organiste André Isoir, et où il a étudié aussi l’Histoire de la musique et l’Esthétique, il avait tout pour devenir musicien, mais admet que ses satisfactions, déjà à l’adolescence, venaient plutôt de l’organisation de concerts et récitals où d’autres se produisaient.
Ce rôle d’intermédiaire entre ceux qui font la musique et ceux qui l’écoutent a pris tout son sens quand Jack Lang, ministre de François Mitterrand, a créé un réseau de structures décentralisées en 1983 pour servir de ferment à la démocratisation de la pratique musicale professionnelle et amateur. Jean-Michel Verneiges est devenu le premier directeur de l’ADAMA auprès du Conseil départemental de l’Aisne.
Cette position l’a amené à lancer de grandes initiatives dans le Département. Il a fondé et est directeur artistique du Festival de musique ancienne et baroque de Saint-Michel-en-Thiérache, et du Festival de Laon. A Soissons, il est membre du Comité artistique de la nouvelle Cité de la musique et de la danse (CMD).
Ses activités ont créé un réseau de partenaires qui élargissent le champ d’action d’ADAMA, tels que France Musique et l’Orchestre philharmonique de Radio France (qui se produit régulièrement à la CMD).
Voilà pour ses activités « officielles ». A côté des responsabilités de son poste, il poursuit depuis près de trente ans un autre intérêt : joindre la littérature à la musique, en créant une série de « concerts-lectures ». Quand il en parle, son discours devient plus dense, plus personnel, évoquant les écrits qu’il admire, les rencontres qu’il a faites, les amis qu’il s’est fait.
« J’ai toujours aimé Proust », il admet, l’a toujours lu, le lit toujours. A la recherche est plein de références musicales, au point que, selon Jean-Michel Verneiges, la musique y est « consubstantielle » avec l’écrit. En 1990, centenaire de la mort de César Franck, il a conçu, adapté et mis en espace La sonate de Vinteuil, dans lequel l’acteur Lambert Wilson a lu des extraits du roman concernant cette sonate fictive, alternant avec les œuvres réelles de Saint-Saëns, Fauré, Debussy et Franck qui ont pu servir d’« étincelle » à Proust. Le spectacle a été joué une quarantaine de fois, en France, en Suisse et au Maroc, parfois avec d’autres artistes. « Nous ne faisons pas de promotion, nous attendons des occasions. » C’est la règle aussi pour les spectacles qui suivent.
Car Jean-Michel Verneiges trouve le filon si riche qu’il a créé encore trois spectacles « proustiens ». Intéressant pour les spécialistes ? Non, car ces spectacles sont conçus pour être à la portée des « non-avertis ». La démocratisation intelligente de la culture reste une constante.
En 1997, Episodes de la Grande guerre met en relation des extraits du roman de Proust traitant de la guerre, lus à nouveau par Lambert Wilson, et des œuvres de Fauré, Ravel et Debussy. Mais le programme commence par la sonate Kreutzer de Beethoven, car Proust n’acceptait pas l’hostilité contre la musique allemande : « Si au lieu d’avoir la guerre avec l’Allemagne, nous l’avions eue avec la Russie, qu’aurait-on dit de Tolstoï et de Dostoïevski ? »
Edwin Crossley-Mercer dans “Bleus Horizons” au Mail
Jean-Michel Verneiges revient au sujet en 2013 avec Proust de Wagner à Vinteuil, pour le bicentenaire de Wagner et le centenaire du début de l’édition de La recherche. Wagner est le compositeur le plus souvent cité dans le roman, et comme « l’un des modèles profondément nourriciers de la musique de l’imaginaire Vinteuil » Plus fondamentalement encore, pour Jean-Michel Verneiges « la conjuration de l’écoulement du temps », selon la formule du critique franco-canadien Jean-Jacques Nattiez, est une préoccupation commune à La recherche et à la Tétralogie de Wagner. Le temps qui est recherché ne passe pas, il se cristallise. Les extraits du roman concernant Wagner sont accompagnés par de rares transcriptions pour piano de ses œuvres.
Enfin en 2016 Un humour de Proust (titre qui rappellerait, avec un sourire en coin, Un amour de Swann) illustre le propos de l’universitaire Jean-Yves Tadié, selon lequel La recherche est « l’un des romans les plus drôles que connaisse notre littérature ». L’ironie y règne, dans tous les lieux, selon Jean-Michel Verneiges, « d’un monde clos où prospèrent snobisme, bêtise, cruauté, condescendance et cuistrerie, qui font le miel du satiriste ». Lambert Wilson a lu les textes, le pianiste Jean-Philippe Collard, appelé lui aussi à prendre part à plusieurs de ces concerts-lectures, les a accompagnés.
Chopin, l’âme déchirée, spectacle de clôture du Printemps des Conteurs 2010, a marqué le bicentenaire de la naissance du compositeur. Jean-François Collard a joué sa musique, qui « calme et affole » a écrit Jankélévitch, et Patrick Poivre d’Arvor a lu des poèmes pris dans son anthologie de la poésie française.
En 2016, le dispositif a été retourné quand Lambert Wilson a demandé à Jean-Michel Verneiges d’adapter les échanges par lettre entre la cantatrice Pauline Viardot et Ivan Tourgueniev pour en faire Un amour énigmatique au Festival de la correspondance de Grignan, avec la soprano Felicity Lott.
Seuls deux spectacles ont été vus à Soissons, dont Chœurs d’étoiles en 2005 à la cathédrale, sur et avec la musique d’orgue, avec Vincent Dubois, titulaire des orgues, et le comédien Michel Duchaussoy. En 2014 Bleus horizons a été adapté par Jean-Michel Verneiges du roman de Jérôme Garcin, et présenté au théâtre du Mail.
Un nouveau spectacle est attendu en 2018, adapté du roman de Thomas Bernhard Le naufragé, sombre histoire de trois étudiants de piano : le narrateur, Glenn Gould et Wertheimer. Devant le génie de Gould le narrateur abandonne, et Wertheimer, qui ne sait qu’imiter ce qui le dépasse, se suicide. Le texte, écrit comme une suite de variations, sera accompagné par… les Variations Goldberg de Bach, jouées par Kit Armstrong.
Enfin, Jean-Michel Verneiges a été conseiller artistique de Bartabas pour des spectacles équestres.
Organisateur, inspirateur, intermédiaire, Jean-Michel Verneiges est aussi un créateur qui engage son esprit dans ces mariages entre paroles et musique.
[Une version abrégée de cet article paraît dans Le Vase Communicant n°247.]
L'art de la musique Romantique
La dominante Romantique de la saison musicale 2023-24 à la Cité de la Musique de Soissons, illustrée par le concert de l’Orchestre Nationale de Lille en septembre, avec Grieg et Tchaïkovski, est confirmé par celui de l’Orchestre de Chambre de Nouvelle Aquitaine, avec Mendelssohn et, encore, Grieg.
La soliste Manon Galy et le chef d’orchestre Mark Coppey
Comme pour marquer quand même une parenthèse entre les deux programmes Romantiques, et rappeler que les silences peuvent, non pas interrompre la musique mais créer des respirations dans l’écoute, le concert a commencé par Words, une très courte œuvre de la compositrice allemande contemporaine Isabel Mundry.
Ensuite, la très jeune violoniste Manon Galy, lauréate aux Victoires de la musique 2022, a remplacé Alexandra Soumm comme soliste dans trois concerts avec ce même programme, sous la direction de Mark Coppey.
Il s’agit d’un des défis auquel doit faire face tout violoniste. Le concerto de Mendelssohn met à l’épreuve sa virtuosité et sa sensibilité.
Ce qui s’est passé a été une sorte d’histoire… romantique. Manon Galy est arrivée sur scène, étincelante en lamé argent, l’air fragile, le visage fermé. Après les quelques notes qui précédent l’entrée du violon au début – une nouveauté par rapport au schéma Classique, qui veut que l’orchestre joue une introduction, comme une mini-ouverture, elle a attaqué. La cadence vers la fin du premier mouvement a été brillante, le basson et la flûte ont fait le pont et elle s’est lancée dans le mouvement lent, exaltant, contemplatif et parfois déchirant. Son visage a changé, elle s’est détendue, et avec le troisième mouvement furieusement énergétique, elle a confirmé sa maîtrise. Une réussite, et elle le savait car elle était souriante en saluant la salle et l’orchestre.
En bis, elle a osé affronter la Méditation de Thaïs de Massenet, piège pour tout musicien susceptible d’être tenté de faire pâmer la salle. Manon Galy est restée ferme, évitant toute sentimentalité, tout…romantisme, et a ému. Encore une Victoire, que le public a semblé reconnaître par son accueil.
Avant le concert la harpiste Iris Torossian prépare son instrument, noir comme sa robe.
Ce grand moment passé, les auditeurs ont pu se laisser divertir et charmer par les deux suites Peer Gynt de Grieg. Les trois « tubes » font toujours plaisir, à écouter et, dans une salle de concert, à voir, et les cinq autres pièces, moins familières, se laissent davantage connaître.
Ce double événement, et les autres concerts programmés pour la saison, proposent un long regard vers l’ère Romantique, dont les compositeurs, laissant leur inspiration, les mouvements de leurs émotions, générer les formes de leur art, bousculaient les structures plus ou moins strictes de composition des époques Baroque et Classique.(*)
(*) Admettons que les amateurs du Baroque et du Classique défendent ces structures (comme ceux qui, en poésie, préfèrent le sonnet et l’alexandrin au vers libres) en pensant qu’au lieu d’entraver la créativité elles l’éperonnent, posent un défi fécondateur au compositeur (comme au poète).
Un commentaire ? denis.mahaffey@levase.fr
L'art de la musique Romantique
Les programmes papier de la Cité de la Musique accordent une place prépondérante à la carrière des solistes et du chef. Les œuvres font de temps de temps l’objet des excellents « guides d’écoute » rédigés par la Classe d’Analyse de Christine Paquelet au Conservatoire. Mais parfois ils contiennent une petite mise en contexte des œuvres, toujours brève, profonde, instructive – et anonyme. Pour le concert de l’Orchestre National de Lille à la Cité de la Musique, la feuille distribuée à l’entrée, à côté des noms des musiciens d’orchestre, ce qui est rare, commentent les deux œuvres à jouer, le Concerto pour piano de Grieg et la 5e Symphonie de Tchaïkovski.
Les spectateurs y apprennent que les deux compositeurs se connaissaient et s’appréciaient. Cela éveille l’oreille à une communauté d’approche entre les deux – un exercice enrichissant quand il s’agit de « tubes » classiques, si souvent entendus qu’ils risquent de devenir une musique de fond.
Soliste et chef devant le public
Ainsi, les deux œuvres ont un côté spectaculaire, en faisant pleinement appel aux capacités des musiciens. Pour le concerto, cela inclut l’exploit technique de la soliste, Alice Sara Ott, jeune et presque frêle devant son clavier. Il s’agit de l’aspect visuel d’un concert, de la possibilité pour les auditeurs de « voir » la structure d’une œuvre, à travers les gestes des musiciens, et d’apprécier leurs capacité physique à mettre en sons l’inspiration du compositeur. Le début du concerto est comme toujours extraordinaire, les percussions précédant l’entrée fracassante du piano seul.
La 5e de Tchaïkovski s’engage dans le lent passage de l’inquiétude du début, du doute, vers leur résolution finale dans la certitude.
Par ailleurs, Grieg et Tchaïkovski partagent la capacité, au milieu de passages d’intensité prodigieuse, d’inclure des thèmes capables d’inspirer chez les auditeurs un sentiment si profond que la joie et la tristesse ne s’y distinguent plus.
Après le concerto, et avant la symphonie, Alice Sara Ott a pris la parole pour présenter son « bis ». Elle a parlé du nouveau piano de la Cité, en admettant qu’il lui fallait le temps de s’y habituer, et proposant, après Grieg, « quelque chose de plus intime » : Pour Alina d’Arvo Pärt, œuvre clef de ce compositeur estonien sur son chemin du minimalisme. L’effet dans la salle a été de marquer un interlude dans une soirée de vastes mouvements et de grandes émotions et parfois, dans le cas de Tchaïkovski, admettons-le, d’emphases théâtrales. Le morceau prend quelques minutes, mais il peut durer jusqu’à dix, selon l’interprète : Alice Sara Ott a choisi la brièveté, d’autant plus éloquente dans un océan de Romantisme.
La musique de l’époque Romantique a les faveurs de la Cité de la Musique cette saison, parfois de façon rapprochée : le concert de l’Orchestre National de Lille, avec Grieg et Tchaïkovski, est suivi quinze jours après par un autre, consacré à Mendelssohn et, à nouveau, Grieg.
Un commentaire ? denis.mahaffey@levase.fr
L'art du jazz
Né à Soissons, parti dix ans en Angleterre où il a été professeur de français, de retour juste avant le confinement Covid, Nawfel Hermi a ouvert depuis un an Platinorama, magasin de disques spécialisant dans les années ‘60 à ’80. Guitariste autodidacte, il marque une nouvelle étape en inaugurant l’Anatole Jazz Club au théâtre Saint-Médard le 5 octobre avec son quatuor, Philippe Rak au vibraphone, Stéphane Belloir batterie, Rémi Gadret basse et contrebasse.
Le jazz pour Nawfel ? « L’improvisation. Il faut s’ouvrir à l’inattendu. Il faut connaître les règles, puis se lancer. »
Rémi Gadret, responsable pour ce projet avec la compagnie Acaly, prévoit d’ici juin 2023 9 concerts, conférences et sessions jam (où les jazzmen peuvent faire connaissance et expérimenter sans cérémonie), fondant ainsi un vrai lieu où le jazz peut s’établir, s’enrichir – et enrichir la vie musicale à Soissons.
Pour Rémi comme pour Nawfel, l’improvisation, la spontanéité sont au cœur du jazz. « Mais Bach aussi était un grand improvisateur. L’écrit n’a pris tant d’importance qu’avec les grands compositeurs classiques. »
Enfin, pourquoi « Anatole » ? C’est un code de structure (comme le « blues »), 32 mesures de type AABA, une grille basée sur « I got rhythm » de Gershwin. Il suffit de signaler « une anatole en si bémol » et c’est parti.
Nawfel Quartet, théâtre Saint-Médard, 5 oct. Dîners-concerts à 19 et 21h.
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