Théâtre
Prochainement / L’Homme Semence : le théâtre collectif
L'art de faire un spectacle
Encore une grande semaine, et c’est la première. La compagnie Art et Nuits Blanches jouera son spectacle L’homme semence devant le public du Mail. Les mois de préparatifs méticuleux, de la prise en main du texte aux répétitions scène par scène, puis les filages par lesquels la pièce est répétée du début à la fin, pour lui donner sa cohérence, seront terminés, et les acteurs, costumés et maquillés, viendront sur scène, diront les premières répliques, feront les premiers gestes et mouvements d’ensemble devant les spectateurs et, c’est inévitable, guetteront leurs réactions. L’étrange relation entre artistes et spectateurs, qui joue dans les deux sens, sera créée.
Le Jean (Sébastien Lalu) rencontre Violette (Lou Miracco.
Après Nomades en 2016, Acaly en 2017 et Milempart en 2018, c’est la compagnie Art et Nuits Blanches qui a été choisie cette année pour une « résidence de création » au Mail Scène culturelle. Ainsi la compagnie a bénéficié de plusieurs séjours au théâtre pour les répétitions de son spectacle et de l’aide des services techniques. Le résultat est une coproduction entre le Mail et la compagnie.
Fernand Mendez, un des quatre fondateurs de la compagnie avec Valérie Priester, Ghislaine Ferrer et Sébastien Lalu, avait proposé une adaptation du livre de Violette Ailhaud, L’homme semence. « Je l’ai trouvé chez un bouquiniste en Provence. » C’est le récit de la vie d’un village provençal dont tous les hommes ont été arrêtés après le coup d’état de Louis-Napoléon en 1851. Laissées seules, les femmes s’organisent collectivement. Pas d’hommes ? Pas de naissances ? Elles s’engagent à être solidaires si un homme arrivait au village, à refuser l’exclusivité de ses attentions. Un maréchal-ferrant itinérant, « le Jean », atteint le village, tombe amoureux de Violette – et s’efforce de combler l’attente collective.(*) Lorsque d’autres habitants reviennent, il s’en va.
Le livre reste énigmatique : est-ce une nouvelle moderne ou, comme l’éditeur prétend, le récit véridique par une femme âgée d’événements dans un village de Provence ? Il y a même des efforts en ligne d’identifier un autre auteur. Ce qui frappe le lecteur est le ton, les cadences modernes de la prose, une façon de décrire le désir, par exemple, qui enfreint les conventions qu’observerait sans doute un auteur d’un autre âge (tout en transmettant aussi éloquemment le sens de ce désir).
C’est un beau texte lyrique, social, féministe et érotique. Fernand Mendez y voit « une parabole humaniste, traitant d’une pulsion vitale, sans jalousie. L’engagement collectif qui y est raconté correspond justement aux principes défendus par les membres d’Art et Nuits Blanches, ceux d’une démarche collective. Selon Sylvie Heyvaerts, adaptatrice du texte, « Je l’ai écrit, mais nous en discutons à chaque fois, et souvent un autre choix que le mien est fait. »
Après un filage, les comédiens reviennent sur la mise en scène.
L’adaptation et sa mise en scène en font un chant théâtral. La communauté des femmes devient une parabole ; le présent, le passé se mêlent dans une chorégraphie complexe, le quotidien du travail alterne avec les rêves de jeunes femmes.
La décision d’attribuer plusieurs rôles à chaque acteur – à l’exception de Lou Miracco qui est Violette – créé d’autres résonances. Sébastien Lalu joue son fiancé tué en essayant de fuir, et le forgeron qu’elle aimera à nouveau. La prose du livre devient de la poésie au théâtre.
La compagnie est soissonnaise, mais ses acteurs viennent de toute la région des Hauts de France. Lou Miracco, Camille Dupond et Rémi Laverseyn viennent de Lille, Ghislaine Ferrer et Sébastien Lalu de Saintines près de Compiègne, Caroline Varlet de Fressancourt près de Saint-Gobain et Valerie Priester de Gauchy. Seul Cyril Roche, qui joue le maire du village et père de Violette, réside en région parisienne.
Le montage du spectacle, vu à plusieurs moments du travail, a révélé une histoire apte à intéresser, faire réfléchir et émouvoir son futur public. Après chaque répétition les participants se sont retrouvés pour en parler, en vertu du principe de la mise en scène collective. Chacun commente, propose, argumente.
La première d’un spectacle ressemble au lancement d’un navire, lorsque les aussières sont coupées et il commence à glisser inexorablement vers la mer ; ou à une naissance, dont aucun préparatif ne fait face à la réalité d’une nouvelle vie qui émerge.
(*) Idée triviale : si « le Jean » a été père de tous les nouveau-nés du village, ils ont tous été demi-frères et demi-sœurs.
[Des éléments de cet article ont été publiés dans le Vase Communicant au cours du montage du spectacle.
17/05/19 : Modifié pour corriger des coquilles.]
L'art de jouer
Une femme, l’air abandonnée par elle-même, est assise à une table. Elle parle. « Face à la cheminée, le téléphone, il est à côté de moi. À droite, la porte du salon et le couloir. Au fond du couloir, la porte d’entrée. Il pourrait revenir directement, il sonnerait à la porte d’entrée : “Qui est là — C’est moi”. »
A travers La Douleur, la comédienne Dominique Blanc vit depuis plus de dix ans avec la douleur en tant que comédienne. En 2010, elle a d’abord fait une lecture du texte de Marguerite Duras, puis l’a joué dans un spectacle mis en scène par Patrice Chéreau. C’est dans cette même mise en scène, revue par Thierry Thieû Niang, qu’elle a repris le rôle, d’abord à Paris, ensuite pour une tournée qui l’a amenée au théâtre du Mail à Soissons.
Le texte relate l’attente fébrile d’une femme dont le mari a été déporté dans un camp de concentration allemand en 1944, et son retour. La situation reflète celle de l’auteure elle-même, face à la déportation de son mari Robert Anthelme, et le texte de la nouvelle est adapté d’un journal intime qu’elle aurait gardé pendant cette période d’attente.
La femme sur scène subit l’attente insoutenable, dans une impuissance qui n’est pas exceptionnelle mais celle « de tous les temps, celle des femmes de tous les temps, de tous les lieux du monde : celle des hommes au retour de la guerre »
Etant donné la matière du texte, le public pouvait s’attendre à une performance, dans le sens d’un déploiement de sentiments extrêmes, des crises d’angoisse, des larmes ; un corps à l’agonie, des émotions qui débordent.
Dominique Blanc choisit une autre approche, qui est un défi aux conventions du théâtre. C’est celle de la transparence. Comédienne, elle transmet ce qui se passe, mais sans jamais forcer le trait. La douleur passe par son corps et sa voix sans jamais devenir paroxysme : ils servent de messagers entre le plateau et la salle, sans rien ajouter. C’est au spectateur, pourrait-on dire, de faire ce qu’il veut, ou peut, de ce qu’il voit et entend.
L’aspect physique de la comédienne contribue à cette transmission, son corps en retrait, son regard légèrement tombant, son grand front comme un écran blanc. Dominique Blanc établit une sorte de vide que chaque spectateur remplit par son accueil de ce qu’elle dit et fait.
Pour ceux dans la salle qui ne la connaissaient que par le cinéma, la rencontre en chair et en os a pu confirmer que c’est une artiste dont la force est d’autant plus étonnante qu’elle ne la met pas en avant. Tout est réserve, tout est transparence. Dans La douleur, au lieu de faire voir sa douleur, elle la laisse voir.
Un commentaire ? denis.mahaffey@levase.fr
L'art du théâtre appliqué
Sortis à peine de Les Coquettes (titre laconique et même coquet pour trois humoristes débordant d’énergie et d’à propos sur les sujets qui préoccupent et fâchent les femmes), les spectateurs du Mail – certes peut-être pas les mêmes, et en moins grand nombre – ont pris place dans la même grande salle pour un spectacle de la compagnie Légendes Urbaines : Et c’est un sentiment qu’il faut déjà que nous combattions je crois. Comme, Ce que je reproche le plus résolument à l’architecture française, c’est son manque de tendresse, venue à Soissons en 2021 (*), le titre est tout un programme, un brin provocateur, une façon d’éviter de coller une étiquette rapide sur le sujet abordé.
Le sujet, une constante pour la compagnie, est l’environnement urbain, celui des « quartiers », des « banlieues » populaires. Il s’agit de repérer, derrière les représentations courantes de ces milieux, la vie de ceux qui y trouvent ou ne trouvent pas leur épanouissement, et les raisons matérielles – la conception des grands ensembles – des ratés sociaux.
Le point de départ de la nouvelle pièce est un reportage sensationnel diffusé à la télévision, montrant entre autres l’absence générale de femmes dans certains quartiers, dans les rues et de façon encore plus flagrante dans les cafés. La pièce examine l’origine du reportage, son degré de vérité ou de manipulation, et démonte les mythes autour de tels quartiers portés par les média.
Une question purement théâtrale se pose aussitôt : comment rendre « dramatique » un tel thème, éviter une étude sociologique qui n’accrochera pas le public dans la salle ?
David Farjon est David Pujadas.
La réponse est aussi théâtrale : utiliser tous les ressorts dramatiques pour illustrer les propos. Les six acteurs maîtrisent parfaitement un style naturaliste pour changer de rôles, multiplier les personnages. Ils font des numéros époustouflants, tel le rappeur qui se raconte, ou David Farjon, fondateur de Légendes Urbaines, en parfait interprète du présentateur David Pujadas, dans les coulisses de son émission.
Il y a des mises en abyme, comme quand les journalistes, assis autour d’une table pour discuter, apparaissent en même temps sur un grand écran.
L’imagination est illimitée : pour revenir dans le montage de la discussion filmée, les comédiens se lèvent et font marche arrière en accéléré jusqu’au point à éditer.
Ainsi, même un spectateur peu concerné par le sujet de l’environnement urbain est attiré en impliqué par les astuces du théâtre. A nouveau, Légendes Urbaines met en scène une étude sociologique en la rendant fascinante et inattendue. Un acteur « interprète » un texte ; Et c’est un sentiment qu’il faut que nous combattions je crois interprète la vie des quartiers qu’il met en scène.
(*) Jouée dans la petite salle du Mail, qui a l’avantage de la proximité entre acteurs et spectateurs, et le désavantage d’imposer à presque tout le monde de voir seule une partie de la scène entre les deux têtes devant.
L'art de l'humour au féminin
Dans quelques jours le public du Mail se repenchera sur les problèmes de l’urbanisme dans Et c’est un sentiment qu’il fait déjà que nous combattions je crois, de la compagnie Légendes urbaines, déjà venue au Mail en 2018, et qui poursuivra, avec la même intelligence et verve, son exploration de la vraie vie des quartiers populaires.
Les Coquettes, le spectacle qui l’a précédé, adopte une autre forme théâtrale pour aborder des sujets aussi fondamentaux, mais en déployant d’autres moyens, ceux de l’humour, de la dérision, de la provocation et de la musique. Mais au fond, derrière le sérieux de l’un, et la crânerie de l’autre, le regard des deux spectacles est aussi tendre, aussi empreint d’humanité.
La salle était pleine jusqu’au dernier fauteuil pour Marie Facundo, Mélodie Molinaro et Lola Cès (« la brune hargneuse, la blonde idiote et la ronde rigolote »), confirmation du succès de leur précédent spectacle à Soissons en 2018, dans une configuration un peu différente. Des spectateurs en parlaient encore.
Les trois humoristes jouent et chantent sur des sujets qui comptent pour les femmes, avec une énergie physique et vocale qui tient la salle en éveil. Le déroulement est calibré dans le dernier détail, mais elles savent aussi improviser leurs réactions aux spectateurs, qu’elles interpellent sans l’agressivité de bien des comiques hommes. Personne n’est dévalorisé.
La grande réussite du spectacle est son rythme finement modulé, ses changements constants de ton – Lola, seule en scène, chante même un air triste et désabusé. Une courbe est décrite du début à la fin, le point culminant étant une réflexion (le mot est bien plat par rapport à l’explosion sur scène) sur le fonctionnement du… clitoris, avec un grand panneau explicatif brandi par leur pianiste, Thomas Cassin, et une danse par six marionnettes lumineuses sur le même modèle, manipulées par Lola, Mélodie et Marie.
L’énergie est comme un grand souffle qui se communique à la salle dans une grande jouissance comique partagée. Cependant, au lieu d’être la fin du spectacle, laissant le public dans un état de surexcitation, la courbe marque ensuite un adoucissement, un ralentissement, une descente en douceur, sans perdre le souffle généré.
Elles ont expliqué le titre du spectacle : Merci Francis. Il y a quelques années « ça n’allait pas du tout, pas du tout » entre elles. Francis, un ami dans le monde du spectacle – « tout le monde le connaît » selon elles, sans qu’elles le nomment (quelques efforts sur Internet suffisent pour l’identifier), vient les voir après une représentation, leur dit tout le bien qu’il pense d’elles, et précise « Vous formez un triangle, et dans un triangle il y a trois sommets. » Cela a suffi pour les ressouder et relancer le moteur. Ce serait donc grâce à Francis que Lola, Marie et Mélodie se sont retrouvées au Mail, devant une salle debout qui applaudit leur humour et leur énergie, mais aussi, au fond, leur tendresse.
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