Connectez-vous avec le Vase

Exposition

Michel Gasqui : créateur de mondes

Denis MAHAFFEY

Publié

le

Le confinement et la culture – 1er épisode

Avoir tout son temps, sans rendez-vous à l’extérieur ni chez soi, sans distraction, sans visiteurs, seul : ne serait-ce pas une chance pour un créatif ?

Pour le peintre Michel Gasqui, le confinement manque d’un élément essentiel : un objectif pratique et un délai. Il se rend compte qu’en leur absence son appréhension à commencer un tableau prédomine.

« D’ordinaire, je passe beaucoup de temps à Soissons en travaillant, seul chez moi, sans visite, sans contact avec autrui ; mais quand j’en ressens l’envie, je vais à Paris, voir une expo, des amis, me balader. C’est ce qui me manque actuellement, ça et l’absence de perspective concrète. »

Masure close (mars 2020)

Après une vie d’enseignant à Paris, Michel Gasqui avait essayé Laon puis a choisi Soissons pour sa retraite. Il a commencé à exposer ses peintures sous le nom d’artiste Migas Chelsky, au Mail, à la Bibliothèque, à l’Office de tourisme puis, à travers l’Association d’Artistes Axonais dont il est membre fondateur, à Saint-Quentin, à Saint-Léger et même à Paris et ailleurs. Il admet ne plus exposer à Soissons, car les tarifs des salles municipales sont devenus trop élevés pour des artistes qui, il rappelle, vendent peu d’œuvres.

Il s’est exprimé par écrit sur ses préoccupations artistiques. « Je viens du collage et pour cette raison me sens plus à l’aise à devoir rassembler et ordonner des éléments épars dans une composition esthétique qu’à démarrer un tracé sur une toile immaculée. »

Au début du confinement, Michel Gasqui a produit un tableau appartenant à sa longue série représentant des bâtiments délabrés, vides, abandonnés. Fermés, car aucune porte ni fenêtre ne reste ouverte. C’est comme si ceux qui les ont quittés voulaient y enfermer le passé qu’ils laissaient derrière eux.

Il utilise le carton ondulé, qui représente si bien la tôle fréquemment utilisée dans les maisons miséreuses. Pourquoi rester préoccupé par ce sujet ? « Cela concerne une douleur personnelle, mais aussi sociale. Ces maisons ont abrité des pauvres, des immigrés. »

Il dessine aussi, des images qu’il appelle « aléatoires », pour lesquelles, à la différence des maisons, il prend un support immaculé. Il trace des emmêlements de traits fins que son ami, le peintre-écrivain Bruno Montpied, traite d’« arachnéens » (« Alors que j’ai la phobie des araignées »).

A cause du confinement est qu’il travaille plus que d’habitude, regarde des films, des documentaires, des séries policières sur son écran d’ordinateur ou sur celui, rétro, de sa « pièce cinéma ». « J’ai renoncé depuis belle lurette à la télévision. J’écoute la radio mais surtout France-Musique. Je ne lis pas assez, mais j’ingurgite beaucoup d’images.

J’essaie de sortir de temps en temps, de marcher, mais je viens de m’apercevoir que les berges de l’Aisne sont fermées au public. J’ai du mal à le comprendre et à l’accepter.

Le moral varie selon le degré de réussite de mon travail, en fonction des messages que je vais envoyer ou recevoir de mes amis et de ma fille, du taux d’ensoleillement dehors et de mon humeur fréquemment changeante. »

Il définit ainsi l’inspiration qui l’a guidé jusqu’ici, et à laquelle il restera fidèle dans le monde nouveau qui l’attend – qui nous attend tous – quand le coronavirus laissera reprendre une vie sociale. « Si je devais appartenir à un mouvement artistique, ce serait à celui des créateurs de mondes, à l’instar des dieux et des cinéastes. Je cède à une pulsion impérative qui m’entraîne à créer de toutes pièces un monde non pas imaginaire mais qui interprète l’existant dans une vision onirique, critique et satirique – mais non idyllique. »

Il y incorpore aussi une opposition dans sa vision : « J’hésite toujours entre créer de belles choses et rendre belle la laideur, entre l’introspection et l’engagement social et politique. Je ne peux choisir. »

Continuer la lecture

Exposition

Dominique Léon : à l’interface des mondes

Denis MAHAFFEY

Publié

le

L'art de peindre les craquelures

Dominique Léon chez lui à Paris
Dominique Léon chez lui à Paris

Route, arbres, ombres

Il y a des gens qui naissent, vivent et meurent sur un même territoire, comme s’ils y étaient attachés dans leur chair. D’autres arrivent d’ailleurs, enfants avec leurs parents, ou pour travailler, ou pour occuper une maison de campagne. Leur engagement peut devenir aussi soutenu ; il est souvent plus conscient.

L’artiste-peintre Dominique Léon est né dans un village près de Provins, où son père était garde-chasse. Des amis parisiens y avaient une maison, où pour la première fois il a vu des tableaux qui ont éveillé son sens artistique. Mais il voulait être coiffeur, et à 14 ans il est monté à Paris suivre une formation. Il y a trois ans il a commencé à rendre visite à son ami Patrick Delarue à Villers-Cotterêts, et à explorer la forêt de Retz. Aujourd’hui il écrit « Mon cœur y est presque tous les week-ends en villégiature. »

Il est devenu coiffeur et a un petit salon à Paris. Mais très tôt il a commencé à fréquenter les ateliers des Beaux-Arts, puis a poursuivi des cours de peinture dans différentes techniques, l’huile, l’aquarelle. Puis il y a quelques années il a décidé de s’arrêter d’apprendre à peindre… et de peindre.

Une cliente géologue lui a parlé de l’Islande, il y est parti pour quinze jours en 2015, et a été bouleversé par ce qu’il voyait dans cette terre de feu et de glace, ses forces visibles dans la croûte terrestre. Il est retourné en 2018.

L’arbre (re)marqué de la forêt de Retz

Il a découvert en Islande une riche source d’inspiration, point de départ d’un long voyage artistique. Il est sensible non pas tant aux paysages magnifiques qu’à la façon dont les surfaces, du sol et de la roche, se fissurent sous les forces naturelles, se craquèlent, se lézardent. Pour lui, ce phénomène révèle l’interface des forces extérieures et l’intérieures dans les matières, ce qu’il appelle « l’énergie subjacente de la planète ».

Venu dans la forêt de Retz, il découvre une réplique dans les arbres dont l’écorce s’ouvre sur le cœur du bois. Il constate ce même champ de force dans un visage ridé, des stigmates qui intercalent le passé et le présent du sujet. Les mondes de la matière, du temps et de l’histoire y conspirent.

Il peint souvent à partir des photos qu’il prend, par exemple ce qu’il appelle « l’arbre (re)marqué » de la forêt de Retz, dont les fendillements forment une sorte de séisme sur le tronc, traversé par une trace de peinture jaune – arrêt de mort par les bûcherons ?

Il peint aussi des paysages, des bois, un travail long et précis de traits et de couleurs. « Je peins tous les jours. Même au salon je sors mon chevalet de la cave. » Il parle simplement de son travail, mais il est sûr de la vision qu’il poursuit.

“Paix ardente” : lac islandais, tableau sélectionné pour le Salon d’Automne

Dominique Léon a eu plusieurs expositions, dont une à la galerie Moisan à Paris. En septembre dernier il a exposé 70 toiles dans la galerie de la Médiathèque de Villers-Cotterêts sous le titre Crac ! Puissance de la matière. Parmi les tableaux figurait l’image d’un lac islandais, exposé en avant-première du Salon d’Automne à Paris pour lequel elle était sélectionnée, une reconnaissance solide de son statut d’artiste. Il devra attendre : l’événement est annulé.

Dominique Léon est un artiste en recherche, explorateur des forces qu’il a identifiées, engagé dans un voyage initiatique. Chaque toile, aquarelle ou composition en relief est différente, mais elles révèlent toutes qu’une seule image peut évoquer ce qui est, ce qui a été et ce qui sera.

Toutes les photos sont fournies par l’artiste.

[Cet article paraît dans l’édition Villers-Cotterêts/La Ferté-Milon du Vase Communicant n°7. Le texte indique la couleur du trait de peinture comme étant rouge – il est, évidemment, jaune.]

Continuer la lecture

Exposition

Ce que ces yeux voient

Denis MAHAFFEY

Publié

le

L'art du regard

Deux "portraits d'yeux" par l'artiste irlandais Matt Lowry

Le nouveau rétrécissement de la vie culturelle publique offre une occasion de revenir sur le passé. Cet article décrit un projet artistique, évoqué à l’occasion d’une exposition à la Bibliothèque de photos faites par des résidents du Foyer thérapeutique de Soissons en 2011.

Dans notre projet, la page de gauche allait montrer chaque fois deux yeux fixés sur le lecteur. Le texte d’accompagnement se trouverait sur la page de droite. José-Mario Martinez, jeune peintre arrivé à Paris avec la foule de réfugiés chiliens après le coup d’état de 1973, dessinerait ces paires d’yeux. J’écrirais les textes, en décrivant ce que les yeux regardaient. Scènes tendres, familiales, amicales ; tristes, mortifères, désespérantes ; passionnelles, amoureuses, lubriques ; violentes, sanguinaires, atroces.

Les images présentées dans ces écrits seraient donc inventées à partir de ce qu’exprimait chaque regard. La réalité était hors sujet : l’imagination s’efforcerait plutôt de sonder une (non pas « la » !) vérité, ou disons, plus modestement, une vraisemblance.

C’est un exemple extrême, où le cerveau crée tout. Son contraire est le regard d’un sage, un être éclairé qui ne voit que ce qui est, c’est-à-dire tout, rien de moins – ni de plus.

Entre les deux, la plupart d’entre nous mélangeons la réalité de ce que nous voyons avec ce à quoi il nous fait penser. Un enfant dans la rue n’est pas le même dans les yeux de ses camarades, d’une femme enceinte, d’un passant pressé, de sa mère. Moi je ne peux le regarder sans que des souvenirs de mes propres enfants parasitent ce que je vois, le nuancent, l’enrichissent, le diminuent. Chacun dose ainsi les images qu’il enregistre.

Selon l’investissement affectif, la prise sur la réalité, elles s’en rapprocheront ou s’en éloigneront. Que dire du chaos qui filtre ce que voit quelqu’un dans un état psychotique, l’exilant de cette réalité ? L’atelier photo du Foyer thérapeutique tente d’y parer en mettant un appareil photo devant l’œil. Il cadre le regard, met une distance apaisante. L’objectif fait une mise au point pour son image, mais le regard de la personne qui tient l’appareil fait aussi sa mise au point. Pour Philippe Potier, animateur de l’atelier, la photographie aide une personne perturbée à « voir la même chose que tout le monde ». La formule est encourageante, même si, comme je dis, tout le monde voit sa propre chose.

Notre vieux projet à José-Mario et moi devait aboutir à un livre, Ce que ces yeux voient, que nous envisagions avec d’autant plus de liberté que les éditeurs étaient loin de faire monter les enchères pour obtenir les droits ! L’intention n’a pas survécu au déclin et à la chute de l’amitié. Je ne sais pas si José-Mario est à nouveau au Chili.

[Cet article est une mise à jour d’un écrit paru dans le blog Marque-pages Soissons.]


Les paires d’yeux qui illustrent cet article sont de Matt Lowry, artiste irlandais ayant son atelier à Galway, et sont publiées ici avec sa permission. Il utilise l’aquarelle, la gouache et l’encre. Ses œuvres incluent ces images d’yeux, une façon de concentrer un portrait sur un seul élément du visage, souvent si éloquent. Voir MattLowryArt sur Facebook.

Commentaires : denis.mahaffey@levase.fr

Continuer la lecture

Associatif

Des images aux mots, des mots aux images

Denis MAHAFFEY

Publié

le

L'art de la peinture abstraite

Laurence Potié à dr., Jany Haibe à g.

Laurence Potié et Jany Haibe se sont rencontrées au Salon d’artistes amateurs à Belleu il y a trois ans. Elles ont découvert qu’elles puisaient toutes les deux leur inspiration dans l’art non-figuratif.

Ayant suivi chacune son chemin, elles ont décidé d’initier un projet commun et de créer un collectif d’artistes, peintres, modeleurs, sculpteurs et graveurs qui partageraient la volonté de ne pas représenter le « réel » avec tous ses détails.

Laurence Potié

Elles lancent ce projet en exposant toutes les deux leurs œuvres au café associatif Le Bon Coin, qui depuis peu a lancé un programme d’activités culturelles, artistiques et autres.

Sous le titre Inspir’, ces deux peintres ont accroché leurs tableaux dans la pièce derrière la salle de restauration. Pour Laurence Potié, ce sont des représentations de ce qu’elle a ressenti pendant le confinement ; Jany Haibe a consacré un mois d’août intensif à préparer ses toiles. Celles de Laurence Potié restent purement abstraites, des formes souvent saupoudrées d’or qui les illumine ; Jany Haibe inclut des éléments figuratifs, mais toujours énigmatiques, jamais réalistes. Emotions, intuitions, ce sont ces mots qu’elles utilisent pour caractériser leur travail.

Chaque tableau est accompagné d’un cartel blanc contenant, non pas une légende, ni une description, mais quelques mots qui amènent le spectateur à regarder autrement l’image qu’il vient de découvrir. En retour, l’image renvoie aux mots, module leur sens.

Jany Haibe

« Oser réveiller notre âme d’enfant est notre fil conducteur. C’est un moyens de lâcher prise pour se ressourcer au quotidien » ont-elles expliqué aux invités du vernissage.

Un formulaire est disponible à l’exposition pour inviter ceux qui seraient intéressés par le nouveau collectif à laisser leurs coordonnés. Cela permettra que le courant établi entre Jany Haibe et Laurence Potié soit partagé avec d’autres.

Inspir’ jusqu’au 31 octobre au Bon Coin, 2 rue du Pot d’Etain, Soissons

Continuer la lecture
P U B L I C I T É

Inscription newsletter

Catégories

Facebook

Top du Vase