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Musique

Un concert en trois actes et un épilogue

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L'art du chant choral et solo

Les musiciens de La Risonanza et les choristes de Gérard-de-Nerval

La Risonanza avec Katherine Watson à la CMD

Acte I

Dans la grande salle de la CMD, la veille du concert, la répétition d’après-midi commence par la mise au point de la contribution de la chorale lycéenne de Gérard-de-Nerval, en présence de son chef de chant et professeur Nathalie Doyhamboure, et sous la direction de Fabio Bonizzoni, directeur de La Risonanza. Cet ensemble est italien, mais prend régulièrement part à la vie musicale du Département.

Jean-Michel Verneiges, directeur de l’Adama, co-réalisatrice de l’événement, s’adresse aux choristes pour expliquer le sens de leur participation dans ce « concert de tubes ».

Ils répètent leurs deux chants, et s’exercent à faire leur entrée sur le plateau pour le lendemain. Fabio Bonizzoni fait dire les paroles qu’ils chanteront, pour vérifier le texte allemand. Aimablement mais fermement, il ajuste le chant, ses rythmes, modulations et équilibres.

Ils sont remplacés sur le plateau par les musiciens de La Risonanza, en vêtements de ville. Ils commencent par le motet Silenti venti de Handel.

La soprano anglaise Katherine Watson est arrivée, elle aussi habillée pour être à l’aise en travaillant. Elle se lève et avance pour commencer à chanter après le premier passage instrumental. Fabio Bonnizzoni s’entretient avec elle, et ils décident d’un changement. Elle quitte le plateau. L’orchestre joue le premier passage comme une ouverture d’opéra représentant le bruit du vent, puis la chanteuse entre en scène à bonne allure, s’arrête et déclame : « Silence, les vents ! ».

Une répétition ne sert pas à apprendre la partition ; c’est une mise en scène de la musique.

Acte II

Dimanche après-midi, les musiciens prennent place avec leurs instruments, cordistes et une hautboïste, les hommes en costume sombre, les femmes en robes ou jupes de couleur. Ils joueront debout.

Fabio Bonizzoni entre, son nœud papillon vert caractéristique en place, accompagné de Katherine Watson en longue robe blanche étincelante de points d’or. Un concert est aussi un spectacle.

Katherine Watson avec Fabio Bonizzoni et La Risonanza

Le programme commence par Lascia ch’io pianga, air de l’opéra Rinaldo de Handel, aspiration poignante à la liberté. Comme les morceaux qui suivent, l’air instrumental de la Suite No.3 de Bach (Air sur la corde de sol), et les deux solos Rejoice du Messie et Ombra mai fu de Handel, il a une qualité mélodique simple et directe qui touche l’auditeur en profondeur, remue son sens esthétique autant que ses émotions. Une telle musique éveille quelque chose d’endormi. Seule constatation, cependant : s’enchaînant ainsi, ces tubes célébrissimes – et qui méritent leur rang – peuvent surcharger l’attention de l’auditeur, dont la capacité d’émerveillement n’est pas infinie.

La voix de Katherine Watson est chaude et souple, et elle gère parfaitement la gymnastique baroque. Sa présence sur scène est sereine et sérieuse. Pendant les passages où elle ne chante pas, elle regarde la salle de gauche à droite et de haut en bas, comme si elle voulait entrer en contact avec chaque membre du public ; puis sa voix repart.

Le programme passe à des œuvres moins familières : un concerto pour hautbois de Benedetto Marcello, beau et bref, et, pour finir, le motet de Handel en quatre mouvements, dont surtout le dernier, l’Alleluia, est spectaculaire.

En réponse aux applaudissements, elle reprend l’air de Rinaldo du début, complétant ainsi le cercle.

Les applaudissements s’arrêtent enfin, et Fabio Bonizzoni revient seul devant son orchestre. Le concert n’est pas encore fini.

Acte III

Exprimant son désir d’associer le plus de monde possible à la pratique de la musique, pour les bienfaits qu’elle offre, Fabio Bonizzoni annonce la présence de la chorale de Gérard-de-Nerval. Dans deux blocs de fauteuils devant la scène, à gauche et à droite, les élèves, en noir, se lèvent et, sur place, chantent la première chorale de l’Oratorio de Noël de Bach (dont la mélodie revient comme un refrain dans tant de ses compositions). L’effet de cette intervention non annoncée dans le programme est époustouflant. Certaines hésitations de la veille ont disparu, et les voix en déchant, au dessus des autres, font frissonner.

Les choristes quittent leurs places et entrent en scène en file indienne de chaque côté, se croisant pour former un grand demi-cercle. Ils font penser à un corps de ballet. Ils chantent la seconde chorale de l’Oratorio.

Le concert est fini.

Epilogue

Dans sa loge, Kathryn Watson a déjà quitte la robe de scène. Au sujet de l’Alleluia du motet, un défi pour la voix, elle rit : « Oui, on est prêt à tomber comme une masse après cela ! » Quant au regard soutenu en direction du public, elle déclare « Je cherche surtout à contacter les enfants, ici et là, en espérant qu’ils viendront au prochain concert. »

Elle repartira aussitôt pour l’Angleterre en voiture. La beauté du « o » soutenu par lequel Ombra mai fu commence flottera longuement dans l’air de la Cité.

[Modifié le 12/12/18 pour corriger un détail et une coquille]

Le Vase des Arts

Du bon temps au Bon Coin

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L'art du jazz

L’un prend la clarinette, l’autre lève les mains au-dessus du clavier de piano. « All of me , vieux standard de Gerard Marks and Seymour Simon qui ouvre le récital, est une chanson d’amour plutôt lugubre, appelant le/la bien-aimé/e à achever le processus de possession amoureuse. Daniel Amadou à la clarinette (*) et Ludovic Signolet au piano en font un éloge joyeux et espiègle de la vie. Ils jouent dans la petite salle de restaurant, en forme de croissant autour du bar-comptoir, du café associatif Au Bon Coin à Soissons. C’est la deuxième fois qu’ils s’y produisent.

Daniel Amadou

Ecouter la première chanson telle qu’ils l’interprètent, c’est faire une balade dans un bosquet familier, accompagné par un jeune garçon. Le sentier suit son chemin, mais le gamin gambade de chaque côté, en courant, en ralentissant, en accélérant, en s’arrêtant, en sautillant. Voilà qu’il grimpe sur un arbre, puis saute à pieds joints. Puis saisit une branche au dessus de la tête et s’y balance longuement. Son inventivité est sans limite.

Ludovic Signolet

Pour chaque numéro Daniel et Ludovic jouent ensemble, puis chacun fait un solo, puis ils reprennent ensemble. Il s’installe dans la salle une ambiance de bien-être. Le public tape du pied par terre ou des doigts sur la table. La musique est mélodieuse et badine.

Daniel chante aussi parfois, d’une voix un peu effacée, légère, intime, de petits interludes entre les exubérances de la clarinette.

Le programme est éclectique : jazz et folklore antillais, thèmes sud-américains et, à la demande d’une auditrice, Petite fleur de Sidney Béchet (c’est en écoutant cet artiste que Daniel a voulu devenir clarinettiste). Pour finir, une version dansante de I’m beginning to see the light. Pour tout terminer, en bis, le non moins bondissant Hello ! Dolly.

Ensuite, et c’est un atout du Bon Coin, la musique cède la place à la gastronomie : les chaises sont remises en place autour de la dizaine de tables, et le dîner est servi. Aux musiciens aussi.

Pour commenter : denis.mahaffey@levase.fr


(*) Daniel Amadou est également sculpteur. Voir La clarinette et l’ardoise.

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Le Vase des Arts

Un concert en trois mouvements

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L'art du duo violon/piano

Renaud Capuçon avec Guillaume Bellon

Depuis trois ans le grand auditorium de la Cité de la Musique était parsemé de fauteuils vides. Le « concert Capuçon » les a remplis, au point de faire attendre dehors les imprévoyants, dont seuls quelques-uns ont pu se glisser au dernier moment dans les quelques places réservées mais pas prises.

Le violoniste Renaud Capuçon a été rejoint par Guillaume Bellom au piano pour un récital de sonates de Richard Strauss, Debussy et Prokopiev.

Un concert peut être structuré dans l’ordre chronologique des compositeurs. Pour ce concert, l’ordre reflète plutôt la progression stylistique historique. C’est par la sonate op.18 de Strauss que le programme commence. Cette œuvre, d’une difficulté technique redoutable – les spectateurs de la CMD pouvaient s’en rendre compte en regardant – est d’inspiration Romantique allemande, avec ses grandes envolées lyriques.

Debussy, né pourtant deux ans avant Strauss, illustre la fragmentation de ce style : à la place de la structure cohérente d’avant, sa Sonate n°3 est une mosaïque d’émotions et idées qui se bousculent, dans une modulation constante de ton, de tonalité, faisant entrer la musique dans un monde sonore impressionniste qu’il a été le premier à entendre et à traduire. Le Romantisme planant de Strauss est remplacé par l’incertitude, la douleur, la gravité – la sonate a été écrite en 1916, en pleine guerre mondiale. C’est la dernière grande composition de Debussy, mort deux ans plus tard.

La troisième sonate de la soirée, n° 2 op 94bis(*) de Prokofiev, dépasse – ou plutôt fracasse – les subtilités tonales de Debussy. Le compositeur veut surprendre, en cherchant l’inattendu, les discordances, les rythmes cassés. Il revendique cette attitude : « Le mérite principal de ma vie (ou, si vous préférez, son principal inconvénient) a toujours été la recherche de l’originalité de ma propre langue musicale. J’ai horreur de l’imitation et j’ai horreur des choses déjà connues. »

Renaud Capuçon et Guillaume Bellom ont suivi cette évolution à épisodes comme s’ils étaient totalement acquis à chaque étape, et en passant tout simplement de l’une à l’autre. Ils arrivent ensemble à révéler le contenu de chaque élément, le détail et la structure, les changements de ton, d’humeur. Tous les deux font plaisir à voir : comme des danseurs classiques, ils dissimulent l’effort nécessaire pour faire les mouvements des mains sur leur instrument, paraissant toujours sereins même aux passages les plus agités. Chacun a des gestes personnels : Guillaume Bellom fait parfois une sorte de « haut les mains » gracieux au dessus du clavier ; pendant les passages pour piano solo, Renaud Capuçon retourne parfois son instrument et examine le dos, comme s’il cherchait le nom ou la marque du luthier.

Les yeux souvent fermés, Renaud Capuçon joue toujours avec une grande intensité (qui n’empêche pas l’aisance et la souplesse corporelles). Guillaume Bellom au piano n’empiète jamais sur le rôle du violon, mais ne s’efface jamais non plus, toujours à la bonne place dans le duo.

Le programme conclu, les deux musiciens se sont remis trois fois à leurs instruments. Smile, écrite par Chaplin pour son film Les temps modernes, Vocalise de Rachmaninov, et un extrait de la bande sonore de Morricone pour le film Cinema Paradiso, ont permis au public de se détendre après la concentration demandée pendant le récital – et d’être ému autrement.

denis.mahaffey@levase.fr


(*) C’est à la demande pressante du violoniste russe David Oistrakh que le compositeur a transcrit la sonate, d’abord écrite pour piano et flûte (d’où le « bis » après « op.96 »). La nature différente des deux instruments peut être appréciée en écoutant les deux versions l’une après l’autre.

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Le Vase des Arts

Concerto après concerto

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L'art du concerto pour piano

Pour le concert de fin d’année à la Cité de la Musique de Soissons, une ouverture d’opéra de Mozart a précédé un concerto pour piano, également de Mozart, suivi d’un second concerto, pour piano aussi, mais de Beethoven, joués par les jeunes membres de l’Orchestre du Conservatoire de Paris sous la direction de François-Frédéric Guy, en même temps soliste des deux concertos,.

A l’Opéra, une ouverture tend à être entendue comme un simple prélude, pour chauffer la salle en attendant le lever de rideau et le lancement de l’action. En concert, elle devient une œuvre distincte, méritant une écoute plus attentive. Celle de Don Giovanni, qui a précédé les concertos, révèle, dès les premiers accords, qui sonnent comme une sommation, la sombre conclusion qu’auront les badinages du Don, quand il sera englouti dans les flammes de l’enfer.

Le concerto n°20 de Mozart et le n°4 de Beethoven sont des œuvres connues, et les entendre en direct, la vue éclairant l’écoute, enrichit et approfondit l’expérience pour le public.

François-Frédéric Guy joue d’une main, dirige de l’autre.

François-Frédéric Guy dirige l’orchestre à partir du piano. Quand le piano s’absente de la partition, comme pour le long début orchestral du concerto de Mozart, il se met debout et dirige des deux mains, tout en vibrations, même le corps et la tête, au point de faire danser sa chevelure blanche. Quand il doit jouer il s’assied ; quand il n’a besoin que d’une main pour certains passages, il utilise l’autre pour diriger.

Le second mouvement est un bel exemple de la démarche de Mozart. Il commence par une mélodie, simple comme une comptine, qu’un auditeur pourrait imaginer inventer lui-même devant un clavier. Il la développe, en employant toutes les ressources du piano et de l’orchestre, en créant une tapisserie de sons, sans jamais perdre le fil enfantin de la mélodie.

Dès le début du concerto de Beethoven, les thèmes sont familiers et simples, jusqu’à faire penser à l’approche de Mozart. Les étudiants du Conservatoire, dont une quarantaine ont été désignés pour ce programme-ci parmi les trois cents qui participent à l’orchestre, traduisent avec beaucoup de naturel ce qui est rémanent dans la musique : la générosité qui encourage ceux qui l’écoutent à discerner cette valeur dans l’humanité.

Le deuxième mouvement aborde directement la créativité derrière cette attitude, par ses passages qu’on qualifie souvent d’« oniriques », et qui créent une ambiance presque d’improvisation, comme si le compositeur se laissait aller à faire des croquis  les uns après les autres, sans leur donner une structure logique d’ensemble.

Les concertos terminés, et leurs interprètes longuement applaudis par la salle, François-Frédéric Guy est revenu au piano pour jouer, en bis, le premier mouvement de la sonate Clair de Lune de Beethoven, tellement connue des pianistes professionnels et amateurs, mais qui prend une éloquence mélancolique particulière, ajoutée comme pour apaiser les feux des concertos qui l’ont précédé.

Commentaires à denis.mahaffey@levase.fr

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