Connectez-vous avec le Vase

Musique

Un concert en trois actes et un épilogue

Publié

le

L'art du chant choral et solo

Les musiciens de La Risonanza et les choristes de Gérard-de-Nerval

La Risonanza avec Katherine Watson à la CMD

Acte I

Dans la grande salle de la CMD, la veille du concert, la répétition d’après-midi commence par la mise au point de la contribution de la chorale lycéenne de Gérard-de-Nerval, en présence de son chef de chant et professeur Nathalie Doyhamboure, et sous la direction de Fabio Bonizzoni, directeur de La Risonanza. Cet ensemble est italien, mais prend régulièrement part à la vie musicale du Département.

Jean-Michel Verneiges, directeur de l’Adama, co-réalisatrice de l’événement, s’adresse aux choristes pour expliquer le sens de leur participation dans ce « concert de tubes ».

Ils répètent leurs deux chants, et s’exercent à faire leur entrée sur le plateau pour le lendemain. Fabio Bonizzoni fait dire les paroles qu’ils chanteront, pour vérifier le texte allemand. Aimablement mais fermement, il ajuste le chant, ses rythmes, modulations et équilibres.

Ils sont remplacés sur le plateau par les musiciens de La Risonanza, en vêtements de ville. Ils commencent par le motet Silenti venti de Handel.

La soprano anglaise Katherine Watson est arrivée, elle aussi habillée pour être à l’aise en travaillant. Elle se lève et avance pour commencer à chanter après le premier passage instrumental. Fabio Bonnizzoni s’entretient avec elle, et ils décident d’un changement. Elle quitte le plateau. L’orchestre joue le premier passage comme une ouverture d’opéra représentant le bruit du vent, puis la chanteuse entre en scène à bonne allure, s’arrête et déclame : « Silence, les vents ! ».

Une répétition ne sert pas à apprendre la partition ; c’est une mise en scène de la musique.

Acte II

Dimanche après-midi, les musiciens prennent place avec leurs instruments, cordistes et une hautboïste, les hommes en costume sombre, les femmes en robes ou jupes de couleur. Ils joueront debout.

Fabio Bonizzoni entre, son nœud papillon vert caractéristique en place, accompagné de Katherine Watson en longue robe blanche étincelante de points d’or. Un concert est aussi un spectacle.

Katherine Watson avec Fabio Bonizzoni et La Risonanza

Le programme commence par Lascia ch’io pianga, air de l’opéra Rinaldo de Handel, aspiration poignante à la liberté. Comme les morceaux qui suivent, l’air instrumental de la Suite No.3 de Bach (Air sur la corde de sol), et les deux solos Rejoice du Messie et Ombra mai fu de Handel, il a une qualité mélodique simple et directe qui touche l’auditeur en profondeur, remue son sens esthétique autant que ses émotions. Une telle musique éveille quelque chose d’endormi. Seule constatation, cependant : s’enchaînant ainsi, ces tubes célébrissimes – et qui méritent leur rang – peuvent surcharger l’attention de l’auditeur, dont la capacité d’émerveillement n’est pas infinie.

La voix de Katherine Watson est chaude et souple, et elle gère parfaitement la gymnastique baroque. Sa présence sur scène est sereine et sérieuse. Pendant les passages où elle ne chante pas, elle regarde la salle de gauche à droite et de haut en bas, comme si elle voulait entrer en contact avec chaque membre du public ; puis sa voix repart.

Le programme passe à des œuvres moins familières : un concerto pour hautbois de Benedetto Marcello, beau et bref, et, pour finir, le motet de Handel en quatre mouvements, dont surtout le dernier, l’Alleluia, est spectaculaire.

En réponse aux applaudissements, elle reprend l’air de Rinaldo du début, complétant ainsi le cercle.

Les applaudissements s’arrêtent enfin, et Fabio Bonizzoni revient seul devant son orchestre. Le concert n’est pas encore fini.

Acte III

Exprimant son désir d’associer le plus de monde possible à la pratique de la musique, pour les bienfaits qu’elle offre, Fabio Bonizzoni annonce la présence de la chorale de Gérard-de-Nerval. Dans deux blocs de fauteuils devant la scène, à gauche et à droite, les élèves, en noir, se lèvent et, sur place, chantent la première chorale de l’Oratorio de Noël de Bach (dont la mélodie revient comme un refrain dans tant de ses compositions). L’effet de cette intervention non annoncée dans le programme est époustouflant. Certaines hésitations de la veille ont disparu, et les voix en déchant, au dessus des autres, font frissonner.

Les choristes quittent leurs places et entrent en scène en file indienne de chaque côté, se croisant pour former un grand demi-cercle. Ils font penser à un corps de ballet. Ils chantent la seconde chorale de l’Oratorio.

Le concert est fini.

Epilogue

Dans sa loge, Kathryn Watson a déjà quitte la robe de scène. Au sujet de l’Alleluia du motet, un défi pour la voix, elle rit : « Oui, on est prêt à tomber comme une masse après cela ! » Quant au regard soutenu en direction du public, elle déclare « Je cherche surtout à contacter les enfants, ici et là, en espérant qu’ils viendront au prochain concert. »

Elle repartira aussitôt pour l’Angleterre en voiture. La beauté du « o » soutenu par lequel Ombra mai fu commence flottera longuement dans l’air de la Cité.

[Modifié le 12/12/18 pour corriger un détail et une coquille]

Histoire

Isaac l’autre Strauss

Publié

le

L'art d'une musicologue

Isaac Strauss est né à Strasbourg en 1808, 18 ans après la levée de l’interdiction de 1389 aux juifs d’y résider. Fils de barbier, il a débarqué à Paris « avec un violon mais les poches vides » et a fait fortune en tant que compositeur de musique de divertissement, chef d’orchestre, jusqu’à devenir directeur des bals de la cour de Napoléon III et de grandes fêtes officielles.

Laure Schnapper, qui séjourne à Dommiers puis à Saint-Pierre-Aigle depuis 30 ans, est musicologue, universitaire, présidente de l’Institut Européen des Musiques Juives, musicienne. Dans sa biographie de l’arrière-grand-père de l’anthropologue Claude Lévi-Strauss, elle retrace les étapes sa vie.

A ne pas confondre avec la dynastie Strauss de Vienne, Isaac est tombé dans l’oubli après sa mort en 1888, reconnu seulement pour sa vaste collection de judaïcas, objets du culte et de la vie quotidienne des juifs de France. Cela peut s’expliquer par le peu de respect pour sa musique festive« fonctionnelle et répétitive », avec ses valses, polkas et quadrilles. D’où l’absence de partitions, ou seulement en transcription pour piano, « pâle reflet d’une musique de bal qui se voulait particulièrement flamboyante et festive ».

Laure Schnapper vise la « biographie sociale », situant Strauss le compositeur dans son époque, celle de l’essor de la musique, de l’intégration des juifs et leur participation à l’émergence de la société moderne.

Quel est l’attrait de ce livre pour les non-spécialistes ? D’abord, comme dans un roman, apprendre l’histoire d’Isaac et de son émancipation exemplaire ; ensuite, pour pénétrer dans le monde oublié de la musique de divertissement et de ses effets sociaux. L’approche est érudite, avec tout un appareil de références, renvois, index (« J’ai mis cinq ans » admet l’auteur), mais l’écriture est claire et élégante, et le texte est illustré de multiples gravures de presse, fragments de partitions et même dessins humoristiques d’époque.

Un livre pour les spécialistes mais aussi pour un lecteur prêt à redécouvrir une société pleine d’élan et de vigueur, disparue dans la confusion du passé mais que l’auteur fait émerger avec conviction et éloquence.

Musique et musiciens de bal : Isaac Strauss au service de Napoléon III. Editions Hermann, Paris 2023.

[Cet article paraît dans le Vase Communicant, édition Villers-Cotterêts/La Ferté-Milon n°19]

Continuer la lecture

Le Vase des Arts

La musique Romantique poursuit son chemin à la Cité : Mendelssohn et Grieg

Publié

le

L'art de la musique Romantique

La dominante Romantique de la saison musicale 2023-24 à la Cité de la Musique de Soissons, illustrée par le concert de l’Orchestre Nationale de Lille en septembre, avec Grieg et Tchaïkovski, est confirmé par celui de l’Orchestre de Chambre de Nouvelle Aquitaine, avec Mendelssohn et, encore, Grieg.

La soliste Manon Galy et le chef d’orchestre Mark Coppey

Comme pour marquer quand même une parenthèse entre les deux programmes Romantiques, et rappeler que les silences peuvent, non pas interrompre la musique mais créer des respirations dans l’écoute, le concert a commencé par Words, une très courte œuvre de la compositrice allemande contemporaine Isabel Mundry.

Ensuite, la très jeune violoniste Manon Galy, lauréate aux Victoires de la musique 2022, a remplacé Alexandra Soumm comme soliste dans trois concerts avec ce même programme, sous la direction de Mark Coppey.

Il s’agit d’un des défis auquel doit faire face tout violoniste. Le concerto de Mendelssohn met à l’épreuve sa virtuosité et sa sensibilité.

Ce qui s’est passé a été une sorte d’histoire… romantique. Manon Galy est arrivée sur scène, étincelante en lamé argent, l’air fragile, le visage fermé. Après les quelques notes qui précédent l’entrée du violon au début – une nouveauté par rapport au schéma Classique, qui veut que l’orchestre joue une introduction, comme une mini-ouverture, elle a attaqué. La cadence vers la fin du premier mouvement a été brillante, le basson et la flûte ont fait le pont et elle s’est lancée dans le mouvement lent, exaltant, contemplatif et parfois déchirant. Son visage a changé, elle s’est détendue, et avec le troisième mouvement furieusement énergétique, elle a confirmé sa maîtrise. Une réussite, et elle le savait car elle était souriante en saluant la salle et l’orchestre.

En bis, elle a osé affronter la Méditation de Thaïs de Massenet, piège pour tout musicien susceptible d’être tenté de faire pâmer la salle. Manon Galy est restée ferme, évitant toute sentimentalité, tout…romantisme, et a ému. Encore une Victoire, que le public a semblé reconnaître par son accueil.

Avant le concert la harpiste Iris Torossian prépare son instrument, noir comme sa robe.

Ce grand moment passé, les auditeurs ont pu se laisser divertir et charmer par les deux suites Peer Gynt de Grieg. Les trois « tubes » font toujours plaisir, à écouter et, dans une salle de concert, à voir, et les cinq autres pièces, moins familières, se laissent davantage connaître.

Ce double événement, et les autres concerts programmés pour la saison, proposent un long regard vers l’ère Romantique, dont les compositeurs, laissant leur inspiration, les mouvements de leurs émotions, générer les formes de leur art, bousculaient les structures plus ou moins strictes de composition des époques Baroque et Classique.(*)

(*) Admettons que les amateurs du Baroque et du Classique défendent ces structures (comme ceux qui, en poésie, préfèrent le sonnet et l’alexandrin au vers libres) en pensant qu’au lieu d’entraver la créativité elles l’éperonnent, posent un défi fécondateur au compositeur (comme au poète).

Un commentaire ? denis.mahaffey@levase.fr

Continuer la lecture

Le Vase des Arts

Concerto et symphonie d’amis : Grieg et Tchaïkovski

Publié

le

L'art de la musique Romantique

Alice Sara Ott au piano, Alexandre Bloch à la baguette, attentif l'un à l'autre

Les programmes papier de la Cité de la Musique accordent une place prépondérante à la carrière des solistes et du chef. Les œuvres font de temps de temps l’objet des excellents « guides d’écoute » rédigés par la Classe d’Analyse de Christine Paquelet au Conservatoire. Mais parfois ils contiennent une petite mise en contexte des œuvres, toujours brève, profonde, instructive – et anonyme. Pour le concert de l’Orchestre National de Lille à la Cité de la Musique, la feuille distribuée à l’entrée, à côté des noms des musiciens d’orchestre, ce qui est rare, commentent les deux œuvres à jouer, le Concerto pour piano de Grieg et la 5e Symphonie de Tchaïkovski.

Les spectateurs y apprennent que les deux compositeurs se connaissaient et s’appréciaient. Cela éveille l’oreille à une communauté d’approche entre les deux – un exercice enrichissant quand il s’agit de « tubes » classiques, si souvent entendus qu’ils risquent de devenir une musique de fond.

Soliste et chef devant le public

Ainsi, les deux œuvres ont un côté spectaculaire, en faisant pleinement appel aux capacités des musiciens. Pour le concerto, cela inclut l’exploit technique de la soliste, Alice Sara Ott, jeune et presque frêle devant son clavier. Il s’agit de l’aspect visuel d’un concert, de la possibilité pour les auditeurs de « voir » la structure d’une œuvre, à travers les gestes des musiciens, et d’apprécier leurs capacité physique à mettre en sons l’inspiration du compositeur. Le début du concerto est comme toujours extraordinaire, les percussions précédant l’entrée fracassante du piano seul.

La 5e de Tchaïkovski s’engage dans le lent passage de l’inquiétude du début, du doute, vers leur résolution finale dans la certitude.

Par ailleurs, Grieg et Tchaïkovski partagent la capacité, au milieu de passages d’intensité prodigieuse, d’inclure des thèmes capables d’inspirer chez les auditeurs un sentiment si profond que la joie et la tristesse ne s’y distinguent plus.

Après le concerto, et avant la symphonie, Alice Sara Ott a pris la parole pour présenter son « bis ». Elle a parlé du nouveau piano de la Cité, en admettant qu’il lui fallait le temps de s’y habituer, et proposant, après Grieg, « quelque chose de plus intime » : Pour Alina d’Arvo Pärt, œuvre clef de ce compositeur estonien sur son chemin du minimalisme. L’effet dans la salle a été de marquer un interlude dans une soirée de vastes mouvements et de grandes émotions et parfois, dans le cas de Tchaïkovski, admettons-le, d’emphases théâtrales. Le morceau prend quelques minutes, mais il peut durer jusqu’à dix, selon l’interprète : Alice Sara Ott a choisi la brièveté, d’autant plus éloquente dans un océan de Romantisme.


La musique de l’époque Romantique a les faveurs de la Cité de la Musique cette saison, parfois de façon rapprochée : le concert de l’Orchestre National de Lille, avec Grieg et Tchaïkovski, est suivi quinze jours après par un autre, consacré à Mendelssohn et, à nouveau, Grieg.

Un commentaire ? denis.mahaffey@levase.fr

Continuer la lecture
P U B L I C I T É

Inscription newsletter

Catégories

Facebook

Top du Vase

LE VASE sur votre mobile ?

Installer
×