Théâtre
Lettres de guerre : s’écouter enfin
L'art de l'écoute
Les lecteurs : de g. à dr. Nicolas Pierson, Arnaud Duminil… et le troisième. Photo M. Besset
Avec les images des « Paysages de guerre » en toile de fond, des « Lettres de guerre » seront lues à l’ouverture de cette double exposition à l’Arsenal.
Wilbert Spencer, officier anglais de mère allemande, lui raconte la trêve de Noël 1914, ce moment où la guerre s’est butée au sentiment de fraternité entre les adversaires.
Waldemar Möller, 23 ans, écrit à ses parents en Allemagne. Il a été témoin d’une attaque au lance-flamme dans les lignes françaises, mais prévient : « Vous ne devez l’écrire ou en parler à personne. »
Henri Floch, soldat français, s’adresse une dernière fois à sa femme. Il va se confesser, puis sera fusillé pour abandon de poste. « Je meurs innocent du crime qui m’est reproché. »
Le jeune Matthias lit une lettre de sa mère bavaroise. Face aux protestations civiles, les militaires prussiens ont dit aux mères de famille « qu’elles devraient mener leurs enfants dans les champs et qu’ils y mangent l’herbe ».
L’Ecossais James Milne gribouille une lettre d’adieu à sa femme avant l’attaque. Il la gardera dans sa poche, dans l’espoir qu’une bonne âme la lui fera parvenir.
Eugène Poézévara décrit pour ses parents la fin des combats : le soudain silence, mais la mort « qui plane encore ». Deux heures d’attente, « et c’est fini. »
Ces lettres, parmi la quinzaine qui composent « Lettres de Guerre/Letters from the war/Feldpostbriefe », ouvrent de petites fenêtres intimes sur ce qui se passe pendant une guerre.
Ce qui frappe l’auditeur est que ceux qui doivent s’entretuer ne montrent que passagèrement leur hostilité envers leurs adversaires dans les tranchées en face. Les militaires de chaque côté expriment la souffrance physique et morale, la peur, la révolte, les traumatismes, mais aussi la foi, la bravoure, l’humour qu’ils ont en commun. Ils écrivent à ceux qu’ils ont laissés « à la maison » des lettres d’amour, exacerbée par la perspective de ne pas les revoir.
C’est Jacques Delorme, metteur en scène de la compagnie L’Art et la Manière, qui a conçu cette approche englobant alliés et ennemis dans la même peine. Il a recruté trois lecteurs, Nicolas Pierson, professeur de collège et lycée, pour les lettres en français, Arnaud Duminil, germaniste qui a enseigné l’allemand au collège, pour traduire et lire les lettres en allemand, et Denis Mahaffey pour traduire et lire les lettres en anglais.
Les trois lecteurs ont cherché et sélectionné eux-mêmes ces lettres, dont les auteurs sont aussi bien français et britanniques qu’allemands et autrichiens, irlandais, américains. La mise en scène de Jacques Delorme crée un cadre presque chorégraphique, dans lequel les textes s’entrechoquent ou s’éclairent, et où les trois acteurs sont intensément complices et attentifs entre eux. C’est comme si, cent ans après les combats, ennemis et alliés s’écoutent enfin.
« Lettres de guerre », Arsenal, 3 mai à 20h.
L’Art et la Manière, tél. 06 82 23 87 74 ; contact lartetlamaniere02@gmail.com.
[Cet article reprend des éléments d’un précédent texte de novembre 2016, après deux représentations au Fort de Condé et à Pargny-Filain.]
DM ajoute :
Il fallait un accent. Comme j’en possède un, et pas des moindres, j’ai accepté la proposition de lire les lettres écrites par des militaires de langue anglaise. Pour commencer je l’ai fait « pour être arrangeant » car, à la différence de Nicolas (Pierson) et d’Arnaud (Duminil), je n’ai pas des habitudes d’acteur.
La recherche et le choix des lettres en français, en allemand et en anglais ont déjà créé un esprit d’équipe.
La lecture a pris forme sous l’œil appliqué du metteur en scène. Puis j’ai commencé à aimer lire ces lettres, à sentir les hommes qui les avaient écrites et l’émotion dans leurs mots. Je me suis habitué à exprimer ces émotions à leur place (un sanglot m’a surpris la première fois, maintenant je le laisse sortir chaque fois, parce que cela fait partie du jeu). J’ai compris qu’un acteur joue ce qu’on lui demande de jouer, mais que c’est sa propre vérité qui donne de la force à ce jeu. Je ne deviens pas un autre, je le fais voir à travers moi-même.
Nicolas, Arnaud et moi, nous nous sommes ouverts ensemble au regard du public, et cela crée quelque chose qui fait penser à ce beau sentiment, la fraternité.
L'art de jouer
Une femme, l’air abandonnée par elle-même, est assise à une table. Elle parle. « Face à la cheminée, le téléphone, il est à côté de moi. À droite, la porte du salon et le couloir. Au fond du couloir, la porte d’entrée. Il pourrait revenir directement, il sonnerait à la porte d’entrée : “Qui est là — C’est moi”. »
A travers La Douleur, la comédienne Dominique Blanc vit depuis plus de dix ans avec la douleur en tant que comédienne. En 2010, elle a d’abord fait une lecture du texte de Marguerite Duras, puis l’a joué dans un spectacle mis en scène par Patrice Chéreau. C’est dans cette même mise en scène, revue par Thierry Thieû Niang, qu’elle a repris le rôle, d’abord à Paris, ensuite pour une tournée qui l’a amenée au théâtre du Mail à Soissons.
Le texte relate l’attente fébrile d’une femme dont le mari a été déporté dans un camp de concentration allemand en 1944, et son retour. La situation reflète celle de l’auteure elle-même, face à la déportation de son mari Robert Anthelme, et le texte de la nouvelle est adapté d’un journal intime qu’elle aurait gardé pendant cette période d’attente.
La femme sur scène subit l’attente insoutenable, dans une impuissance qui n’est pas exceptionnelle mais celle « de tous les temps, celle des femmes de tous les temps, de tous les lieux du monde : celle des hommes au retour de la guerre »
Etant donné la matière du texte, le public pouvait s’attendre à une performance, dans le sens d’un déploiement de sentiments extrêmes, des crises d’angoisse, des larmes ; un corps à l’agonie, des émotions qui débordent.
Dominique Blanc choisit une autre approche, qui est un défi aux conventions du théâtre. C’est celle de la transparence. Comédienne, elle transmet ce qui se passe, mais sans jamais forcer le trait. La douleur passe par son corps et sa voix sans jamais devenir paroxysme : ils servent de messagers entre le plateau et la salle, sans rien ajouter. C’est au spectateur, pourrait-on dire, de faire ce qu’il veut, ou peut, de ce qu’il voit et entend.
L’aspect physique de la comédienne contribue à cette transmission, son corps en retrait, son regard légèrement tombant, son grand front comme un écran blanc. Dominique Blanc établit une sorte de vide que chaque spectateur remplit par son accueil de ce qu’elle dit et fait.
Pour ceux dans la salle qui ne la connaissaient que par le cinéma, la rencontre en chair et en os a pu confirmer que c’est une artiste dont la force est d’autant plus étonnante qu’elle ne la met pas en avant. Tout est réserve, tout est transparence. Dans La douleur, au lieu de faire voir sa douleur, elle la laisse voir.
Un commentaire ? denis.mahaffey@levase.fr
L'art du théâtre appliqué
Sortis à peine de Les Coquettes (titre laconique et même coquet pour trois humoristes débordant d’énergie et d’à propos sur les sujets qui préoccupent et fâchent les femmes), les spectateurs du Mail – certes peut-être pas les mêmes, et en moins grand nombre – ont pris place dans la même grande salle pour un spectacle de la compagnie Légendes Urbaines : Et c’est un sentiment qu’il faut déjà que nous combattions je crois. Comme, Ce que je reproche le plus résolument à l’architecture française, c’est son manque de tendresse, venue à Soissons en 2021 (*), le titre est tout un programme, un brin provocateur, une façon d’éviter de coller une étiquette rapide sur le sujet abordé.
Le sujet, une constante pour la compagnie, est l’environnement urbain, celui des « quartiers », des « banlieues » populaires. Il s’agit de repérer, derrière les représentations courantes de ces milieux, la vie de ceux qui y trouvent ou ne trouvent pas leur épanouissement, et les raisons matérielles – la conception des grands ensembles – des ratés sociaux.
Le point de départ de la nouvelle pièce est un reportage sensationnel diffusé à la télévision, montrant entre autres l’absence générale de femmes dans certains quartiers, dans les rues et de façon encore plus flagrante dans les cafés. La pièce examine l’origine du reportage, son degré de vérité ou de manipulation, et démonte les mythes autour de tels quartiers portés par les média.
Une question purement théâtrale se pose aussitôt : comment rendre « dramatique » un tel thème, éviter une étude sociologique qui n’accrochera pas le public dans la salle ?
David Farjon est David Pujadas.
La réponse est aussi théâtrale : utiliser tous les ressorts dramatiques pour illustrer les propos. Les six acteurs maîtrisent parfaitement un style naturaliste pour changer de rôles, multiplier les personnages. Ils font des numéros époustouflants, tel le rappeur qui se raconte, ou David Farjon, fondateur de Légendes Urbaines, en parfait interprète du présentateur David Pujadas, dans les coulisses de son émission.
Il y a des mises en abyme, comme quand les journalistes, assis autour d’une table pour discuter, apparaissent en même temps sur un grand écran.
L’imagination est illimitée : pour revenir dans le montage de la discussion filmée, les comédiens se lèvent et font marche arrière en accéléré jusqu’au point à éditer.
Ainsi, même un spectateur peu concerné par le sujet de l’environnement urbain est attiré en impliqué par les astuces du théâtre. A nouveau, Légendes Urbaines met en scène une étude sociologique en la rendant fascinante et inattendue. Un acteur « interprète » un texte ; Et c’est un sentiment qu’il faut que nous combattions je crois interprète la vie des quartiers qu’il met en scène.
(*) Jouée dans la petite salle du Mail, qui a l’avantage de la proximité entre acteurs et spectateurs, et le désavantage d’imposer à presque tout le monde de voir seule une partie de la scène entre les deux têtes devant.
L'art de l'humour au féminin
Dans quelques jours le public du Mail se repenchera sur les problèmes de l’urbanisme dans Et c’est un sentiment qu’il fait déjà que nous combattions je crois, de la compagnie Légendes urbaines, déjà venue au Mail en 2018, et qui poursuivra, avec la même intelligence et verve, son exploration de la vraie vie des quartiers populaires.
Les Coquettes, le spectacle qui l’a précédé, adopte une autre forme théâtrale pour aborder des sujets aussi fondamentaux, mais en déployant d’autres moyens, ceux de l’humour, de la dérision, de la provocation et de la musique. Mais au fond, derrière le sérieux de l’un, et la crânerie de l’autre, le regard des deux spectacles est aussi tendre, aussi empreint d’humanité.
La salle était pleine jusqu’au dernier fauteuil pour Marie Facundo, Mélodie Molinaro et Lola Cès (« la brune hargneuse, la blonde idiote et la ronde rigolote »), confirmation du succès de leur précédent spectacle à Soissons en 2018, dans une configuration un peu différente. Des spectateurs en parlaient encore.
Les trois humoristes jouent et chantent sur des sujets qui comptent pour les femmes, avec une énergie physique et vocale qui tient la salle en éveil. Le déroulement est calibré dans le dernier détail, mais elles savent aussi improviser leurs réactions aux spectateurs, qu’elles interpellent sans l’agressivité de bien des comiques hommes. Personne n’est dévalorisé.
La grande réussite du spectacle est son rythme finement modulé, ses changements constants de ton – Lola, seule en scène, chante même un air triste et désabusé. Une courbe est décrite du début à la fin, le point culminant étant une réflexion (le mot est bien plat par rapport à l’explosion sur scène) sur le fonctionnement du… clitoris, avec un grand panneau explicatif brandi par leur pianiste, Thomas Cassin, et une danse par six marionnettes lumineuses sur le même modèle, manipulées par Lola, Mélodie et Marie.
L’énergie est comme un grand souffle qui se communique à la salle dans une grande jouissance comique partagée. Cependant, au lieu d’être la fin du spectacle, laissant le public dans un état de surexcitation, la courbe marque ensuite un adoucissement, un ralentissement, une descente en douceur, sans perdre le souffle généré.
Elles ont expliqué le titre du spectacle : Merci Francis. Il y a quelques années « ça n’allait pas du tout, pas du tout » entre elles. Francis, un ami dans le monde du spectacle – « tout le monde le connaît » selon elles, sans qu’elles le nomment (quelques efforts sur Internet suffisent pour l’identifier), vient les voir après une représentation, leur dit tout le bien qu’il pense d’elles, et précise « Vous formez un triangle, et dans un triangle il y a trois sommets. » Cela a suffi pour les ressouder et relancer le moteur. Ce serait donc grâce à Francis que Lola, Marie et Mélodie se sont retrouvées au Mail, devant une salle debout qui applaudit leur humour et leur énergie, mais aussi, au fond, leur tendresse.
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