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Théâtre

Prochainement (13déc) / L’impasse des couples

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L'art du seule-en-scène dramatique

Heureux les heureux de Yasmina Reza, avec Carole Bouquet, au théâtre du Mail.

La comédienne Carole Bouquet, travaillant avec l’auteure, a adapté pour le théâtre le roman Heureux les heureux, composé d’une série de portraits-monologues qui illustrent la vie conjugale de plusieurs couples en détaillant les interactions à l’intérieur de chacun, et avec les autres couples, et avec quelques personnes extérieures.

Photo Pixabay

La construction est complexe et intrigante. Les mêmes personnages apparaissent sous différents jours, et peu à peu émerge une micro-société où pas seulement les couples cherchent moins l’entente que la confrontation dans le mariage, mais où les époux butinent ailleurs pour trouver le miel qui manque dans leur couple.

Les portraits sont féroces : petitesse, irritabilité, frustration, angoisse, excès, désespoir ; mais parfois, ils sont marqués par des moments de compréhension, de tendresse, d’acceptation. En général, la fidélité est fade, servant surtout à assurer les arrières. L’infidélité n’est guère plus réjouissante, calculatrice, sans amour, sans passion. La fidélité ne survit que par défaut, le libertinage est étriqué. Les couples sont dans l’impasse, et les peccadilles, ignominies et infamies de leurs petites trahisons n’offrent pas de sortie réelle.

Une galerie de minables, alors ? Non, de gens qui n’arrivent pas à déployer, dans la société qui les encadre, leur capacité humaine à vivre la splendeur de la vie humaine.

L’écriture rend ces portraits, présentés en langage parlé – ce qui a pu faciliter l’adaptation à la scène -, drôles plutôt que navrants. Le texte baigne dans l’humour, par la fine observation des comportements.

Adapté pour le théâtre et une seule comédienne, cet entrecroisement de tant de vies a été radicalement simplifié, et l’histoire devient celle de deux couples mariés, même si l’impact des autres personnes s’entend en coulisse. Seule en scène, Carole Bouquet joue quatre personnages, deux maris et deux femmes. Robert et Odile Toscano vivent sur le pied de guerre l’un contre l’autre, Robert y perdant souvent pied, Odile ayant un amant. Hélène Barnèche est habitée par une longue relation extramaritale qu’elle a eue autrefois avec un homme dominateur qui avait éveillé sa sensualité, négligée par son mari Raoul, joueur pur et dur dont l’horaire est réglé non pas sur le jour et la nuit, mais sur les heures d’ouverture des salles et club de jeu.

Ce choix de rétrécissement était difficile à éviter si l’on devait faire d’un roman à tant de personnages un « seule-en-scène ». Il n’enlèvera rien à la finesse d’oreille de Yasmina Reza.


La célébrité au cinéma donne une sorte de patine à celles et à ceux qui l’incarnent. Leurs éventuels passages au théâtre attirent alors des spectateurs qui, connaissant intimement leur image sur l’écran, veulent les voir en chair et en os. C’est comme voir enfin l’original d’un tableau disponible jusqu’à là seulement dans des reproductions.

Alors quand Carole Bouquet, dont l’image est passée si souvent au cinéma Le Clovis, arrive en personne au théâtre du Mail, sa présence ne peut qu’ajouter du piquant au texte qu’elle joue.

Le Vase des Arts

La fin d’une affaire

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L'art du monologue

Patricia Roland incarne la femme bafouée.

La voix humaine de Jean Cocteau est un défi pour toute actrice. Seule sur scène avec un téléphone, une femme conjure son amant de ne pas la quitter, plaide, pleure, tente de convaincre. En vain. A la fin, incapable d’agir, elle le supplie de raccrocher.

Patricia Roland de la compagnie amateur L’art et la manière, et née à Chivres-Val,  relève le défi, cherchant en elle-même la matière première de son jeu. « Le plus difficile est de faire comprendre ce qui est dit à l’autre bout de la ligne. » Ces autres voix – l’homme, son majordome, la standardiste, une appelante sur une ligne croisée – ne s’entendent que dans les réactions de la femme. « Je suis seule, mais je dois « jouer » les autres rôles. »

Le texte est poignant, pour l’actrice comme pour les spectateurs, car il touche à l’amour bafoué, qu’il soit vécu ou redouté. Mais c’est l’art du théâtre qui, en agitant l’esprit, le libère.

Jean Cocteau a écrit La voix humaine en 1929, et la pièce a été créée par Berthe Bovy en 1930. De nombreuses actrices et cantatrices (pour l’adaptation par Francis Poulenc) se sont mesurées aux exigences de ce texte, au théâtre, à l’opéra ou à l’écran, dont Anna Magnani, Ingrid Bergman, Madeleine Robinson, la soprano Denise Duval, Simone Signoret (qui l’a enregistré sur disque, en exigeant de le lire chez elle, sur son lit, avec son propre téléphone, qui a pleuré en le terminant, et qui a dû être convaincue de laisser diffuser l’enregistrement).

Pour jouer le rôle, toutes ont dû affronter le sujet intime de l’abandon, réel ou craint. Il leur a fallu le courage d’entrer dans la peur atavique d’être laissé seule, cauchemar des enfants, danger perçu ou renié en entrant dans une relation. Etre aimée, puis ne l’être plus. Perdre la dignité, être humiliée.

Pour jouer La voix humaine il n’est pas nécessaire d’avoir vécu le retrait froidement calculé de l’amour. Il faut plutôt ouvrir la porte à ce fantôme universel qui hante l’humain. C’est ce défi-là que relève à son tour Patricia Roland. Comment être la même après s’y être aventurée ?

Selon Jacques Delorme, directeur artistique de la compagnie et metteur en scène de cette pièce, qui a longuement travaillé avec elle, « A la répétition, parfois Patricia pleure, parfois pas. » Son jeu ne devient pas mécanique.

Sur scène, en jouant La voix humaine, Patricia Roland devient le guide pour une visite de la douleur affective humaine.

La voix humaine au Mail les 2 déc. à 20h30 et 4 déc. à 17h15 (Téléthon), et au théâtre St.-Médard le 15 janv. à17h.

[Une version antérieure de cet article est parue dans le Vase Communicant n° 343.]

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Le Vase des Arts

François-Xavier Demaison : la montée en extravagances

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L'art de l'humoriste

Le directeu r de théâtre se souvient de son beau militaire.

La salle du Mail, aussi remplie qu’avant le Covid, a réagi avec enthousiasme dès que François-Xavier Demaison, avec une énergie tonique, a surgi sur scène. La plupart le connaissaient par ses nombreux passages à l’écran ; d’autres attendaient de le découvrir ; combien avaient assisté au Mail à son spectacle de 2008, quand il a raconté sa reconversion de banquier new-yorkais, devenu conscient de la fragilité de la vie, en humoriste ?

Ses qualités dépassent largement celles nécessaires pour un humoriste de série, c’est à dire des flèches (« Un Italien ? c’est un Français de bonne humeur »), une grande aisance d’échange avec les spectateurs, du dynamisme à revendre, ça c’est essentiel, à moins d’exhiber la lassitude existentielle d’un Gaspard Proust (dont le dernier spectacle au Mail s’appelait Pfff !). Il a aussi un fil rouge : dix bouteilles de vin, fabuleuses au point de mériter le jeu de mots du titre : « Di(x)vin(s) » ; chacune mène à l’histoire des circonstances dans lesquelles il l’a bue (avec son père, ou une Américaine survitaminée qui commence chaque phrase par « My Gaaaad !! »).

François-Xavier Demaison se distingue par le rythme qu’il impose à ses récits et à l’interprétation des personnages qui les habitent. Il commence posément, le contexte est mis en place, la distribution précisée. Mais il y a une rapide montée en puissance, et en extravagance. Il pointe l’élément décisif de la personnalité de chacun, le rend énorme, même grotesque. Le public le suit dans son alpinisme du dément.

Le boxeur : “Droite ! Droite : Uppercut !”

En parlant d’une de ses bouteilles il se présente en directeur du théâtre, descend dans la salle, s’insère dans le troisième rang, obligeant les spectateurs à se lever pour passer. Pourquoi ? Il a perdu son chat, en devient presque hystérique, car le minet risque de faire pipi sur le velours. Il enchaîne avec l’histoire de sa rencontre avec un beau militaire pour lequel son cœur avait battu la chamade. Il porte le récit au paroxysme, se penche, le ventre contre le bord de la scène, et invite le spectateur qu’il a désigné à profiter, comme le beau militaire de ses souvenirs, de la situation. Le spectateur s’acquitte honorablement de son devoir en lui mettant généreusement la main aux fesses.

Ceux qui ont vu le spectacle de 2008 ont eu le plaisir de retrouver son vieux boxeur sonné, à l’articulation approximative, à la démarche cahotante. Sa mâchoire inférieure en saillie, il sautille en criant « Droite ! Droite ! Uppercut ! »

Il est absurde, mais il est touchant, voilà ce que François-Xavier Demaison réussit à montrer dans ses personnages ; ils sont caricaturaux, mais attendrissants, ces êtres humains fragiles comme la vie.

Commentaires : denis.mahaffey@levase.fr

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Le Vase des Arts

Les raisins de la colère : la justice sociale attend encore

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L'art de l'adaptation

Xavier Simonin, Manu Bertrand, Stephen Harrison et Claire Nivard. [Photo Sea Art]

Le livre de John Steinbeck de 1938, le film de John Ford de 1942, et aujourd’hui l’adaptation au théâtre par Xavier Simonin : Les raisins de la colère était d’actualité à sa publication, à sa sortie au cinéma, et aujourd’hui sur scène. La misère sociale a pu changer de forme, de victimes, mais elle ronge encore les sociétés. Le médium change pour raconter ce monde, mais l’histoire reste une protestation contre un système politique.

Le spectacle donné au théâtre du Mail raconte à sa façon l’histoire de la famille Joad, dont Ma et Tom, pendant la Grande Dépression des années Trente, et de son exode de la ferme qu’elle a perdue dans l’Oklahoma dévasté par la sécheresse. Ils nourrissent l’espoir de trouver une vie meilleure loin de là, en Californie, où ils rêvent de gagner leur vie en cueillant les célèbres pêches.

Les voyageurs, qui se trouvent dans un flot d’autres refugiés, sont mal accueillis tout le long de la Route 66. Rejetés comme une menace par les habitants des régions qu’ils traversent, chassés, victimes d’harcèlement policier, les « Okies » sont mal reçus partout.

Arrivés enfin en Californie, ils se trouvent encore victimes d’exploitation par des gros propriétaires, qui profitent de l’affluence des arrivants pour baisser les salaires et les conditions de vie. L’image de la fin est touchante : Rose of Sharon, fille de la famille, donne le sein à un vieillard mourant affamé.

Dans l’adaptation théâtrale, l’ambiance autour des faits est créée par trois musiciens, Stephen Harrison, Manu Bertrand et Claire Nivard (compositrice de plusieurs chansons, dont I’ll be there, qui renouvelle la protestation contre la misère). Les chansons, dont des standards de l’activisme politique américain, comme ceux de Woody Guthrie, alternent avec les scènes l’action, allégeant le contenu brutal du texte, jusqu’à faire taper du pied dans la salle. Frêle ou somptueuse, mais toujours à propos, la musique approfondit le sens du spectacle,

Xavier Simonin, metteur en scène aussi, prend sur lui, non pas de raconter mais de jouer l’histoire, en incarnant tous les rôles. Des conversations tendres ou tristes, des échanges brusques, il change de rôle, de posture, de voix, concentrant ainsi l’action dans un seul corps.

C’est une performance, comme on dit ; sa virtuosité est évidente et, c’est paradoxal, elle peut faire de l’ombre à la cruauté et le désespoir du texte. Pourtant, ensemble avec le trio de musiciens, elle permet de faire revivre, faire connaître ou rappeler un monument de la littérature activiste, de la littérature tout court.

Raisins de la colère : le titre est une citation du Battle hymn of the Republic, dont les paroles ont été écrites au 19e siècle par l’abolitionniste Julia Howe, en rappelant les Livres bibliques d’Isaïe et de la Révélation. Il s’agit d’invoquer la colère – ou plutôt l’ire, le courroux – divine qui écrasera et détruira les puissants, les méchants, le mal. L’œuvre de Steinbeck, sans évoquer directement l’intervention divine nécessaire, montre que Dieu n’avait pas encore agi.

Commentaires : denis.mahaffey@levase.fr

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