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Théâtre

Prochainement / La panoplie des hontes

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L'art de la création théâtrale

La chorégraphie des mouvements

Mercredi 24 oct. J-13. L’auditorium du Mail

Moins de deux semaines avant la première de Je ne marcherai plus dans les traces de tes pas au Mail, et après plusieurs mois de répétition, le metteur en scène, les comédiens et les techniciens s’attachent sur le plateau de la grande salle à coordonner chaque détail du jeu, des vidéos, de la musique, de la chorégraphie. Comment arriveront-ils à en faire un spectacle cohérent dans le temps qui leur reste ?

Vincent Dussart, directeur artistique de la compagnie de l’Arcade et metteur en scène de la pièce commandée à Alexandra Badea, s’attache à mettre de la « fluidité » dans ce qui se passe.

Xavier Czapla, Laetitia Lalle Bi Bénie et Juliette Coulon en répétition

Sur scène, Xavier Czapla, Juliette Coulon et Laetitia Lalle Bi Bénie jouent trois sociologues en partance pour une mission en Afrique de l’Ouest. Assis chacun sur un tabouret blanc, ils attendent leur tour pour se faire vacciner. C’est le début de la pièce.

Derrière eux, le décor est implacable : une cloison d’une blancheur aveuglante, divisée en huit panneaux qui s’éclairent ou s’assombrissent sous les projecteurs.

A leur droite (côté jardin), et en pleine vue de la salle, le musicien Roman Bestion gère sa partition électronique sur un ordinateur.

Comment se sent-il, Vincent Dussart, si près de la première alors que la production semble encore bien brouillonne ? « Ca va. » Pas de trac ? « Les affres de la création. » Il le dit avec humour. On sent que les joies dépassent les affres.

La pièce avait été commandée à la dramaturge roumaine Alecandra Badea, avec une consigne : traiter de la honte. Un séminaire sur le sujet avait été mené avec l’université de Lille pour fournir une base théorique à son écriture. Il y a un an, une première prise en main du texte a eu lieu sur la scène du Mail, avec deux des trois comédiens actuels.

Ceux qui suivent le travail et le parcours de Vincent Dussart depuis l’arrivée à Soissons de l’Arcade pour une première résidence en 2010 comprendront que le sujet s’intègre dans ses questionnements constants sur les freins et manques qui empêchent les êtres humains de construire leur « soi », et de le vivre dans la plénitude et la liberté. La honte écrase la jouissance, soumet la personne au regard – vécu comme méprisant – des autres.

Les sociologues pourraient se sentir armés contre la honte : reconnus, investis d’une tâche importante, privilégiés, de quoi auraient-ils honte ? Eh bien, chacun cache son secret, et ces secrets détruiront leur collaboration. Chacun a sa source de honte, comme s’il l’avait choisie dans une panoplie – ou avait été choisie par elle. Dans chaque cas la honte a ses racines dans l’enfance. A la fin, sans qu’une fin heureuse soit garantie, il y a une sorte de recommencement pour tous les trois, qui décident de faire un retour sur la blessure d’origine, forger un nouveau regard, considérer la possibilité de se pardonner. Surtout, et le titre de la pièce indique ce renouveau, ils pourraient repartir, mais cette fois sans suivre les traces laissées par d’autres pas. Aller sur son propre chemin, sans encombrement, s’accepter au lieu de se rejeter. Sans honte.

Vincent Dussart en silhouette devant la scène

Mercredi 31 oct. Jour J-6

Devant un petit public formé de membres d’une association avec laquelle l’Arcade réalisera un futur projet, les comédiens travaillent la même scène. Il ne s’agit plus de minuties techniques, tout est devenu plus fluide. Le metteur en scène s’occupe des acteurs. Il laisse chacun interpréter son rôle, mais intervient pour ajuster ce qu’on pourrait appeler la dynamique, la ligne d’énergie de l’ensemble. Il insiste que Juliette donne plus de force au mot « malgré », pour interrompre une réplique lisse. Il demande à Laetitia de déplacer son épaule « d’un centimètre, ça suffit », pour transformer une attitude d’assurance en position de méfiance.

La chorégraphe France Hervé intervient pour ajuster les attitudes, les mouvements. Les comédiens ne dansent pas, mais leurs déplacements et gestes sont chorégraphiques. Il y a un mouvement commun et répété des bras, qui tournent furieusement tout près de la tête, comme si la personne essayait de se libérer d’une gangue.

Mardi prochain, alors que tout ce travail préparatoire sera devenu invisible à l’intérieur d’une pièce de théâtre, les spectateurs seront amenés à suivre une histoire, mais aussi à résonner intérieurement à la honte sur scène.

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Je ne marcherai plus dans les traces de tes pas, 6 novembre à 20h30 dans la grande salle du Mail.

[Voir aussi : Vivre au théâtre : un portrait de Vincent Dussart.]

Le Vase des Arts

La fin d’une affaire

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L'art du monologue

Patricia Roland incarne la femme bafouée.

La voix humaine de Jean Cocteau est un défi pour toute actrice. Seule sur scène avec un téléphone, une femme conjure son amant de ne pas la quitter, plaide, pleure, tente de convaincre. En vain. A la fin, incapable d’agir, elle le supplie de raccrocher.

Patricia Roland de la compagnie amateur L’art et la manière, et née à Chivres-Val,  relève le défi, cherchant en elle-même la matière première de son jeu. « Le plus difficile est de faire comprendre ce qui est dit à l’autre bout de la ligne. » Ces autres voix – l’homme, son majordome, la standardiste, une appelante sur une ligne croisée – ne s’entendent que dans les réactions de la femme. « Je suis seule, mais je dois « jouer » les autres rôles. »

Le texte est poignant, pour l’actrice comme pour les spectateurs, car il touche à l’amour bafoué, qu’il soit vécu ou redouté. Mais c’est l’art du théâtre qui, en agitant l’esprit, le libère.

Jean Cocteau a écrit La voix humaine en 1929, et la pièce a été créée par Berthe Bovy en 1930. De nombreuses actrices et cantatrices (pour l’adaptation par Francis Poulenc) se sont mesurées aux exigences de ce texte, au théâtre, à l’opéra ou à l’écran, dont Anna Magnani, Ingrid Bergman, Madeleine Robinson, la soprano Denise Duval, Simone Signoret (qui l’a enregistré sur disque, en exigeant de le lire chez elle, sur son lit, avec son propre téléphone, qui a pleuré en le terminant, et qui a dû être convaincue de laisser diffuser l’enregistrement).

Pour jouer le rôle, toutes ont dû affronter le sujet intime de l’abandon, réel ou craint. Il leur a fallu le courage d’entrer dans la peur atavique d’être laissé seule, cauchemar des enfants, danger perçu ou renié en entrant dans une relation. Etre aimée, puis ne l’être plus. Perdre la dignité, être humiliée.

Pour jouer La voix humaine il n’est pas nécessaire d’avoir vécu le retrait froidement calculé de l’amour. Il faut plutôt ouvrir la porte à ce fantôme universel qui hante l’humain. C’est ce défi-là que relève à son tour Patricia Roland. Comment être la même après s’y être aventurée ?

Selon Jacques Delorme, directeur artistique de la compagnie et metteur en scène de cette pièce, qui a longuement travaillé avec elle, « A la répétition, parfois Patricia pleure, parfois pas. » Son jeu ne devient pas mécanique.

Sur scène, en jouant La voix humaine, Patricia Roland devient le guide pour une visite de la douleur affective humaine.

La voix humaine au Mail les 2 déc. à 20h30 et 4 déc. à 17h15 (Téléthon), et au théâtre St.-Médard le 15 janv. à17h.

[Une version antérieure de cet article est parue dans le Vase Communicant n° 343.]

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Le Vase des Arts

François-Xavier Demaison : la montée en extravagances

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L'art de l'humoriste

Le directeu r de théâtre se souvient de son beau militaire.

La salle du Mail, aussi remplie qu’avant le Covid, a réagi avec enthousiasme dès que François-Xavier Demaison, avec une énergie tonique, a surgi sur scène. La plupart le connaissaient par ses nombreux passages à l’écran ; d’autres attendaient de le découvrir ; combien avaient assisté au Mail à son spectacle de 2008, quand il a raconté sa reconversion de banquier new-yorkais, devenu conscient de la fragilité de la vie, en humoriste ?

Ses qualités dépassent largement celles nécessaires pour un humoriste de série, c’est à dire des flèches (« Un Italien ? c’est un Français de bonne humeur »), une grande aisance d’échange avec les spectateurs, du dynamisme à revendre, ça c’est essentiel, à moins d’exhiber la lassitude existentielle d’un Gaspard Proust (dont le dernier spectacle au Mail s’appelait Pfff !). Il a aussi un fil rouge : dix bouteilles de vin, fabuleuses au point de mériter le jeu de mots du titre : « Di(x)vin(s) » ; chacune mène à l’histoire des circonstances dans lesquelles il l’a bue (avec son père, ou une Américaine survitaminée qui commence chaque phrase par « My Gaaaad !! »).

François-Xavier Demaison se distingue par le rythme qu’il impose à ses récits et à l’interprétation des personnages qui les habitent. Il commence posément, le contexte est mis en place, la distribution précisée. Mais il y a une rapide montée en puissance, et en extravagance. Il pointe l’élément décisif de la personnalité de chacun, le rend énorme, même grotesque. Le public le suit dans son alpinisme du dément.

Le boxeur : “Droite ! Droite : Uppercut !”

En parlant d’une de ses bouteilles il se présente en directeur du théâtre, descend dans la salle, s’insère dans le troisième rang, obligeant les spectateurs à se lever pour passer. Pourquoi ? Il a perdu son chat, en devient presque hystérique, car le minet risque de faire pipi sur le velours. Il enchaîne avec l’histoire de sa rencontre avec un beau militaire pour lequel son cœur avait battu la chamade. Il porte le récit au paroxysme, se penche, le ventre contre le bord de la scène, et invite le spectateur qu’il a désigné à profiter, comme le beau militaire de ses souvenirs, de la situation. Le spectateur s’acquitte honorablement de son devoir en lui mettant généreusement la main aux fesses.

Ceux qui ont vu le spectacle de 2008 ont eu le plaisir de retrouver son vieux boxeur sonné, à l’articulation approximative, à la démarche cahotante. Sa mâchoire inférieure en saillie, il sautille en criant « Droite ! Droite ! Uppercut ! »

Il est absurde, mais il est touchant, voilà ce que François-Xavier Demaison réussit à montrer dans ses personnages ; ils sont caricaturaux, mais attendrissants, ces êtres humains fragiles comme la vie.

Commentaires : denis.mahaffey@levase.fr

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Le Vase des Arts

Les raisins de la colère : la justice sociale attend encore

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L'art de l'adaptation

Xavier Simonin, Manu Bertrand, Stephen Harrison et Claire Nivard. [Photo Sea Art]

Le livre de John Steinbeck de 1938, le film de John Ford de 1942, et aujourd’hui l’adaptation au théâtre par Xavier Simonin : Les raisins de la colère était d’actualité à sa publication, à sa sortie au cinéma, et aujourd’hui sur scène. La misère sociale a pu changer de forme, de victimes, mais elle ronge encore les sociétés. Le médium change pour raconter ce monde, mais l’histoire reste une protestation contre un système politique.

Le spectacle donné au théâtre du Mail raconte à sa façon l’histoire de la famille Joad, dont Ma et Tom, pendant la Grande Dépression des années Trente, et de son exode de la ferme qu’elle a perdue dans l’Oklahoma dévasté par la sécheresse. Ils nourrissent l’espoir de trouver une vie meilleure loin de là, en Californie, où ils rêvent de gagner leur vie en cueillant les célèbres pêches.

Les voyageurs, qui se trouvent dans un flot d’autres refugiés, sont mal accueillis tout le long de la Route 66. Rejetés comme une menace par les habitants des régions qu’ils traversent, chassés, victimes d’harcèlement policier, les « Okies » sont mal reçus partout.

Arrivés enfin en Californie, ils se trouvent encore victimes d’exploitation par des gros propriétaires, qui profitent de l’affluence des arrivants pour baisser les salaires et les conditions de vie. L’image de la fin est touchante : Rose of Sharon, fille de la famille, donne le sein à un vieillard mourant affamé.

Dans l’adaptation théâtrale, l’ambiance autour des faits est créée par trois musiciens, Stephen Harrison, Manu Bertrand et Claire Nivard (compositrice de plusieurs chansons, dont I’ll be there, qui renouvelle la protestation contre la misère). Les chansons, dont des standards de l’activisme politique américain, comme ceux de Woody Guthrie, alternent avec les scènes l’action, allégeant le contenu brutal du texte, jusqu’à faire taper du pied dans la salle. Frêle ou somptueuse, mais toujours à propos, la musique approfondit le sens du spectacle,

Xavier Simonin, metteur en scène aussi, prend sur lui, non pas de raconter mais de jouer l’histoire, en incarnant tous les rôles. Des conversations tendres ou tristes, des échanges brusques, il change de rôle, de posture, de voix, concentrant ainsi l’action dans un seul corps.

C’est une performance, comme on dit ; sa virtuosité est évidente et, c’est paradoxal, elle peut faire de l’ombre à la cruauté et le désespoir du texte. Pourtant, ensemble avec le trio de musiciens, elle permet de faire revivre, faire connaître ou rappeler un monument de la littérature activiste, de la littérature tout court.

Raisins de la colère : le titre est une citation du Battle hymn of the Republic, dont les paroles ont été écrites au 19e siècle par l’abolitionniste Julia Howe, en rappelant les Livres bibliques d’Isaïe et de la Révélation. Il s’agit d’invoquer la colère – ou plutôt l’ire, le courroux – divine qui écrasera et détruira les puissants, les méchants, le mal. L’œuvre de Steinbeck, sans évoquer directement l’intervention divine nécessaire, montre que Dieu n’avait pas encore agi.

Commentaires : denis.mahaffey@levase.fr

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